對繪畫意義的思考及探究

摘要：繪畫是一種經典的藝術形式，最早的繪畫可以追溯到舊石器時代，在中世紀的歐洲，繪畫已經是和宗教最為緊密的社會活動，19世紀之后，印象派的出現打破了原有的繪畫方式，在20世紀開始，在現在主義興起中繪畫受到新觀念的猛烈沖擊，其表現內容和存在意義受到了前所未有的挑戰。本文通過對繪畫歷史的回望，尋找繪畫存在的意義，并嘗試對繪畫的延續提供新的探索方向。

關鍵詞：繪畫 ? 藝術 ? 社會活動 ? 公共價值 ? 人類情感

人類最早的繪畫可以追溯到舊石器時代。1879年，在西班牙北邊的阿爾塔米拉洞穴發現了珍貴的早期壁畫，壁畫的主要題材是動物，包括野牛，馬，鹿等等。那時候的人類，就開始用黑色的木炭，加上自然界中赭色、紅色的礦石來描繪他們熟悉的動物。在這些壁畫中，表現得最杰出的可以說是形體碩大的野牛。這些野牛不僅形體掌握得非常準確，而且還被賦予了夸張的造型手法。我想當時的人類肯定是下意識地去表現，用動物留存在心中的意象驅動著存粹的自我意識，也許我們可以找到人類美術創作的原始起點，這種舉動可以說是最早的情感流露和意識表達。

在中世紀的歐洲，繪畫已經是和宗教最為緊密的社會活動。被稱為“繪畫之父”的喬托活動于14世紀上半葉，他一生的作品大多都是描繪圣方濟的故事。但是喬托的繪畫并不是單純地宣揚宗教，而是讓枯燥死板的宗教題材充滿了人性的溫暖。當民眾在教堂的墻壁上看到這些繪畫，可以引發信仰，呼喚自己內心對愛與生命的覺醒，而且還可以使宗教信仰轉化為民間生活。畫家為何能讓繪畫產生這樣的效果？不可否認的是他在繪畫時的主體意識和情緒的流露產生了重要作用。在意大利文藝復興如火如荼地進行中時，北方文藝復興也悄然開始，油畫這一種類，就是從歐洲北方發展起來的，油的特性逐步取代了意大利的濕壁畫和蛋彩畫，從此油畫成為歐洲近五百年來繪畫的主流。

油畫的出現讓當時的繪畫顯得極度的“寫實”，這種極度“寫實”的畫面完全洋溢出了民間生活的樸素真實的一面，比如勃魯蓋爾的作品《農民的婚宴》，這種平凡樸實的畫面留下了生活最真實的面貌，這時候的繪畫已經留下了繪畫者最真實的態度以及強烈的生活熱情，一種油然而生的人物內心的意象化情感開始在畫面中悄悄展露。18世紀的西班牙畫家戈雅就是一位個性鮮明，充滿著矛盾與沖突，具有現代個人特質的藝術家，他的油畫就是他個人經歷的體現，這體現了繪畫因人發展而變化的特殊屬性，因為畫畫的主體是人，油畫是他用來表現的工具，繪畫會打著人的烙印，打著時代的烙印，繪畫的魅力即在此刻凸顯。戈雅對他所處的時代變化很敏感，他在繪畫中不知不覺地透露了自己內心的情緒，正是因為他的繪畫碰到了自己內心的潛意識，所以他的畫面能傳達出一種超于內心、超于現實的跨越感，繪畫中已經烙上了他生命的痕跡，由此可見繪畫的表現力量是如此的偉大。在19世紀之前，很多藝術家的作品都具有超越時空的意義，提香、倫勃朗，可以說繪畫就是生命的一部分，他們都通過觀察自然創立了自己觀察這個世界的方式，在他們中可以充分體現出繪畫的表現性和視覺性，并且他們的繪畫包含著社會的公共價值和人類的普遍情感。

19世紀之后，印象派的出現打破了原有的觀察秩序，他們追求瞬間的視覺印象，注重偶然和率真的效果，塞尚的出現建立了新的繪畫體系。他不盲從，一方面他不滿足于印象派專注描繪光影的變化，他覺得過于表象，另一方面他又不滿足于普桑在畫面中建立的那種理性的結構主義形式，因為過于理性的結構形式不能表現自然的光怪陸離，他決定用自己的方法，用自己的眼睛去建立新的觀看方式。那塞尚如何去建立這樣一種觀看對象的形式呢？用他的話說就是這種“與生俱來的混沌的感覺”，塞尚要建立一種新的形式來表達這種感覺。塞尚在繪畫時不斷調整一個區域的顏色，使它同臨近區域的顏色顯得調和，這樣的畫面雖然充滿了光的效果，但這樣的色彩構成永遠都像未完成、未凝結一樣。這種看似未凝結的色彩構成，其實恰如其分的呈現了自然不斷流動、不斷生成的真實。在這個時候繪畫就被提到了一個新的高度，繪畫變成了對于理解自然、理解生命對象的存在意義。

在塞尚之后，20世紀前30年，各種主義各種流派蜂擁而起，繪畫作品的主題有著更加深刻的印象以及體現作品象征性的一面。比如現代派的繪畫的代表之一畢加索，他的作品《格爾尼卡》就是一幅充滿著象征意義的繪畫，畫中的斗牛、戰士、馬、女人等，每一個物象都有著其象征的內容，這些象征性造型可以激起人們深刻的反思，即使這幅畫的草稿當初是相當寫實的，但他把寫實性減弱，抽象性增強，表面上感覺形象被稚拙了，其實這樣的抽象卻能使象征性不斷的增強，畫面的客觀再現性被弱化，恐懼、憂傷、驚恐等形象讓人的內心產生深層次的共鳴，這樣的畫面使得觀者產生了參與性。繪畫發展到這個時候已經可以作為讓觀眾可以參與的視覺活動，它代表著社會價值和普遍的人類情感。

近半個世紀以來，藝術的傳播廣泛運用大眾傳播媒介，人們可以在生活的各個層面中體驗藝術的便捷，繪畫也就是在這個時候逐漸變得邊緣，因為媒介多了，藝術形式多了，但這看似豐富的藝術生活，使得藝術的公共價值被曲解，太多的魚目混珠讓藝術變成利益的工具，甚至變成毫無精神內涵的商品。形成這樣的原因究其根本，就是藝術的公共價值和人類的普遍情感的喪失，或其一缺失，但我覺得越是在這時候越是需要一個堅定地力量來進行藝術探索的行動，尋找藝術的真理。從繪畫開始的探索可以成為一個新的命題被討論，首先，繪畫作為一種古老的語言有其特殊的技術層面的不可特替代性和廣為接受的群眾基礎，第二，即使現在新的媒介盛行，比如視頻、虛擬技術等，但它們多是與滿足商業需要而存在，僅僅滿足商業需要的物品也不能成為藝術品，所以這些新媒介的存在并沒有干擾到繪畫的獨立性，第三，提到繪畫大家下意識覺得就是畫布繃在畫框上的作品，這樣的想法有時反而阻礙了我們的探索，我們可以嘗試從繪畫這一古老語言的視覺層面上去探討，嘗試讓繪畫的語言在當下的語境內變得多元，這不僅僅體現在繪畫的橫向性表達，還有繪畫的縱向性探索，尋找到藝術本源的真理，讓繪畫一直伴隨著人類的進步而繼續發展，讓藝術成為人們延綿不絕的精神源泉，并且從某種含義上說，是一門既古老又前衛的藝術形式。

參考文獻：

[1]徐復觀.中國藝術精神[M].華東師范大學出版社，2001.

[2]朱雄伯.世界美術史[M].山東美術出版社，2006.

（作者簡介：陳冠羲，碩士研究生，南通理工學院。）