音樂對芭蕾發展及對訓練與表演的重要性

■蘇鈺琳

音樂對芭蕾發展及對訓練與表演的重要性

■蘇鈺琳

芭蕾舞經過了幾個世紀的傳承與發展，一直不斷地追求完美，渴望突破。在當今時代已經成為了一種優雅的代表，高貴的代名詞。從路易十四時期到現在芭蕾界盛行的爵士芭蕾與現代芭蕾，芭蕾舞經歷了很多不同風格的時期。從宮廷禮樂到古典音樂，再到富有各種風格的交響樂，以及現在許多編導常用的搖滾樂、爵士樂。芭蕾舞表現的內容正隨著音樂種類的多樣化也漸漸發展廣泛。由此可見，音樂在芭蕾藝術發展史上，對于舞蹈表現的意境以及風格都起到了一種不可代替的引導作用。

古典交響樂與古典芭蕾

在俄羅斯學院派古典芭蕾舞劇中，最眾所周知的的代表作就是柴可夫斯基的“三大夢幻芭蕾”——《天鵝湖》《睡美人》和《胡桃夾子》。柴科夫斯基是一位非常熱愛大自然的音樂家。俄羅斯美麗的大自然給予他激情，而他也經常留意在那些激情之中捕捉某些素材，這能夠給他的創作帶來無止境的靈感。在柴可夫斯基的《天鵝湖》中，尤其可以在音樂中聆聽出這一特點。整部舞劇樂章透明度高，動感十足。

第一幕和第三幕中炫目華麗的色彩將輝煌的宮廷盛宴表現的淋漓盡致。第二幕與第四幕表現天鵝湖畔的樂章，音色華麗，質感柔和，低音深沉哀怨，中音平滑、高音纖細，仿佛白天鵝一切的形、動、聲都在每一個音節中展示在觀眾的面前。整部樂譜節奏感清晰，強弱拍突出。從而，《天鵝湖》的編導彼季帕，也自如地運用了芭蕾舞中上百種大小幅度不同的舞步來表現每一個音色需要訴說的故事。演員在熟悉了舞步之后，能夠有足夠廣闊的潛在空間可以將自身融入進音樂，用自己的肢體將樂章“唱”出來。其音樂內在的魅力，完全能夠將演員帶入真正的天鵝湖畔，如天鵝般偏偏起舞。

芭蕾史上第一部有完整戲劇情節的芭蕾舞劇：彼德·哈爾羅德·赫特爾的《無益的謹慎》（又名：《關不住的女兒》），當時為了用芭蕾舞高雅的表演方式講述一個鄉村姑娘的愛情故事，從而加入了許多與民族風格有關的民間元素，整個作品都富有濃郁的鄉土氣息。與此同時，隨著音樂風格的帶動，舞劇里也不僅僅局限于芭蕾舞足尖的表現，還有木屐舞。編導根據音樂風格，利用木屐的特點而設計了用木屐鞋踢打地板的動作來發出脆響的聲音與那一段音樂風格作出了巧妙的輝映。

現代交響芭蕾的引導者——喬治·巴蘭欽

1904年出生于俄國圣·彼得堡，1924年移居美國，并且被后人譽為現代交響芭蕾巨匠的——喬治·巴蘭欽，在芭蕾舞歷史上有著不可替代的影響。他改革和豐富了古典芭蕾舞，使芭蕾舞成為揭示音樂形象的主要表現手段。

通過《小夜曲》（1934）、《巴羅克協奏曲》（1941）、《水晶宮》（1947）、《競技》（1957）等一系列作品，巴蘭欽形成了自己獨特的“音樂芭蕾”風格。他本人在音樂方面有著非常高的造詣，因此他及其重視芭蕾舞與音樂的和諧一致。在他看來，純舞蹈性的芭蕾中沒有故事，沒有外界力量，只有音樂。演員們用美麗的肢體語言表達音樂，用音樂節奏和舞蹈結構充斥著某種思維或是肢體動作的純真之美。在他的作品中，對于動作在音樂節奏方面的處理，常常與以往的古典芭蕾有很大差別。單從音樂來講，他所用的樂章，每個

小節的拍數經常會出現不同的變化，而非古典芭蕾中正常的八拍，并且在動作上對身體重心以及動作的重拍的處理上也可謂是“變幻莫測”。這就對演員有了更高的要求。這種情況下，只有當演員真正了解了編導的意圖與編舞的思維邏輯，以及確切地熟悉了音樂的內容之后，才能夠更加深入地用肢體語言揭示出這種非同尋常的音樂表現手法。

巴蘭欽的交響芭蕾是現代芭蕾的開端，他完成了芭蕾舞從古典到現代的蛻變，因而成為美國乃至世界現代芭蕾的主流，也獲得了經久不衰的贊賞，并且受人敬仰。

風靡當代的爵士芭蕾、搖滾芭蕾

爵士芭蕾與搖滾芭蕾，顧名思義就是以爵士樂、搖滾樂作為音樂伴奏的芭蕾舞。它們是當今世界各地的現代芭蕾舞編導們最青睞的芭蕾舞的表現種類及手法。

隨著社會的進步，音樂種類的發展，芭蕾舞也隨之出現了各種各樣的表現形式。遍布世界各地的編舞家們，也都紛紛大膽的嘗試用芭蕾舞足尖的方式，配合各式各樣的音樂風格，來表現不同的作品內容。在這一類型的芭蕾舞中，動作與音樂更是不可分割的。編導們通常運用爵士及搖滾音樂中，突出的節拍特點，以及各種重金屬樂器的特殊音效，盡情地展開思維想象，運用各種盡可能的方式，甚至借鑒許多其它類別的舞蹈動作，來體現爵士音樂和搖滾音樂的個性特點。從而利用當今時代的音樂作品，來表達現代人的思想方式、審美方式，甚至一種生活狀態。

演員在訓練中對音樂節奏把握的重要性

從接觸芭蕾舞的第一天起，音樂伴隨著整個課堂從開始到結束。那么由此可見音樂對于芭蕾舞來說，不僅僅是在舞臺上的組成部分之一，在課堂里它也同樣重要。

芭蕾舞的動作，規范總結有上百種。訓練中，音樂的風格與動作的風格一定要做到吻合，在訓練過程中也必須清楚音樂節奏的區別，以及兩個動作之間性質上的差別。在訓練中并不是單純的數節奏，而是需要真正地融入到音樂風格中去，了解音樂節奏的意圖。尤其到了中間的練習，由于脫離了扶把的支撐，不成熟的學生便容易為了動作而動作，刻意地為了節奏而數節拍。這樣的情況很糟，但卻是最常見的。

因此，對于訓練來說，一個好的鋼琴老師在整個課堂里就成為了重中之重，如果音樂選擇不好，或是鋼琴老師的水平不足以能夠體現出音樂的風格、節奏與性質，那么它會影響一個演員做動作的激情與積極性。尤其是對于年齡小的學生來說，也會失去訓練他們在動作中如何恰到好處地處理與把握不同風格的音樂的意義。所有的動作看上去都會沒有生命力。

從藝術表現的方式上來說，舞蹈與音樂分別是給予欣賞者視覺和聽覺兩方面的感官享受。因此，音樂對于舞蹈來說是不可分割的。在芭蕾舞的發展史上，每一個不同時期的音樂和每一位不同的作曲家，在他們的作品中都有他們各自的風格，并且都會帶有當時的文化藝術背景特征和不同國度的文化藝術特點。演員詮釋舞蹈作品的同時，如果能夠深入音樂、了解音樂，很大程度上對于作品的內容理解以及角色塑造方面有著不可言喻的幫助。一切的動作都是在深入音樂后，發自內心的表現出來。用音樂體現舞蹈，用舞蹈表達音樂。