中國畫的基本理念及現狀（上）

陳云

中國畫是中國的國家文化形象和藝術的表率。國家的文化形象和藝術表率必須最集中、最典型地具備民族文化和精神的諸多要素。中國畫從形式到理論都自成體系，獨一無二地呈現民族文化、民族精神和民族特色，構成了中國畫的獨特價值體系，從而區別于世界其它造型藝術。

但是，在古今中外的藝術史上，沒有一門藝術像中國畫一樣，從一百多年前直至今天，還在不斷地被反思、討論和爭議，甚至受到錯誤觀念的誤導。尊重中國畫的傳統精神，繼承和發展傳統中國畫，已成為多數中國畫家的共識。然而，一些中國畫家未必對中國畫的基本規律、理念理解深刻，阻礙了中國畫的創作和發展。面對這些現象，為什么不從博大精深的歷代中國畫佳作、中國畫理論體系和中國傳統文化中尋求正確的答案呢？因此，重申和澄清中國畫的一些基本規律、基本理念，弘揚中國畫的傳統精神，堅持繼承傳統中國畫以繁榮和發展民族繪畫，顯得必要和迫切。

一、中國畫的基本理念

意象、興象理念是中國畫的審美觀、創作觀

中國傳統哲學思想是中國畫的理論基礎，形成了中國畫獨特的以意象、興象為理念的審美觀、創作觀。中國傳統繪畫矗立于世界藝術之林，蘊含著旺盛的生命力，具有廣闊的發展前景。

我們民族的傳統造型藝術（繪畫、雕塑、裝飾紋樣、工藝美術），傳統的文學作品、戲曲、建筑……甚至中國漢字都具有意象、興象理念的藝術特征。意象、興象理念體現在中華民族文化藝術的許多方面，比如龍是中華民族的圖騰、民族的象征與精神，龍與傳統吉祥物鳳凰、麒麟等都是典型興象理念的杰出作品。

中國畫是注重主觀意識的繪畫形式，畫家以筆墨，抒發胸中逸氣，作品傾注著作者的思想和精神，中國畫是通過意象、興象而達到寄物移情的。“似與不似之間”的意象、興象作品才為上乘之作。如果中國畫偏離了以情感為基礎的意象、興象理念的表述，中國畫就失去了生命。齊白石的“作畫妙在似與不似之間，太似為媚俗，不似為欺世”“古人作畫，不似之似，天趣自然，因曰神品”正說明了這一點。由于中國畫是強調主觀意識的繪畫，山水畫需要自我心靈與天地大化結合；需要思想情感與山水靈性的結合。畫家以“道法自然”“天人合一”觀審視大自然，山水非眼中之山水，山水就是“我”；意象、興象理念賦于中國山水畫內美性格，是自我精神的真實寫照，借山水形象抒發自己的思想情感與美學理想。

傳統中國畫的程式體系，以意象、興象理念為基礎，線為基本造型手法。主觀意識超越于自然物象，筆墨表現力高于自然物象的形態結構，神在形似之外?！耙孕螌懮瘛蓖怀鰵忭?，“氣韻生動”在傳統“六法”中置于首位。以中國畫的有法之法演變為“無法而法，乃為至法”的創作自由境界，形成自我繪畫風格。以“道法自然” “天人合一”觀，用筆墨形式，寄情于物、借物言志，將自我精神與客觀世界的融合統一，而達到“澄懷味象”“以形媚道”。通過中國畫這一藝術形式而達到人生修為的立本之源。

線條是中國畫的生命線

中國畫的線條代表著中國畫的傳統與精神。線條是中國畫的造型基礎，線條就是中國畫的生命線，是中國畫區別于其它畫種的最主要特征。貌似簡單的線條，最具有耐人尋味的變化和靈性，為意念力的表現、人格化的創造，是中國畫最具難度的基礎技法和精神承載。中國畫崇尚筆墨至上，強調書寫性，要見筆，筆筆分明，筆中有物，以突出線條筆觸。清代范璣認為：“畫以筆成，用筆既誤，不及議其畫矣?！敝袊嫷匿秩九c設色不能平涂，也需見筆，只是墨色、色彩淺淡，用筆更粗獷、體積更大的線條而已；墨法來源于筆法，墨法之妙全從筆法中產生，這是中國畫基本技法的實質。以長短、粗細、濃淡、干濕形態各異的筆法線條與筆法點染，交錯縱橫，相互交融，產生了中國畫的意象美、節奏美和韻律美。故此，唐代張彥遠將線提升為：“生死剛正之骨”，也就不足為奇了。他還在《歷代名畫記》中所言：“草木敷榮，不待丹碌之采；云雪飄飏，不待鉛粉而白。山不待空青而翠；鳳不待五色而綷。是故運墨而五色具，謂之得意。意在五色，則物象乖矣?！边@是傳統中國畫高境界的美學思想，體現了中國畫重視用筆用墨而非色彩的藝術特質，在黑白的筆墨關系中達到五色俱備的視覺效果，這種意象性視覺感染力充分表明中國畫的獨特性，顯示了中國畫的表現力與生命內涵。以筆法線條為核心的中國畫筆墨以其民族性、獨特性和含蓄性，所產生的高超藝術感染力是其它造型藝術繪畫無從表達體現的。

自然為中國畫作品與創作狀態的高境界

“人法地，地法天，天法道，道法自然。”是中國傳統哲學思想的精髓。自然萬物都要遵循其變化發展的客觀規律，以順應自然為上，返樸歸真是中國畫的最高境界?！爸绿摌O，守靜篤”，中國畫歷來注重靜氣，將含蓄寓意作為表現自然物象的內在因素，以求象外聲。中國傳統藝術注重中庸哲學，“靜逸”“中和”是中國傳統造型藝術的本質特征。

創作時身心達到“靜逸”才能放松，得以自然，完全不同于制作方式所承受的精神負重感。黃賓虹認為：“自然二字，是畫之真訣，一有勉強，即非自然?！惫P法墨法能否自然表達是衡量中國畫作品優劣的重要標志。中國畫的寫意以激情作畫，放筆灑脫，不求形似，而求放縱筆墨中的神韻，以體現心緒與情感。寫意畫需要自然落筆，卻又在法度的格局中自律，需要自然與和諧的高度統一。在放松自然的狀態下，容易激發畫家的潛意識，潛意識的靈感是多年積累的哲理睿思的靈光與頓悟，對中國畫創作尤為難得。要使作品、作品風格和創作狀態呈現自然，決非易事，是“靜逸”而安心自在的結果，是長期知識積累后迸發的自然結果。唐代張彥遠認為：中國畫“失于自然而后神，失于神而后妙，失于妙而后精……自然者為上品之上……”書畫創作的過程，需要處于排除雜念、凝神定志的狀態，這恰恰也是中華傳統養生之道練氣功的要領。書畫創作的過程，實質上是處于一種原始的氣功態，也是修心養性的過程。這種氣功態伴隨著書畫創作幾十年，這也是書畫創作能夠養生的原因。

中國畫需要中西繪畫理念的交融

一些傳統中國山水畫存在著構圖較為單調、物象較為平面、層次不夠豐富、物象不能融合等弊端，一些花鳥、人物畫也存在著某些相同問題，是墨守成規、泥古不化的結果。一百多年來，中國畫是否需要中西繪畫理念的融合，中國畫如何進行變革創新、如何有更好的發展前景等問題，一直存在爭議。如徐悲鴻提出以西畫融會貫通改良中國畫的觀點，潘天壽堅持中國畫民族性的觀點，康有為、陳獨秀等人提出改造中國畫的觀點。

中國畫的根源在哲學，而西畫的根源為科學。哲學的思辨產生了意象興象理念，科學的嚴謹產生了寫實求真，這是二者的本質區別。在高度信息傳播的時代，在二十一世紀全球經濟一體化的背景下，中西文化藝術的相互融合是必然的，多元的藝術理念影響著當今的中國繪畫。中國畫必須立足于本民族的優秀文化傳統，堅持中國畫傳統精神，在無損中國畫本體的前提下，適宜地吸收其它民族的藝術成果，以豐富和發展自我。顧慮西方繪畫理念會改變中國畫的民族性質，而采取完全排斥的態度，或拋棄中國畫傳統，全盤西化，以西方繪畫理念來改變中國畫的現狀，這些觀點都是錯誤的。只要堅持中國畫傳統精神——意象性、興象性和書寫性，堅持中國畫的筆法線條，中國畫的民族傳統根基是不會動搖的，這是中國畫變革發展的基礎。

繪畫的主次關系、明暗關系、虛實關系、疏密關系以及物體的體積感、質感和整體感，是許多造型藝術繪畫要求達到的視覺效果。有些中國畫家認為中國畫是注重筆墨關系的平面繪畫，似乎無需其它繪畫的那些要求，這是理解的偏頗。中國畫是強調思想情感的具有主觀意識的意象性繪畫，更為注重筆法線條的筆墨表達，這是中國畫的本質特征決定的。但是，不等于中國畫對物體的明暗關系、體積感、立體感和整體感沒有要求，只是這些要求要符合中國畫特有的繪畫理念，不能過于追求，在此前提下予以正確理解與應用。同時，中西繪畫理念的融合是有限度的。這種有限度的融合將使中國畫傳統的“法”得到補充，融合不會泯滅而只會豐富中國畫的民族性。正如黃賓虹所言：“中國之畫，其與西方相同之處甚多?！薄坝泄P有墨，純任自然，由形似進于神似，即西法之印象抽象?！秉S賓虹也告誡：“中西折衷，不中不西，中國畫的靈魂飛向九天云外，是民族性之喪失?！?/p>

中國畫的“法”與“無法而法”

中國畫的法，在畫論中又稱“規矩”，古人是極重視規矩法度的，這種法是規范化的程式。中國畫的法是中國畫的筆墨基本功，是任何中國畫家必須遵循而熟練掌握的。古來墨守成法為三種基本形式——墨守古法、墨守師法、墨守已法。縱觀中國繪畫史，技法熟練功力深厚的中國畫家無數，形成鮮明獨特個人藝術風格的中國畫家卻屈指可數（如清初四王）。這表明中國畫的法具有雙重性質，中國畫的法需要熟練掌握，同時也產生制約阻力，輕視或拋棄筆墨基礎會失去傳統中國畫的基本特征；將筆墨形式與具體畫法視為規范格式而固守僵化，會使傳統中國畫失去生機。

古人要求“熟而生”“熟外熟”“畫到生來是熟時”，是要求在圓熟之后求生澀苦辣；精致之后求自然拙稚；規矩平正之后求亂頭粗服。用筆生用力拙，以擺脫中國畫的程式法度，這意味著跳出窠臼，進入“無法而法”的創作自由。南宋梁楷開創了大寫意簡筆人物畫的先河；明代徐渭開啟了大寫意花鳥畫的先河；黃賓虹的衰年變法、傅抱石的“抱石皴”等等，都在于出新意于法度，入乎規矩之中，又超出規矩之外。他們鮮明獨特的個人藝術風格是“無法而法，乃為至法”的典范。我們平時所見的中國畫作品都比較類似，可謂千人一面，這是由于在法中徘徊，沒有突破法的禁錮，只有“至人無法”才能達到創作的自由天地。

書畫同源及其它

書畫同源，書法是中國畫的基礎。世界上所有的繪畫種類都可以與書法無關，唯獨中國畫，缺失了書寫性就喪失特征與靈魂。因此不理解書法，就不可能真正理解中國畫，中國畫家視書法為中國畫的基本功，優秀的中國畫家同時也是書法家。中國畫家要從歷史悠久、博大精深的中國書法中得到啟迪和幫助，從古文字中感悟古樸與精純；從簡帛書中感悟曠達與舒展；從兩晉尺牘中感悟飄逸與自由。書與畫有共同的藝術語言，都以筆法線條為基本抒寫方式，這種線條具有意味性和歸屬性。李苦禪認為：“書到高度是畫，畫到高度是寫?！睍ㄗ髌酚挟嬕?，中國畫作品有書韻，表明了書畫之間相互依存、不可分割的辨證關系。書畫同源，富有民族文化藝術特色，是中國畫的固有特征，中國畫必須以書入畫。

許多人認為學習書法，首先必須寫好正楷，將正楷視為學習書法的基礎和基本功，這是錯誤的觀點。這一錯誤觀點具有較廣泛的社會基礎，形成較牢固的誤區，貽誤了許多初學者。正楷只是一種書體，正楷書體的規整性、格式化容易使人陷入僵化，束縛了人們的創造性，會影響書寫行、草書時必須的灑脫和自然，會影響個人書風的形成。在中國文字漫長的演化過程中，在正楷書體產生之前就出現了甲骨、篆、隸書體，如果將正楷作為書法的基礎和基本功，就無法解釋在正楷書體產生之前的歷代甲骨、篆、草書體的傳世佳作，難道這些書法家與傳世佳作缺乏基礎和基本功嗎？各種書體需要相互借鑒互相影響，這是研究學習書法的正確途徑。

“館閣體”的起源是秦代丞相李斯以小篆統一文字，以促進思想傳播和政令頒布。李斯所書的《嶧山碑》為館閣體書法的發端。唐太宗提出要強化館閣體，明成祖朱棣令翰林學士、書法家沈度書詔令要求館閣體達到文正圓潤、字形勻正、墨色烏亮等標準，館閣體成為標準的官方書體，直至清代為鼎盛時期。在等級森嚴的封建社會，館閣體是奴才對主子使用的，必須寫得恭而敬之，主要應用在官方文書文告、科舉應試、樹碑立傳等。館閣體的書寫形式是從實用易懂的角度考慮的，而非書法藝術創作。館閣體的清規戒律在扼殺書法家的個性創造，遏制了作品的情感流露與精神表達。從兩千多年前直至現在，館閣體書法嚴重制約了書法藝術的發展，不僅是正楷書體，對其它書體也產生不同程度的影響。唐代歐陽詢提出書寫的結構三十六法，為書法立規范，是書法藝術發展的又一枷鎖。針對刻板的規范格式、缺乏生機變化的館閣體書法，東晉王羲之批評其為“狀如算子”。藝術貴有創造，在骨法用筆的前提下，書法的線條應該長短、粗細、濃淡、干濕形態各異；字形大小、長偏、正斜不一；構圖疏密、聚散、虛實、呼應有致；字體的外形要飽滿；作品傾注著作者的思想情感，才能產生書法作品富有變化的節奏感、韻律感，產生書法藝術的無窮魅力。當今有些人迷戀于館閣體書法，認為學習館閣體才為規范正統，館閣體書法的確需要筆法線條功力，但是功力不等于是創造。學藝術不能有奴性，應解脫、拋棄禁錮自己的俗套陳規，去獲取藝術的自由，自我精神的解放，創造具有個性的自我書風。

藝術貴在創造，借古開今形成鮮明獨特的個人藝術風格

吳昌碩認為：“畫當出己意，模仿墮塵垢?！薄爱嬛F存我。”藝術貴在創造，沒有創造就沒有發展，沒有發展就談不上繼承。繪畫風格是畫家藝術思想主張與獨特藝術語言表達的集中體現，畫家終生在為自我繪畫風格的形成而奮斗。鮮明獨特的個人藝術風格，需要在長期繪畫實踐中逐漸形成。使用“特技”不等于風格，風格的形成只能在傳統基礎上尋求，在筆法墨法中尋求，在線條中尋求。風格要求與眾不同，為自我獨創，能稱真正藝術創作的作品，不可或缺的就是鮮明的個性。繪畫風格的形成，表明畫家的藝術成熟，能否在傳統基礎上形成具有鮮明獨特個人藝術風格的作品，是衡量一位畫家藝術成就的唯一標志。

傳統與創新，是彌久而常新的問題，有些人對創新的概念模糊，處心積慮地企圖制作出新面貌與新風格，是趨于形式感與表象化，是過眼煙云的雕蟲小技，沒有學術價值。二十世紀的中國畫大師吳昌碩、齊白石、黃賓虹、潘天壽及傅抱石、黃秋園、李可染、陸儼少等，他們都是傳統大師，也是中國畫的變革大師。他們走進傳統，在傳統的根基上，又突破傳統，在傳統自身基礎上的變革實驗，顯然更能體現中國畫的規律與特征。他們以輝煌的藝術成就，回答了傳統與創新的問題，他們的作品是真正意義的創新。

對藝術的見解要遵循藝術客觀規律，作品要經受時間與歷史檢驗

許多人認為對藝術的見解是仁者見仁、智者見智，藝術似乎沒有定論，每人都可以有自我的觀點，這是錯誤的觀念。當前所產生的中國畫一些不正確觀點正來源于此，并且造成了中國畫審美理念、創作理念的偏頗。由于各人存在著不同程度的文化學識，因此有自己的文化選擇與傾向，對藝術有不同的審美理解與審美取向是正常的。然而任何藝術門類都有客觀規律，在客觀規律的基礎上升華為理性認識，形成正確的基本理念，是藝術的基本原則，以此指導創作，才是不二的法門。尤其是當前，對藝術不同見解的看法觀點頗多，各持已見，眾說紛紜，更要倡導回歸和遵循藝術的客觀規律。藝術的客觀規律是相對恒定的，規律不能主觀任意創造，不會隨著人們意愿的轉移而改變。

優秀的中國畫作品是獨一無二、不可重復的。當今社會中國畫贗品很多，往往只能勉強仿其形，而無法仿其意，具有技法難度和精神內涵的作品是根本無法仿制的。能輕易被人仿制，幾乎達到亂真，就可知這幅原創作品沒有較高的學術性。不以職務地位論畫，不以名氣名聲論畫，唯以作品的藝術水準而評判，只有優秀作品才能永存，所以中國畫作品要經受時間和歷史的檢驗。名家的產生不能靠炒作，應該憑自己的真才實學，用自己的作品說話，以職務頭銜、以攀門附會、人為打造的名家，只是曇花一現。大浪淘沙，歷史的長河必將存之精華，棄之糟粕。

中國畫品評標準之我見

畫史上，有諸多中國畫的品評標準。南齊謝赫的《古畫品錄》將三國至南齊的27位畫家分為六品加以評說。唐代朱景玄《唐朝名畫錄》中提出“神”“妙”“能”“逸”四品標準。晚唐張彥遠在前人的基礎上將繪畫分成“自然”“神”“妙”“精”“細”五品。五代荊浩將繪畫列為“神”“妙”“奇”“巧”四品。明代陳洪綬將畫家列為“神家、名家、作家、匠家”等等。直至近現代黃賓虹提出“江湖畫、市井畫、文人畫、士夫畫”之說。前人對中國畫作品的品評標準，可謂持續不斷，眾說紛紜。只是這些品評標準過于空泛，沒有進行較詳細的論述。品評標準的意象性語言，會使人產生不同的理解而無所適從，很難理解真正的含義。因此，歷代畫論的品評標準是不完善的。

當前在中國畫繼承發展的復雜態勢中，對中國畫品評標準問題進行思考，探索出中國畫的正確品評標準，具有現實意義和長遠意義。多元時代的多元標準，造成了中國畫品評尺度的失真。例如當前中國畫的“新穎”與“形式感”，似乎成為品評的決定因素，使不具有筆墨意義的作品，頻頻在各類畫展中獲獎，加劇了人們對品評標準的模糊認識。還有人認為中國畫品評標準是眾口難調，中國畫既有品評標準又沒有品評標準，從現在看是標準，從將來看未必是標準，品評標準似乎是無法定論的。當前還存在以作品的市場價格、畫家的職務和官位來界定中國畫作品的品評標準等。針對這些現象，更證實了元代趙孟頫的斷言：“畫固難，識畫尤難?！贝笄澜缢籽劬佣?，因而產生黃秋園終生落魄、陳子莊只得飲恨九泉的悲哀。面對當前種種品評現象，重新確立中國畫的品評標準是當務之急。

中國畫的品評標準具有根本性的文化導向意義，品評標準必須從中國畫技法、審美理念、理論體系等方面，從中國畫所特有的民族文化精神中去界定，尋求具有基礎性、普遍性和長遠性的品評體系。個人愚見品評中國畫有四個主要標準：

一、骨法用筆。中國畫的筆法線條代表著中國畫的傳統和精神，要寫出骨法用筆的一波三折富有彈性和韌性的線條，必須經受推敲與玩味。因此，首先要品評線條的優劣。

二、自然態。作品注重意象、興象精神的高揚，注重書寫性，中國畫的寫意尤其需要自然書寫的創作方式。作品呈現隨機而生、自然天成，沒有拘謹刻意、矯揉造作的制作。

三、作品根源于中國畫的傳統和精神。其作品無論如何變革創新，其根基必須來源于中國畫的傳統精神，是在中國畫傳統基礎上的變革，借古以開今。

四、作品形成鮮明獨特的個人藝術風格。作品要求超凡脫俗，與眾不同，鮮明而獨特，為自我獨創。

這四個中國畫作品的品評標準，是中國畫的審美理念，也是中國畫的審美觀。四個標準不能分割，要結合在一起進行中國畫的品評。

學習與創作中國畫為寂寞之道

中國畫的學習與創作，更重要的是作為滌蕩心胸、陶冶情操的修身養性方式，其目的是尋求精神生活的充實，獲得藝術化人生境界的實現。在當今商品經濟社會，有些畫家屈服于市場，取悅他人喜好，喪失自我藝術追求，作品趨之甜俗。在功名利祿面前顯得浮躁不安，承受著急功近利的精神壓力。鉆研學問是沒有捷徑可走的，在學問面前，要當老實人，不能浮躁，甘于寂寞，潛心修學，在成績面前，不能滿足，要謙虛謹慎。只有精神富有的堅定藝術信仰者，不受制于人，方可談精神自由與風格拓展，藝術成就垂青于寂寞的耕耘者。正如齊白石所言：“書畫乃寂寞之道，以其寂寞，故可以遠乎塵世所染而常保赤子之心，以其真性情入畫。”

歷代中國畫家，總是追求學識充實，內觀返照。先磨礪心性，進而完美人格，為寄志抒懷而作。中國畫藝術，技藝只是具體手法，技藝美不是中國畫的終極追求，要超越技藝美，將自我思想、精神、情感、人品、學識與自然物象交融，通過中國畫這一藝術形式，達到人品人格的內美，進乎道才是真正目的。中國畫講格調，高尚的藝術在形跡上是學不到的。人品決定畫品，北宋郭若虛認為：“人品既高矣，氣韻不得不高”。中國傳統繪畫重視人品在創作中所發揮的作用，建立在人品基礎上，才能對其繪畫進行要求，具有高尚的人品才能提高藝術境界。有德者得大道，乏德者得小術，思想庸俗的畫家很難創作出性情高雅的作品，胸襟狹小的畫家很難創作出陽剛大氣的作品，作品是人品人格的真實寫照。要將繪畫視為人生修為的載體和手段，正確的人生觀可以在繪畫實踐中逐漸樹立，并得以完善，將繪畫從單純的藝術范疇提升到人格修養的高度來認識，是思想境界的升華，是典型儒家思想在繪畫中的體現。

二、學習中國畫的一些基本理念

一些中國畫的初學者，不知如何學習中國畫，對學習中國畫感到困惑與迷茫。學習中國畫的方式與方法必須遵循中國畫的教學規律，本章節筆者將結合自己的學習體會，闡述如何學習中國畫的一些基本理念，尋求學習中國畫的正確方法論。

臨摹是學習中國畫的必由之路

臨摹研究大量歷代傳統經典是學習中國畫的初始階段，臨摹是中國畫的教學規律決定的。中國畫的繪畫模式、繪畫筆墨語言、審美鑒賞能力和藝術規律，需要在臨摹中理解而獲得。歷代中國畫家將研究臨摹傳統經典視為天經地義的必修課，說明臨摹至關重要的意義。當今臨摹這一基礎教學方法成為問題，是因為百年來，在普遍引進西方美術及其教學體制之后，臨摹被不斷貶低否定，臨摹幾乎變成“復古”“保守”的同義詞，使一代青年中國畫家遠離傳統，對中國畫的傳統精神與筆墨語言無法正確理解和掌握。臨摹研究是對中國畫整體的認知過程，不經歷臨摹研究、夯實筆墨基本功的階段，就無法畫好中國畫，任何技術性工作都需要基本功，更何況藝術。西畫的教學方式主要以寫生為主，中國畫的學習方式主要以臨摹研究傳統作品為主，學習中國畫的后期才進行適度寫生。我以前從事水粉畫和油畫，1984年開始學習中國畫，非常重視自己的基本功學習，用了十年時間，臨摹研究了大量歷代傳統作品，有四點體會：

其一，臨摹研究大量歷代傳統經典作品，是認識、學習、創作中國畫的必由之路。如同學習書法需要臨習碑帖，是基本功。臨摹傳統作品只是學習中國畫技法與思識中國畫的過程，又是尋徑開山的過程，不是藝術的最終目的，臨摹是學習的方式，創作才是目的。

其二，臨摹傳統作品不要局限于某一家或少數幾家，一定要博采眾長，要取眾家之所長。藝術有先入為主的問題，如果單一臨摹某家有局限性，今后創作必然受到某家風格的束縛，落入窠臼則很難擺脫，會影響今后自我繪畫風格的形成。臨摹的目的是為了提高自己的筆墨基本功，又不被框框套套所束縛。

其三，學習傳統，忌諱盲目迷戀于前人筆墨，忌諱墨守成規、泥古不化、作繭自縛。要取之精華、棄之糟粕，要活學活用，靈活應用在創作中。

其四，經歷了多年臨摹研究大量歷代傳統經典，奠定了較扎實的筆墨基本功，方可進行中國畫創作。但是不意味著中斷對傳統經典的學習，根據需要繼續適當的臨摹研究，使自己的筆墨基本功更為扎實，只是此時可以轉入以創作為主，以臨摹研究為輔。

臨摹研究過程中的一些問題

《芥子園畫譜》是一部中國傳統繪畫的經典課本，已出版問世三百余年，歷來被世人所推崇，為世人學畫必修之書，其學習范本的歷史地位與影響是深遠的。由于受到當時印刷技術的限制，《芥子園畫譜》存在著某些不足，中國畫的墨法無法體現，缺乏濃淡變化，筆墨關系較為刻板，構圖較為單調等局限性。如果將《芥子園畫譜》作為單一的臨摹范本，容易使初學者陷入守舊和僵化。名作真跡難尋，只能借助于印刷品和復制品。當今高科技的印刷復制技術，使我們能欣賞到以往較難得見的傳世名作，其筆法墨法具有較高的清晰度，與原作相差無幾，為初學者提供很好的臨摹研究范本。

臨摹的過程必須從易到難，由淺入深。如果臨摹整幅范本有困難，可以選擇范本的局部臨摹，待臨摹技藝提高后，再臨摹整幅范本。開始臨摹的初期要力求形似，形似才能獲得筆墨功力，在這基礎上，逐漸過渡到神似。臨摹不是依樣畫葫蘆的僵死學習方式，臨摹的過程始終要有思維，帶著問題去探索研究。比如中國山水畫傳統技法中有許多不同的皴法，山巖的結構紋理為皴，如披麻皴、斧劈皴、荷葉皴、折帶皴、亂柴皴等等。面對諸多皴法，初學者會無所適從，不知該如何學習，這些皴法需要了解，主要體現在思想概念上對這些皴法的認知。皴無定法，如果執意于某一皴法，是一味泥古，古人也不會固定使用某一種皴法，要服從描繪的客觀對象，在諸多皴法中善于混合使用，在傳統皴法基礎上發展，自創新法。經過多年的研究臨摹，筆墨功力會得到較大的提高。這時臨摹傳統作品，可以觀察分析范本中存在的不完善之處，在尊重范本的基礎上，可以試探用自我筆墨去彌補其不足。用心研究分析范本后，對范本產生較深刻的理解，可以試探脫離范本進行背臨，背臨的結果可能在形似上與范本差距較大，但是，取得某些神似是收獲。

臨摹研究應著眼于自我繪畫風格的逐漸形成

臨摹研究大量歷代傳統作品，是我的師承，為我作品風格的形成奠定了筆墨基礎與較扎實的創作基本功。我很敬佩黃賓虹衰年變法所取得的成就，受到黃賓虹作品和畫論的啟迪和影響，近幾年我的作品產生一些嬗變，呈現了粗服亂發、亂而不亂、亂中有序、變化自然的畫風轉變，主要體現在水墨簡筆寫意山水畫、焦墨簡筆寫意山水畫。師承過程中，我研究臨摹了黃賓虹的較多作品，在創作中卻始終意識到，我的作品不能是黃賓虹作品的翻版，要與黃賓虹拉開距離，不能學他的形式與表象，要解讀他的思識，參悟他的旨趣，得其精髓，拓化為自我的筆墨語言。每一位中國畫家都要面臨師承與個人風格的問題，如何正確理解對待這一問題至關重要。面對浩瀚的歷代諸多傳世作品和畫論，我們今天有幸可以學習繼承前人留下的傳統中國畫的豐富遺產，但是，無論師承哪位名家臨摹哪些名作，都要保持藝術的自我獨立意識，牢固樹立師承只是為今后形成自我繪畫風格而準備這一觀念。藝術創作的最終目的，是在傳統的傳承中形成鮮明獨特的個人藝術風格。

樹立不斷自我否定、自我重塑、自我完善的創作觀念

我們經常見到一些中國畫家，他們的作品從中年到晚年，幾十年的繪畫面貌沒有產生什么變化，晚年的一些作品甚至還不如中年作品出彩，藝術創作長期處于僵化狀態。究其原因是多方面的，首先是筆墨功底的問題。一些中國畫家沒有經歷長期研究臨摹傳統作品的過程，缺乏扎實的筆墨基本功，在沒有筆墨底蘊的情況下進行創作，只能依據自己對中國畫膚淺的感性理解，以自己不完善的表現手法，不斷地進行重復，這種重復是在不斷深化強化自己的缺陷和錯誤。由于不斷地進行自我重復，使作品缺乏變化，顯得刻板呆滯，產生了作品的“結殼”而不能自拔，導致了藝術創作長期處于僵化狀態。因此要成為有成就的畫家是不容易的，需要很高的綜合素質。要樹立不斷自我否定、自我重塑、自我完善的創作觀念，應用在創作實踐過程，這個過程，實際上是不斷自我提高的過程。要注意把握作品面貌上的演變過程，揚長避短，在繪畫實踐中不斷尋求適合自己的藝術道路，一旦認定適合自己的正確道路，就要定力十足地走下去，銳意進取直至成功，由中國畫的“法”演化為中國畫的“無法而法”。物有常態，但藝術不能有定型，不破不立，有破方可有立。完美無瑕的藝術是不存在的，近乎完美的藝術較為罕見，即使已形成較成熟的風格特點，也不能固守自我模式一成不變。人貴有自知之明，針對自己存在的不足，終生都要進行自我否定，以尋求變化與發展。

學習中國畫需要幾十年的知識積淀過程

中國畫這門藝術學問內涵深巨，學習中國畫需要知識的長期積累。欲速則不達，因此在藝術上不能過早地求脫求變，需要甘于寂寞的心態與嚴謹的治學態度。歷史上沒有產生過速成的中國畫家，只有通過量變才能產生質變，積學致遠，大器晚成，晚年變法最可貴，吳昌碩、齊白石、黃賓虹等大家也是在七十歲以后，其藝術才逐漸成熟，形成獨特鮮明的自我風格。從這種意義上分析，當今一些已經成名的畫家，他們的作品并沒有達到火候，還有很長的路要走。由于思想和藝術還沒有很成熟，畫家成名太早未必是好事，因為成名之后會遇到一系列問題，如果不能正確對待這些問題，不能正確對待自己的名氣，不能正確對待物質利益，而利用多數人是藝術的不知情者，只能注重畫家的名氣和地位這一情況，謀取自己更多的利益。在“名家”的光環下，難免會不思進取、固步自封而產生茍且之作，不升華即沉淪，使自己的藝術生涯走向平庸而黯然失色。