文藝復興時期——大師巨匠橫空出世

白鶴

文藝復興時期：藝術的繁榮發展

一提到文藝復興時期的藝術，哪怕對西方藝術一知半解的人，都能說出達·芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、提香等藝術巨匠，以及《蒙娜麗莎》、《最后的晚餐》、《大衛》、《西斯廷圣母》等傳世藝術名作。在一般大眾心目中，文藝復興時期的藝術一度幾乎成了西方藝術的代名詞。

但要對文藝復興時期的藝術有一個較全面和客觀的把握，最好不要僅僅局限于那些耳熟能詳的傳世名作，而應將這一時期的藝術置于時代的社會和文化情景中，尤其是要考察它們究竟是“為何”以及“如何”產生的。

首先是廣泛和多樣化的藝術需求。文藝復興時期，城市社會世俗生活的發達造就了廣泛和多樣化的藝術需求，使藝術品無論數量和種類都遠遠超過中世紀。

其次，藝術需求通過藝術贊助來滿足。文藝復興時期是藝術贊助的時代，幾乎所有重要藝術品都是訂制的。贊助人并非單純的出資者，不只關心價格、人手、完成時間等問題，也關注藝術品的風格、題材、內容、布局等，他們在很大程度上影響甚至決定著藝術品的最終面貌。

再次，文藝復興藝術的發展亦得益于發達的手工藝傳統。文藝復興藝術發端于手工業發達的佛羅倫薩并非偶然。在文藝復興時期，藝術家都是在手工藝作坊中成長起來的。

最后，除了各門藝術的相互交融，文藝復興時期，藝術還開始借助其他學科知識以獲得創新和發展。15世紀的藝術家開始研究數學、幾何光學、解剖學等知識，對文藝復興藝術家來說既是挑戰，也是藝術家社會地位和形象逐漸發生轉變的契機。

文藝復興初期藝術家波提切利

波提切利運用十五世紀新的繪畫方法，發展了中世紀的裝飾風格，創造出富于線條節奏，精致明凈的獨特畫風。作品有《春》、《維納斯的誕生》等。

波提切利受當時富有的梅迪奇家族之一的成員洛倫佐·美弟奇之托，為他的鄉村別墅繪制了《維納斯的誕生》這幅名畫。畫中，維納斯站在一只貝殼上，從海中升起，飄飛在一陣灑落的玫瑰花中的風神，將貝殼吹拂到岸上。四季女神展開了一件紫色斗篷，迎接正要上岸的維納斯。

文藝復興三杰：達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾

達芬奇的《最后的晚餐》

達芬奇完成這件作品之前，修道院院長頻頻到場催促。達芬奇解釋說，像他這樣的一些“天才”，有時看似清閑，實際上正忙得很，因為他需要“冥思苦想，完善各種構思”，然后動手實現。達芬奇說，除非天上賜他靈感，否則，很難完成耶穌的頭像，而對猶大這種卑鄙的叛賣者，物色合適的頭像同樣需要時日。由此可見達芬奇對這幅壁畫的人物心理變化之掌握極為傳神而復雜。

達芬奇名作《蒙娜麗莎》

《蒙娜麗莎》是一幅享有盛譽的肖像畫杰作。它代表達·芬奇的最高藝術成就。畫中人物坐姿優雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓盡致地發揮了畫家那奇特的煙霧狀“無界漸變著色法”般的筆法。

畫家力圖使人物的豐富內心感情和美麗的外形達到巧妙的結合，對于人像面容中眼角唇邊等表露感情的關鍵部位，也特別著重掌握精確與含蓄的辯證關系，達到神韻之境，從而使蒙娜麗莎的微笑具有一種神秘莫測的千古奇韻，那如夢似的嫵媚微笑，被不少美術史家稱為“神秘的微笑”。

米開朗基羅：人類藝術史上一座高峰

米開朗基羅，這是一個讓人充滿敬畏的名字。他是人類藝術史上的一座高峰，令人仰視。作為文藝復興時期的巨匠，他以超越時空的宏偉大作，在生前和身后都形成了無與倫比的巨大影響。五個多世紀來，人們懷著朝圣般的心情欣賞他的不朽杰作，并被他的蓋世才華、堅強毅力和雄偉氣魄所震撼。

1534年，教皇委托米開朗基羅為西斯廷禮拜堂祭壇作壁畫。當時他正經歷精神與信仰的危機，他選擇用“最后的審判”這一主題來展現所承受的巨大痛苦。

拉斐爾筆下的圣母

拉斐爾短短的一生（只活了37年）創作了近300幅畫，其中以描繪圣母的畫幅占絕對優勢，所以人們習慣上把拉斐爾與嬌美柔順的圣母形象聯系在一起。拉斐爾一直在對古代藝術進行研究。拉斐爾把圣母的臉畫得更加溫柔，他把古代女神的神態畫得更精致、更柔和。在他的畫中，古代藝術獲得了再生，并發展成一種新的不同的完美形式，拉斐爾的成就代表了文藝復興時期繪畫的最高水平。

意大利文藝復興盛期藝術家：提香

提香打破以往繪畫中的種種規定，毫無虛偽做作，表現出對世界的覺醒的、開放的觀察，把油畫的色彩、造型和筆觸的運用推進到新的境界。他畫中的女性形象尤其豐滿，譬如《烏爾比諾的維納斯》除了帶來視覺上直接的誘惑外，還會傳遞一種感官上的快感，完全掌握女性裸體的情欲美。他的《酒神祭》（The Andrians）和《酒神和亞里亞得妮》等神話題材的作品，則洋溢著歡欣的情調和旺盛的生命力。

提香的《酒神巴克斯與阿里阿德涅》

大師提香的《酒神巴克斯與阿里阿德涅》講述的便是希臘神話中酒神巴克斯與克里特島公主阿里阿德涅一見鐘情的故事。

提香的《烏爾比諾的維納斯》

《烏爾比諾的維納斯》這幅作品表現出提香細膩描繪的功力與創新構圖。畫面前方橫躺著一位身體勻稱的裸體美女。

北部文藝復興的代表人物：丟勒

丟勒是北歐藝術的宗師，也是第一位到意大利學畫的德國畫家。他的作品中以版畫最具影響力，尤其是木刻版畫和銅板畫最為出色。

十五世紀前后，歐洲藝術的中心還在意大利，文藝復興的巨大成就使丟勒充滿了憧憬與向往，因此他不惜長途跋涉，三次翻越阿爾卑斯山，向意大利的藝術大師學習，研究文藝復興的構圖、透視的技巧。隨后，他將意大利文藝復興的形式與理論傳播到歐洲北部，并且成功的將文藝復興的理念與哥德式的個人主義風格相結合。丟勒在三次到意大利途中，一絲不茍地將許多風景和生物的神態記錄下來，他也可能是西方繪畫史上第一位對大自然做直接寫生的畫家。

當時日耳曼地區從東方傳入印刷術，然后很快地發展成精密的版畫技術。丟勒在這種環境之下成為一位很出色的木刻版畫和銅板畫家。

丟勒的《亞當和夏娃》

畫中的亞當與夏娃，是德國繪畫史上第一次用和自然人體大小相同比例所繪制的裸體畫。

亞當與夏娃在這幅畫中的形體是纖細、苗條的，輪廓線條柔和。其中亞當是以一種稍微傾斜的方式來構圖的，他的身體重心落在左腿上，右腳輕輕地抬起，右手微微向后擺，以平衡身體的重心。波浪式的頭發、憩靜的表情、像想要說話的半開半閉的嘴等等，他的姿勢，就像一個舞蹈姿勢那般的優美。然而溫柔甜蜜的夏娃，微微傾身，好像要更仔細地傾聽伴侶的聲音一樣，她邁出了一只腳，給人動感的印象。