論美術創作中“立意“重要性

【摘要】：《禮記·中庸》里有言 “凡是預則立不預則廢”，在美術創作中也應當是如此的。“成竹在胸”等老生常談的成語也昭示了立意的重要性。但觀察就當今校同學們在美術創作甚至于在畢業創作之時隨意拼湊畫面，甚至于畫面只留于形式。筆者認為這個問題在當今美術教育中又值得重新被關注。

【關鍵詞】：立意；取舍 形式；意境

藝術的創作為了表達，在其中作者以為最可貴的在于真實，要表達對真善美的無限向往。就這點來看當今美術作品矯揉造作或是無病呻吟無異于東施效顰，長遠來看在其對美術創作的過程里也無異于飲鴆止渴。

很多學生為了形式而創作，為了形式而形式，為了完成任務而創作。充斥著各種陳詞濫調，缺乏新意的形式。筆者認為解決此藝術創作問題的首要事宜是確定立意。即言之為何，如不然會造成言之無物，艱難拼湊不知如何下筆的境地。立意先行既要突出主題，明確“想表達什么”。并為此基礎上需要進行一定的取舍。“取什么，舍什么”在對剛開始創作的同學看來的確有一定的難度，但本質上來說其是缺乏立意意識。為了突出相應的主題應當對能表現目的的方面進行強調甚至于夸張；而對于不能為作者創作立意所服務或削弱創作立意與表現力的部分給予大膽的舍去。“舍”在某種程度上既為概括。這樣，雖然取與舍看似好像是一正一反兩個截然不相同的部分，可是仔細深究下去就會發現他們實際上都是為了一個目的，在這點就可以看出其實際上是互為辯證統一的。繪畫初學者往往不能明白畫面“取舍”的奧妙，想要將所有物象一攬子包含在內，處處都“有”；殊不知處處都“有”其實是處處“無”。處處都是細節實際上就是沒有細節。沒有對比，沒有變化，畫面缺乏節奏。追根探究，其實都是動筆前沒有最想表達的那個“立意”在作怪。

在很多美術基礎教學課程課堂上，會發現老師和學生很多都比較在意畫的“像”。可是“像”具體有什么樣的標準呢。是純線描的完成的作品像呢？還有具有明暗調子像呢？甚至必須得運用一些特殊技法而才能創能創作出來的東西才像呢？恐怕這都不是問題的關鍵點，而關鍵點在于整幅畫面是為了能夠表達出作者什么樣的立意與主題。就拿靜物寫生來說，開始動筆前如果能夠仔細觀察感悟物體，對其有一個較為主觀的印象，比如說物體給人感覺是精致的小家碧玉呢亦或者是粗狂豪邁，亦或者是滄桑如陜北老農呢；再比如靜物寫生里經常出現的陶罐；不同的罐子體現出了不同的性格。這個性格就是寫生中的立意。比如有些罐子給人的感受是穩定的，是每臨大事有靜氣的。有的罐子的性格確實懦弱的，是不堪一擊的；再比如說有些花瓶給人感受是有氣質的有內涵的，而有一些卻感覺是涂粉抹脂的，甚至是故意賣弄的。意大利著名畫家莫蘭迪在其一生中幾乎都在畫瓶瓶罐罐，畫幅也不算大。這在當今有些學生的眼里看來那些瓶子罐子是缺少形式變化的，無趣的，是畫了一張后就想換些題材去表現的。可是莫蘭迪實際上在日新月異“新品”層出的意大利繪畫江湖中依然能夠堅持自己，不被外物所動搖。其顯然是有一種類似于禪宗的影響。而個讓他執著沉迷和堅持的其實就是莫蘭迪的創作禪意。所以說對于我們高校美術學生來說在感受對象性格之前先不要著急動筆去描繪，而是慢慢去感受，去體悟。隨后再落筆墨，線條以等才會有的放矢，從而從源頭上避免隨意拼湊，為了畫畫而畫畫。否則創作出的東西出來無疑是空洞的，是不能表達思想的。學生由此發展下去可能會導致對繪畫的厭煩。阿恩海姆《藝術與視知覺》里曾經提到了：“人們某一事物表現出來的性質，并不是這件事物的視覺樣式本身所固有的，而是從他們的記憶倉庫里喚出知識和情感的導火線的作用，而這些知識與情感被喚出來以后就立刻被移入到這件事物中。”就好像是家長如果想讓孩子們有一個強健的體魄就需要讓他們鍛煉一樣：單純讓他們去伸伸胳膊，壓壓腿。它不僅不能夠達到鍛煉的目的還極容易讓孩子們感到厭倦。可是當我們將這些融入到一些球類運動或游戲之中時，要求孩子們集中興趣在其中時時，四肢就很自然的需要完成這些動作從而在“隨風潛入夜，潤物細無聲”中達到健身目的。可以說有了這個立意高點而動筆進行創作時才能做到有的放矢而不至于會無從下手或者說艱難前行。那樣是很容易將原本十分有意思的美術創作轉而變成一項索然無味的應付交差。

值得一提的是筆者再此并不是想表達那些固有的形式搭配構圖不重要，相反這些東西對于一幅作品的成功起了非常重要的作用；也就是說實際上創作形式上本身是有規律可循的，比如說要有對比，有節奏，有均衡，有調和等等。可是光認識了這些規律而沉溺于其中不能利用規律去為立意主題所服務那本身實際上是一種舍本求末。繪畫藝術終究是一種表達，學生應當先去思考“說什么”，隨后再“怎么去說”。這樣一種自上而下的創作思維秩序會讓學生們在藝術這條路上走的更快，走的更穩，走的更遠。

我們在實踐創作中又如何應該立意。法國雕塑家奧古斯特·羅丹曾經說過：“世界上并不缺少美，而是缺少發現美得眼睛。”那么應當怎么樣去擁有發現美的眼睛呢？首先應當提高觀察力與對事物的敏感能力。從平日里舉手可得的事物里去發現美。羅丹在書中還曾經說過這樣的話：所謂畫家，其實就是用自己的眼睛去觀察那些在別人看來非常平常的東西，從而發現其中蘊含著的美。當然他應當經過一定的訓練去獲得這種能力。可以在平時訓練中去嘗試著描繪一些轉瞬即逝的美麗瞬間，迅速抓住其特征與給予自己的主觀感受并嘗試著描繪出來。再者需要提高有一定的自然形象與藝術形象的“轉換能力”。在初學者的創作中會出現想在紙上或者畫布上一味描摹自然形象的現象，殊不知藝術創作需要在一定程度上排除物理屬性與社會屬性，而著重藝術屬性。用藝術的眼光看問題就需要用藝術世界的語言如：點線面，黑白灰的元素去看待理解事物，這樣就可以對為未經過加工的“原始材料”去粗取精，由表及里。

當然有了一雙發現美的眼睛，有了一定的素材的積累之后還需要有一個東西將它們組織起來。這個重要的動力我們所說的創作立意。有了立意后就不會出現雜亂的組合，有了立意這個最高綱領后創作的作品的一切表現就有了指向性，指向一個主題。形、色、空間都是為了表達一個主題。這樣素材就會有所篩選，具有了整體性，傳達了作者的思想。結合我們傳統來看，中國畫自古以來重視“意境”的表達，即把生動的作者主觀感受與物象結合，講究格物致知；講究天，人，物的合一。它所追求的意境和詩意是畫面的總綱領。它的經營位置，形象的表現，筆墨色彩的運用都受其“支配”。唐代畫家張彥遠曾說過：“夫象物必在于形似，形似須全其骨氣，骨氣形似，皆本于立意而歸乎用筆。”

由此可見中國畫中歷來重視創作中的“立意”考量。而將其放入當今高校其他美術創作中，無論是國畫，油畫，版畫，壁畫，雕塑，亦或者是當今比較熱門的綜合材料繪畫門類，這種“表達什么”的考量是需要在“如何表達”前去思考的問題。美術創作中“立意”這個老生常談的問題時至今日有需要再被老師們和同學們再次關注。

參考文獻：

【1】張啟文，創作與構圖【M】，重慶：西南師范大學出版社，1996

【2】張杰 寧佳，構思與構圖【M】，重慶：西南師范大學出版社，2012

【3】魯道夫·阿恩海姆，藝術與視知覺【M】，成都：四川出版集團，四川人民出版社，1998