高平：音樂廳不是我唯一的舞臺

曾經感慨遺憾，今生錯過貝多芬、李斯特、肖邦等古典、浪漫音樂時代，現在，有幾個鋼琴家兼及專業作曲？有幾個作曲家即興登臺演奏？

2015年12月19日，我在深冬寒意中走進國家大劇院小劇場，“鋼琴的獨白與對話——高平鋼琴、室內樂作品音樂會”帶給聽眾無以言表的幸福與溫暖。上半場，《窗外》《夜巷》《谷應》《匿吻》四部；下半場《旋律遺棄》《殘余的探戈》《舞狂——向皮亞佐拉致敬》三部。這是我第一次聽中國的鋼琴家現場演釋自己的原創作品。高平不止讓你聽他彈的鋼琴，聽他寫的音樂，同時，還聽他歌唱中的“戲劇”。

早就聽說，音樂廳不是高平唯一的舞臺。一年到頭，他相守鋼琴的創作，永遠藏在公眾視線之外；他相伴鋼琴的表演，相當比例都放在音樂廳之外。在都市名流聚集的文化沙龍，那些遠離繁華喧囂、相對安謐雅靜、有情調有味道的地方，高平和詩人、畫家互為知音，和諧共處，琴·形·影和音·詩·畫，互動交感，相映成趣。李西安教授認為，高平是第六代作曲家中的代表人物之一。這樣精準的定位，將人們概念中的鋼琴家劃歸到了專業作曲家行列。

● - 紫茵 ○ - 高平

● 高平你好，請原諒，最近我才真正開始關注你。在四川音樂學院宿舍大院，你的父母——高為杰老師和羅良璉老師，看著我長大成人。而我又看著你，從一個圓頭圓腦、濃眉大眼的可愛男孩，忽的一下，長成英俊瀟灑、儒雅健朗的陽光青年。

我和讀者最感興趣的話題，可能還在于你，怎樣完成一個鋼琴家到作曲家的所謂“華麗的轉身”？毫無疑問，作曲，肯定受父親影響更多吧？聲樂，你的母親，優秀的歌唱家、教育家，她給你正式上過課嗎？

○ 謝謝！你認識我父母比我還早啊（笑），應該比別人更了解我和我們家。我經常在說，如果沒有我的父親、我的母親，肯定就沒有高平的今天、今天的高平。

相比我父親母親那一輩人，我們真的很幸運。我父親是非常偶然地接觸到西方古典音樂，一下子就癡迷進去了，自己立志要當作曲家。我生于1970年，可以說，在媽媽肚子里就聽著琴聲、歌聲。好像川音的娃娃不學音樂都沒對頭，所以我五六歲就開始學鋼琴。我媽媽沒想過要教我學聲樂，她非常希望我能成為一個不錯的鋼琴家。

最初，我母親所在聲樂系的劉振漢教授的大兒子三羊（劉毅昭）教我。他戴著一副深度近視眼鏡，教過好多像我這樣淘氣的小娃娃。其中，劉憶凡后來考上川音，在1980年的肖邦國際鋼琴比賽中獲“諧謔曲演奏獎”，他是“文革”后我國第一個重大國際鋼琴比賽的獲獎者。

我真正的啟蒙老師是林瑞芝教授。她的先生俞抒教授和我父親同在作曲系，既是師生同事，又是朋友搭檔。他們與朱澤民教授1981年合作的《蜀宮夜宴》，在1983年全國第三屆音樂作品評獎暨首次民族器樂作品評獎中名列榜首。

七歲左右，我開始跟楊漢果教授正式學鋼琴，從此不再磨皮擦癢耍耍噠噠，好像一下開了竅，越來越喜歡、迷戀鋼琴。

重要的是，我發現可以用鋼琴來說我想說的話，音樂比文字更能表達我的心情和想法。可能我音樂的記憶能力和模仿能力，要比一般孩子強一些？十歲左右，在川音琴房聽作曲系學生何訓田、宋名筑彈作業，我就想把譜子記下來，用鋼琴彈出來。那時我的鋼琴彈奏技術不是最好的，但即興演奏能力特別強，經常在鋼琴上彈些隨心所欲的東西。十一二歲時，我已試著把自己在鋼琴上即興彈奏的、想要表達的音樂，清楚而準確地記在譜紙上，自得其樂。

我想，父親很早就發現了我這方面的苗頭。可能他在心里早就想象過、期許過，我將來會成為一名作曲家。我從彈鋼琴到搞作曲，是一個自然“進化”發展的過程。我和音樂學院作曲專業學生的動機不同，沒有從附中開始按部就班地學作曲，從四大件一步一步訓練。我是從聽音樂開始，音樂熏陶，應該是我的第一個老師。

● 現在你有五六十部作品，比有些專業作曲家都多。你還能想起來，你的處女作是什么樣的嘛？

○ 毫無印象。二十世紀八十年代初，我父親出差到貴州，在他的學生胡曉那兒，第一次看到了我的“作品”：一首小前奏曲，是我送給胡曉本科畢業的一份禮物。那時我可能覺得自己會作曲，即興彈奏的音樂，寫了相當復雜的和聲，父親說用得很不錯。

真正有印象的第一首作品是一首鋼琴木管三重奏，早期大多是寫小品類的東西。在川音附中鋼琴專業畢業后，我去美國留學，繼續主修鋼琴。碩士畢業考博士，還是以鋼琴考入辛辛那提大學音樂學院。可是作曲教授特別喜歡我，覺得我很有作曲的天分，硬拽著我讀了作曲博士，2003年畢業。在正式學作曲之前，我已經寫過一些作品，在音樂會上又經常演奏自己的作品，別人也把我當作是作曲家。這個過程簡單而自然。

● 貝多芬和舒曼、李斯特、肖邦都是集作曲和演奏于一身，格什溫鋼琴彈得也很棒，《藍色狂想曲》是他自己擔任首演獨奏的。

前不久在國家大劇院講座上，李西安教授說“現在的音樂舞臺上，只有一個高平，他能把一度創作與二度創作合為一體。特別是他可以在現場即興作曲和演奏，這是不可替代的，是極大的優勢。”你所具有的開創性的、個性化的獨特優勢，前后的中國鋼琴家、中國作曲家，好像還沒有范例。

依我說，你是鋼琴家的最佳作曲、作曲家的最佳鋼琴，鋼琴家和作曲家的最佳演唱，這和中央音樂學院盛原教授的說法“英雄所見略同”。他說，高平是當今世界為數不多的、鋼琴家里作曲最好的或者作曲家里鋼琴最好的。兩者兼顧，有點像十八、十九世紀的音樂家。在某種程度上，你的音樂讓他想起了肖邦和德彪西。這種鋼琴語匯，使演奏者在專業技術上與生理動作上都能得到很多無法言表的快感。

○ 盛原教授確實對媒體說過類似的話，還說他彈我的作品，有時感覺好像在彈他自己的作品一樣，有種非常親切的感覺。雖然他不會作曲，但在性格或者內心深處某個角落，和我可能有種共通之處，好像他的話都被我說出來了。

盛原認為我的音樂十分獨特，能捕捉到人的內心世界的深處，甚至能捕捉到人下意識的靈魂深處，這令他非常感動。單就捕捉而言，難；用語言表達，很難；用音樂表達，更難。重要的是，打破了國籍概念、種族文化和創作觀念的限制，大量吸收不同民族、不同時期的音樂文化，甚至是不同學科的藝術組合體。

● 一位音樂家能夠得到同行的真誠好評和高度贊賞，可不容易。

最近我在翻閱一些舊報紙查資料，偶然看到雷蕾2006年12月8日發在《音樂周報》上的一篇文章：《一個充滿激情的音樂靈魂——旅新音樂家高平最新室內樂專輯》，標題很有“煽動性”。這應該是我在任《音樂周報》副總編輯時，經三審三校讀過的文章。雷蕾從作曲專業角度的表述，很有說服力。

如今的你不可與十年前同日而語。從附中學生的“業余”作曲，到博士畢業的專業作曲，你在技術層面的更新提升不言而喻。在音樂語言系統的建構、審美的取向、文本的調整上，你感覺有什么變化？

○ 我沒有條條框框，無禁忌無顧慮。我希望自己能站在超越民族和國籍一個大文化的高度，理解表現音樂。

可以說，我學習作曲都是從我的經驗里來的，而不是老師告訴我，應該這樣，不應該那樣。早期即興性、試探性的作曲，我是出于本能、發自內心，希望自己可以擺脫西方傳統作曲相對固化的法則與模式。從1998年在美國辛辛那提大學音樂學院，攻讀博士轉向作曲專業，這種自覺能動又有了更為堅實的技術支撐。

2002年，我寫了一部鋼琴與大提琴的中型作品，這應該是我作曲的轉折點。2003年，我參加美國波士頓“奧諾斯”國際作曲比賽，為長笛與鋼琴而作的《小奏鳴曲——風與雪的對話》獲得第一名。這些年委約和演出過我作品的著名中外音樂家，包括鋼琴家、小提琴家、歌唱家、指揮家有數十位，還有瑞士“金字塔”六重奏團、柏林鋼琴打擊樂重奏團、芝加哥室內交響樂團及上海愛樂樂團、廈門交響樂團、紫禁城室內樂團等數十個中外樂團。

我的作品曾在世界各地重要國際音樂節首演，如美國阿斯本音樂節、拉維尼亞音樂節、辛辛那提MusicX現代音樂節、荷蘭高德雅姆斯音樂節、德國德累斯頓音樂節、澳大利亞布里斯班Encounter音樂節、加拿大班夫國際音樂中心、新西蘭惠靈頓國際藝術節、日本Hibiki Hall音樂節、澳門國際藝術節、北京現代音樂節，等等。新西蘭作曲家協會2010年給我頒發了CANZ托拉斯基金獎。

美國作曲大師弗德里克·熱夫斯基曾說，“高平是為古典音樂傳統帶來新鮮血液的青年音樂家。一場高平的音樂會，如同一次名副其實的歷險與奇遇”。

● 現在就來談談你的音樂會，2015年歲末這場“獨白與對話”。

如實招供，你回國開了那么多音樂會，我竟陰差陽錯地再三錯過。自1994年在北京音樂廳聽過你參加中國首屆國際鋼琴比賽的演奏后，二十多年，我對高平鋼琴演奏尤其是高平自創作品的聽覺經驗等于“零”。這樣也好，從“零”開始，不帶任何聽覺經驗、偏見成見地聆聽，純粹干凈真實自然。

聽了這場音樂會，我被你的音樂徹底征服，絕對是心悅誠服。重新認識一個新的高平，你的音樂讓人靈魂出竅，感動莫名！聽完音樂會后特別想和你聊，然后，好好出一篇文章。

○ （又是略帶羞澀沉穩平和的笑）謝謝！

經常有媒體引用我一句話：音樂的創造仿佛是一棵樹，千萬的枝葉無不發自于樹的根。我的音樂也有它的根，那就是記憶，個人的以及群體的記憶。

在我童年的記憶中，有趣的事情似乎總是發生在窗外。面對不得不做的功課，深陷練琴的無奈時刻，我的心思更容易飛出窗外。這樣的感受，好像并不因為長大而改變。窗外始終意味著幻想，意味著解放和自由。

音樂會第一首《窗外》是我2011年為北京琴童張司瀅小朋友而作的四首小品，不過這首曲子好像更適合成人來演奏，一般琴童恐怕彈不了，很難。張司瀅小朋友是優秀的小演奏家，前幾年就比我那天彈得好。呵呵，很抱歉，我沒把它寫成一首真正意義上的兒童鋼琴曲。

在《夜巷》中，我想表達一種不期而遇的如夢幻般的詩境。讀陳丹青先生的《階級與鋼琴》，同他類似的感受觸動我的創作靈感。我也曾在無意中聽到自己耳熟能詳的音樂，這通常未必會讓我激動的音樂，在特定的時空情景中，突然間有了新的含義、色彩與質感，這是一種可遇而不可求的享受。我不得不說，我的確也像陳丹青先生，偏愛這樣不經意間的驚喜的傾聽。該曲受第四屆中國國際鋼琴比賽委約而作，半決賽必彈曲目。2007年10月在廈門比賽期間由十二名入圍選手首演。我把此作題獻給敬愛的恩師周廣仁先生。

● 我也喜歡讀陳丹青的書，偶爾翻翻還記得那段文字：在北京、上海、南京，我幾度有幸與巴赫或肖邦的鋼琴幽靈在濃黑樓道中相遇。……奇怪，在紐約林肯中心或卡內基音樂廳正襟危坐聆聽名家演奏，也不如在這陌生樓道的家常陣地駐足偷聽，魂靈出竅，感動莫名，哪怕偷聽的只是小童的初習。這種感覺深深觸動我心靈的共鳴，只是我從未將其化為文字或音樂。

徐志摩的《月夜聽琴》有類似感應：“是誰家的歌聲，和悲緩的琴音，星茫下，松影間，有我獨步靜聽……”還喜歡林徽因的《深夜聽到樂聲》：“這一定又是你的手指，輕彈著……我不禁頰邊泛上了紅，靜聽著，這深夜里弦子的生動。一聲聽從我心底穿過，忒凄涼，我懂得，但我怎能應和？”夢想永遠比現實美好，所以我非常喜歡你的《夜巷》，音樂清幽散淡，卻又跳脫林氏詩文的凄切哀怨。

○ 我喜歡山，經常跑到山里去游玩。那有很多在城市聽不到的各種各樣有趣的聲音，人在山里能體會到種種的神秘與空靈。

《谷應》靈感就來自這種體驗，它是我近年寫作“山系列”中的一件。音樂中沉浮不定的旋律，如山中飄蕩的浮云、繚繞的霧氣，又像萬物之聲在山谷之間的回響。第一樂章由新西蘭Promeathean出版社委約，2010年被收入該社出版的四手聯彈作品集。

《匿吻》是一部多樂章組曲，這是類似音樂日記的作品，用它記錄一些當時的感受，有的是非常個人化的內向情感，另一些則來自外部世界的影響，客觀因素發生作用時的心理狀態。它就像一部將會長期處于“未完成”狀態、可能還會不斷后續新樂章的作品。鋼琴家不僅要彈而且要唱，有時還要捶打喊叫，音樂帶有強烈的戲劇色彩，這類作品有時被稱為“鋼琴劇場”。第一樂章“匿吻”，焦慮的小夜曲，私密、不安；第二樂章“煤灰”如同來自深井煤礦下不見天日的黑色的聲音，充滿陰郁而憤怒；第三樂章“蕭蕭”像一支山歌，樸質，有點無奈。歌詞來自沈從文先生的同名短篇小說：嬌家門前一重坡/別人走少郎走多/鐵打草鞋穿爛了/不是為你為哪個。這段文辭可能不是他的原創，應該是他聽過的鄉謠？原曲什么樣我沒概念，只按自己的想法譜成曲子；最后樂章“一天一個世界”，帶有滑稽戲謔、荒誕詭異、莫名其妙的感覺，形形色色嬉笑怒罵般的音樂以炫目的速度飛逝而過，而曲終卻是一段傷感的小調，寂寞冷清，長吁短嘆，漸漸消失在黑夜里。

● 在音樂中你的文字導引一一呈現，而且留有自由空間，令人浮想聯翩。盛原作為你的嘉賓，兩個大男人擠在一張琴凳上，四只大手這樣舞過來舞過去的，《谷應》由此變得非常有意思，意趣橫生，妙不可言。

一首《蕭蕭》橫空出現，實在讓人猝不及防，心靈震撼。我立馬想起很久以前讀過的那個短篇。沈從文，我青春期的男神，他的文字天然帶出田園牧歌般的情調。在他的筆底，湘西少女蕭蕭，命運聽從的是自然人性的召喚。你用“絲”的情歌比喻那個山野漢子再合適不過了，在花狗的山歌聲中，一個少女變成了婦人，可見這山歌富于非凡的魅力。

深刻的印象更來自你的歌唱，非常獨特。我就奇怪，一種最純樸的吟唱，既不是美聲，一點不像被你母親調教過的美聲；也不是民族或原生態，那完全不是一回事兒；肯定也不是通俗流行。你就是你，高平的天然有機“綠色”歌唱法。

○ 我認為，音樂是有質感的，應該是人的內心情感最真實自然的流露。

音樂是時間的藝術，是一個消失的過程，生命消逝的過程，這是音樂最本質的東西，也是音樂最打動人的地方。音樂，其實也是音樂家對消逝生命本身的一種抗衡。演奏者在讓樂譜“活起來”的過程中，無界越界或多種解讀是一種必然。音樂撲朔迷離的不確定性正是它獨有的魅力。我經常說，即興性具有音樂最原初最本真的質感，真正是轉瞬即逝，一下抓不住就消失了。如果能把靈光閃現的瞬間記錄下來，表現出來，那就太有價值了。

● 你的音樂中就有大量即興性的靈光頻閃的光焰華彩。這除了你的天分或直覺之外，還應該與你國際化的生活經歷有關？○ 毫無疑問，如果我沒有很早就走出去學習，很可能表演和創作又會是另一種形態、狀態。這種跨文化的生活經歷，可以讓我在作曲中，自然而即時地找到自己的音樂語言，既可以與本民族語言對話，也可以與他民族語言對話，在音樂材料的選擇上也有很大的自由度。我認為時間和距離，可以讓人更冷靜、更客觀、更理性地看待自己的文化。出國之前，很多東西都屬于被忽視或輕視的范疇。出國之后，我重新認識、反思、自省，真正感悟到曾經忽視甚至輕視的東西非常珍貴。這些東西應該并且可以豐富或改變我的藝術行徑與作為，鋼琴甚至更多西洋樂器，可以說中國話也可以說外國話。

● 我非常喜歡音樂會下半場的《殘余的探戈》（Lef Tango）。

○ 這首曲子說起來還有點意思。2013年1月，新年喜慶余興未盡，我因左眼的小手術，好幾天彈琴閱譜不便，這才發現原來“睜一只眼閉一只眼”實乃不易之功。無奈之余閉目“瞎摸”，竟也漸漸生成這首曲子的創作靈感。

中文里有句成語“孤掌難鳴”，英文里有“it takes two to tango”，皆含有事與愿違、美中不足之意。左手彈琴勢單力薄，應算是一種“不足”，但其局限恰恰提供了獨特的可能性，或可以稱其為一次“超越”的契機。困難之克服，常常能產生一種奇特的魅力。“Lef Tango”一語雙關，Left既附會了左手彈琴的生理制約（Left在英語中有“左”的意思），也暗示了如同記憶碎片般的寂寥情愫。這首樂曲有很強的“情景感”甚至是“情節感”，有時我甚至想象它是一部默片的配樂。我把此曲獻給遠在新西蘭、癡迷于Tango的一對朋友John和Collen。

有段時間，我對阿根廷作曲家阿斯圖爾·皮亞佐拉的音樂非常著迷。在他的音樂里，新與舊和諧并存且生機勃勃，這是一種純樸硬朗的作曲風格。《舞狂——向皮亞佐拉致敬》作于2000年，這是我和皮亞佐拉的“神交”對話。該作對我來講具有特殊意義，因為它與我的中國文化背景無關。有人曾質疑，中國作曲家怎么可能寫出外國作品。我認為當然可以啊，為什么就不可能？荷蘭鋼琴家Marcel Woms曾在皮亞佐拉的故鄉演出《舞狂》，布宜諾斯艾利斯的觀眾報以真誠的掌聲！

● 曾聽過高男高音歌唱家肖瑪演釋你父親譜寫的元曲小令三首，那是古典文學與現代音樂的隔空“穿越”。你的聲樂套曲《旋律遺棄》卻是現代詩歌與現代音樂的牽手“對話”。

如實招供，在木心《湖畔詩人》《論擁抱》《旋律遺忘》、翟永明《和雪亂成》《轉世靈童》、張耳《雨滴》、宗白華《聽琴》中，我更熟悉和喜歡木心和翟永明。后者為已故歌手陳琳寫的挽歌，引起我的內心共鳴，只聽那一句“一場華麗的雪厚葬了薄情/也厚葬了更薄的人心……”就會潸然淚下。

四位詩人七首詩作，無不個性鮮明，情思獨特。你的音樂與之一一對應，這是多么“麻煩”的一件事。

○ 麻煩嗎？一點也不麻煩。我特別喜歡和不同的人，尤其是個性獨特的人交往對話，很有意思啊。

現代詩人都很有個性，詩作的情緒基調也有明顯差異，同一作者的不同作品，感覺和氛圍也不同，奇異而獨特。《雨滴》清新雅致，《論擁抱》諧謔調侃，《聽琴》感喟幽思，《轉世靈童》神秘深遠，《和雪亂成》孤寂哀婉……用七首詩作譜成一組藝術歌曲，聲樂部分并非所謂歌曲，而是依從室內樂的寫法，演唱難度相當高。肖瑪完成的質量令人滿意，他很棒。

● 簡單歸納一下第一次聽你作品音樂會的印象。

本來已提前做好充分的心理準備，從1994年5月聽譚盾作品音樂會起，二十多年來聽過的現代音樂會不計其數，我太了解現代音樂是怎么回事了。我想，既然要聽比譚盾們更年輕的后現代音樂家的作品，就應該接受、必須忍受某些無緣無故、無端無序、稀奇怪異的噪雜之音，何況你在節目單里也提示，演奏者要“吹打喊叫”嘛。

正如許多中外評論所言，你稱得上是一位不可多得的天才音樂家、中國音樂界重要的特殊人才。在鋼琴演奏和音樂創作上，你的天賦與造詣已高到一定境界，他人難以望其項背！

這場音樂會如此可聽、耐聽。我喜歡這種音樂：耳朵不受強度刺激，心靈卻有深度觸及。我認為，你在作曲上，已超越了二十世紀九十年代中后期國內先鋒派現代音樂的寫作套路，音樂不落俗套，非同凡響，個性十分鮮明，風格極為獨特。你也擊掌跺腳、噓嘻哈嘿、拍打喊叫，還從琴凳上站起來，躬腰俯身伸手去撥弄勾彈藏在琴體內的鋼絲。《蕭蕭》從頭至尾以這種姿勢這種方式且彈且唱，第一次聽到鋼琴這件龐然大物被你馴服調理得如此純樸溫順，音色卻非常奇異，比柳琴柔和，比吉他單純，如曼陀鈴撥弦聲聲，琴聲歌聲和諧平衡，聽者的耳朵與心靈無不感覺舒服熨帖。在你的指間，鍵盤打擊樂器雄健華麗的天然氣質被徹底改變了，有了鄉土鄉野、鄉風鄉情的趣味。《蕭蕭》平實平和、平樸平靜鄉謠般的氣質富于極強的“欺騙性”，老牌資深的音樂學家李西安教授，開初一聽都誤以為是首原生態民歌。

我感覺，你的所有自創作品，既有溫度又有力度，既有深度又有寬度。想法作法、筆法章法，法度合理。所有的表達，深沉含蓄，節制內斂，有分寸有尺度。音樂語言純良優美，即便表現憤怒、訝異、喊叫也絕不虛張聲勢、刻意渲染、強行撩撥。現代音樂“花樣”迭出，你的運用處理精道練達，機敏智慧，既有內在的情感動力，又有外化的技術支撐。

你的鋼琴演奏技藝才能，更是爐火純青，登峰造極。你彈《殘余的探戈》是我聽過最好的左手鋼琴作品和最好的左手鋼琴演奏，實在太精彩、太高級了，再繁難高深的技術也毫無負擔，決不讓人為你提心吊膽。所以，你的音樂，意境高遠空靈，和聲色彩斑斕，極富創意性與想象力，優雅而簡樸、親切而平易，美。這是你原創原生、獨一無二的獨門秘笈，高平的話語系統與表述方式。你的音樂讓人想象自由，遐思無疆，視野開闊，心胸明朗。

我對盛原的預言深信不疑：高平的作品經得起時間考驗。再過五十年甚至一百年，仍葆有獨特的藝術價值，還會被全世界的音樂家和愛好者發現認可。

○ 非常感謝！

我對于在音樂廳演奏總是不太滿足。那種傳統音樂會儀式感很強，經典作品總在重復演奏，感覺就有些越來越僵化了。演奏者正襟危坐，聽眾也正襟危坐，聽完就禮節性地拍幾下巴掌。我希望打破程式化的老規矩，在保持古典音樂的品質規格基礎上，做些新的變化。

我們所處的時代跟貝多芬、肖邦確實很不一樣了。根據權威數字統計，肖邦一生，正式公演音樂會，有記載的無非就三十多場。這三十多場音樂會，重要的還有他自己的作品，在音樂史上樹立了重要地位。現在的鋼琴家一年彈百余場音樂會不算什么，但永遠重復演奏別人的作品，有時我很懷疑這種演出的價值和意義。我感興趣的東西很多又很雜，哪兒都想去插一腳。我愿意自己保持感性的創作狀態。

最近幾年，我在國內的活動逐漸多了起來。2006年，我擔任了瞿小松《行草》鋼琴與打擊樂版的首演，在上海莫干山路50號藝術園區。我特別希望讓我的音樂和更多的東西密切聯系。我很喜歡美術，小時候畫了不少的畫；我很喜歡詩，很早就大量閱讀中外經典詩作。我和陳丹青、何多苓、歐陽江河、翟永明等等都是非常好的朋友。我的音樂會，他們都很關注，也真正喜歡。何多苓經常拉著我對朋友說，看到沒有，這是鋼琴家的手！只有鋼琴家的手才能叫手，金貴得很啊！我們這些人的手，只能叫“爪爪”！呵呵（孩子般天真的笑）。

我始終覺得，音樂可以很純粹，還可以和很多其他藝術在一起。音樂、詩歌和繪畫似乎存在著某種天然的聯系，正是這種聯系，使我們可以穿過一種藝術形式而走進另一片藝術天地。相互汲取不同領域的藝術能量，相互補充、相互激發，藝術創作由此煥發出神奇幻彩和健旺綿長的生命力。

在所有的文學藝術門類里，音樂和詩歌，可能是最為接近的兩類，相對而言都比較抽象，優長也都不在于具體、具像的表現或者清晰完整的敘事性。從2014年到2015年，我和我們成都女詩人翟永明合作“音·詩劇場——大街上傳來的旋律”。絕對不是用這樣東西解釋那樣東西，或者用詩歌為音樂旁白、用音樂為詩歌伴奏。我們和過去舞臺上的配樂詩朗誦可能不一樣，好像兩種東西相遇邂逅擦肩而過，在同一時空交錯并存，互感顧盼互動照應，純屬偶然發生。大量的音樂，可能占到80%以上都是我現場即興做出來的，帶著一種詩的心靈感應演奏。這種東西很有意思，有的時候也許不那么成功，很多時候卻會有很閃光的東西，參與者大多非常喜歡、享受。

在“音·詩劇場”，我不要求翟永明一定要多“專業”地表演。她就很自然、很隨意地讀詩，本身就有其獨特的審美價值。我們都不是那么刻意地在表演，她朗讀，我彈琴，兩人一起呈現詩韻曲風，更像是一種“對位”，或者“雙人舞”，有時平行、有時交錯，有時融合、有時間離，全憑感覺，感應互動。

● “音·詩劇場”演出最大的意義，可能就在于此。藝術走出象牙塔，音樂沖出音樂廳，帶來了“大街上的旋律”，奇妙無比。

正如翟永明的吟詠：“這就是那旋律/熟悉的北風吹動時呼呼作響的旋律/這就是那流行過、輝煌過的旋律/峭壁般上升、嚴肅的旋律。”好喜歡她這些詩句：“那是熟悉的母親哼過的旋律/是秋風掃落葉也掃心靈的旋律/那是低吟淺唱又炮火連天的旋律/內心凄苦但又綻放笑容的旋律。”

旋律，秋風掃落葉也掃、心、靈；低吟淺唱又炮、火、連、天，內心凄苦但又綻放笑容。天呀，實在太絕妙了！

現在，我最想聽到“大街上的旋律”！

○ 肯定有機會，這類演出活動會比較“熱”。

實際上，“音·詩劇場——大街上傳來的旋律”從2014年12月8日在成都東郊音樂公園記憶唯樂上演后，2015年1月2日就到了北京蜂巢劇場，10月又在成都電子科技大學演出了。我的“琴形影·高山流水”跨界音樂原創劇場，從2014年8月在成都、9月在北京國家大劇院上演之后，很快就于10月去新西蘭惠靈頓、但尼丁和尼爾遜世界首演；12月又返回北京在中央音樂學院演出。2015年在上海、杭州演出；2016年1月在西安登臺……這類演出在文化界反響很強烈。

● 謝謝高平，非常期待你更多的作品和演出！