淺談寫生對創作的重要性

摘要：寫生對學畫的人來說是一門必修課，通過寫生可以訓練造型、色彩、空間等一系列基礎知識，無論是風景寫生還是人物寫生，都可以通過眼睛的敏銳觀察來發現與眾不同的點，在寫生中獲得體會和啟發。本文主要分析寫生對創作的重要性。

關鍵詞：感受 觀察 寫生 創作

一、寫生訓練對造型的影響

（一）人體寫生訓練

寫生所訓練的就是觀察模特的方式和造型的本事，將形體在畫布上如何呈現是一門獨特的技藝，是通過自己的觀察、訓練和理解得來的。造型基礎越堅實，對后期創作幫助越大。尤其是人體油畫，當模特走進畫室，開始擺姿勢就是一幅畫面構思過程的開始，要根據模特的自身條件、內在氣質來進行適當的姿勢調整，以顯得不做作又充滿鮮活的畫面感。那么，應該怎樣經營畫面，就是值得思考的問題。要想畫好一張人體油畫或者素描，并不是一件容易的事，要懷揣研究的態度，研究合理的空間位置、形體的表現力，用心來感受這個畫面的美感。如果空間位置合理，則畫面看著會非常舒服，這是一個動腦的過程。

有時，同樣的一個姿勢畫多了，思維就會固化，畫什么都會產生雷同現象或者千篇一律，這時更不能松懈，要換個角度重新審視一下模特。比如，換一塊長條的畫布，改變一下畫布尺寸，或轉換一下思維。模特到底是什么形象的，應該具有獨到的眼光和見解，這個模特今天與昨天有什么不同，要多觀察多思考，有的時候畫得順了反而會忽略一些細微的特質。這個模特在自己的眼里是什么樣子的，包括模特的體型、相貌、膚色、衣著等特點，都應該用心去觀察、去感受，然后再畫出來。而不是想到這個模特的姿勢像哪本解剖書里面的結構，像哪本大師素描書里的模特，要是這樣的話那只會一味臨摹別人的東西，看到的也是別人所看到的東西，會迷失自己，成為別人作品的“搬運工”。只有善于發現，把感性那部分抽離出來和理性結合在一起，剖析越深入，畫得越多，對形體的理解和感受才會越來越清晰，對后期畫創作才越得心應手。

筆者一直把寫生當作一棵樹的主干，連接著枝干的各個方向，只有主干生長好，根基強壯，才有可能生根發芽。沒有寫生能力的話，創作也無從下手。在生活中寫生和造型訓練其實并不枯燥，要是發現那個樂趣點，就會喜歡上寫生。速寫也已慢慢成為生活中必不可少的東西，筆者在閑暇時喜歡用速寫本記錄身邊的朋友們。對于筆者而言，這都屬于生活的一部分。以前一上午可以畫好幾張速寫，畫得很起勁，甚至越畫越快。直到后來畫了大半本，發現所有的模特在筆者的速寫本上體貌特征大致相同，這時才意識到之前畫的速寫就像廢紙一樣毫無價值，因為這些模特本該是各有特點的，卻由于筆者缺少敏銳的觀察而忽略。

要知道，不是畫得快就叫速寫，反而應該首要弄清模特所在的空間位置，觀察頭、肩膀、臀、手、膝蓋和腳踝的落點到底在什么位置。慢慢去感受模特身體的微妙變化，感受從前面到側面，再到后面這個三維的空間變化。速寫對造型理解是很有幫助的，有些地方空間繞不進去的時候可以用線把空間“遞”進去。眾所周知，馬蒂斯就是用線高手，其速寫關節和關節之間咬合很緊實，用線很準，這種準是眼睛所觀察到的準，是對形體的理解上的準，產生了一種美感。他所畫的短期速寫略在轉折處加上一些旋轉輕飄富有彈性的線條，對畫面中黑、白、灰的分布很講究，使每張畫面體量感很足，畫面撲面而來的情緒顯得那樣放松。對于所畫的速寫小頭像觀察很細微，這個人是長扁形臉還是圓嘟嘟的嬰兒肥似的臉，甚至連睫毛的數量、方向，通過他的速寫都能看得到。速寫相對來說能盡快解決一些大問題，對著課堂上雙人體模特的不同角度畫上幾張，慢慢體會眼睛所看到的和手上所描繪的在造型基礎上那種美的律動，也算是對造型和素材的一個積累。油畫人體寫生中色彩和造型是應該是同步進行的，不能只研究造型上的事卻忽視了顏色的重要性，在大的轉折處那幾筆灰色還是很難把握的。有段時間筆者進行大幅創作就覺得造型跟不上，總覺得掌控不住畫面，意識到應該從寫生中來解決問題，回到寫生這個本質上去，沒有量的積累就沒有質的飛躍。

（二）風景寫生訓練

風景寫生也是筆者比較喜歡的。到有山有水、有花有草的地方，早上起來出門就能聞到空氣中彌漫著泥土和香草的氣息，可以觀察到清晨花瓣上的露水還未褪盡，空氣中彌漫著濃濃的白霧，花朵上總有幾只蜜蜂在那慵懶地休息。寫生可以為創作提供一定的動力，就像是與大自然有一個對話過程。畫家張璪提出“外師造化，中得心源”，說的就是面對大自然寫生時，要有自己的感受，用自己的理解和體驗去接近大自然，把內心的感悟和自然的美結合在一起。

每次外出寫生的感觸都是不一樣的，從一開始的陌生到畫幾張畫以后慢慢熟悉這個地方的山、水、風土人情，每次去都有著微妙的變化：村子里面蓋了幾所新磚瓦房子，誰家的院子擴大了，又種上了什么蔬菜，誰家的孩子已經長大了，這里的一切都在靜悄悄地變化著。一座座挨著的山就像一個充滿起伏的椎體，坐落在這個地球上;天空遼闊、空靈，一年四季中山的顏色、樹的顏色也在變化著，山上的小路蜿蜒曲折。下筆前對這些景物與人物的細致觀察，將會使呈現的畫面更有富有生命力。

在風景寫生中要考慮的因素很多，很鍛煉在造型和顏色上的功力，以及對空間的認識。印象派的風景畫像是協奏曲，在空氣中到處彌漫的光和色交織，甚至都能讓人感覺到是幾點鐘畫的。在寫生中，我們會發現光線是無時無刻不在變化的，顏色同樣有豐富的變化，冷暖、空間、體積等很難捕捉，尤其是光線照在山、云、樹、房子上的顏色，包括投影，每次抬頭都會發生變化。所以，寫生時可能剛剛畫完天空，回頭再看剛才畫過的山又變樣了，這樣豐富的場景對顏色造型是很有幫助的。因此，需要畫什么、該怎么畫，便成了絕大多數寫生者的難題。在觀察時一定要多去研究畫面物體之間的關系，遠景、中景、近景的空間關系，以及畫面的造型、顏色等。

筆者認為，對于寫生的人來說要時刻對周圍的事物保持一顆好奇的心，善于發現周邊的人和事，就像到了一個陌生的城市感受到空氣是濕潤的還是干燥的，地面是偏土紅色的還是黃色的，人和物有什么特點，哪怕是在大街上發現有什么特色美食都可以。

二、寫生對創作的重要性

寫生與創作是緊密聯系在一起的，無論創作對象是人物還是風景都是一樣的道理，可以說寫生就是創作。寫生會不斷提高我們的造型能力，開拓視野，訓練洞察力，積累到一定程度后就會使創作產生質的飛躍。通過寫生來提煉創作所需要的元素，為創作起著鋪墊的作用。

比如，達·芬奇、米開朗琪羅等早期數不清的素描、速寫手稿或者局部寫生訓練，都是一個資料搜集整理的過程，都是采用記錄寫生的方式來搜集素材的，到后期都會為創作所用，在寫生中可以找到創作根源。小幅靜物畫可以直接寫生，但是大幅創作怎么辦？這時候要借用輔助工具，那就是照片。相機可以很快拍出各種場景的圖片，但是照片上永遠是平面的、單薄的，拍出來的人物面部不夠立體，甚至沒有拍出衣服本身的顏色，顯得很呆板，所畫的就是照片中的人，而不是生活里的人。并不是畫一張漂漂亮亮的畫，沒什么大的瑕疵就叫創作。甚至有時發現畫完以后覺得像是復制的，不生動，一點自己的造型觀念都沒有體現。這時應如何把照片上平面的東西用三維空間的視角表現在二維的畫布上呢？平時寫生訓練顯得尤為重要，在寫生中觀察再經過理解之后，手上的畫筆就是最好的工具。如果對造型有充分的理解和把握，就不會被照片所束縛，照片就會為己所用，變成一個輔助工具。如果對著照片創作覺得枯燥的話，也可以摻雜著幾張寫生來進行，順勢還可以解決在創作中所遇到的問題和困擾。

筆者認為，完成一幅作品的主要問題在于尋找合適的模特具有一定困難，日常見到的人都可以成為寫生對象，可短時間的相處并不能找到人物的突出特點，畫出來就顯得假，擺出來的動作總顯得做作。為什么很多人總畫自己或者畫周邊的朋友，原因是對自己和朋友比較熟悉，對著鏡子畫自己沒有顧慮，直接用眼睛看和動筆畫就可以了。筆者也喜歡沒事畫畫身邊的朋友、家人，因為這些人對筆者來說比較熟悉，就在筆者的生活里。要把生活的感悟和真實情感投入到畫面，別人才能感受得到。在寫生中要結合理論上的知識不斷練習，磨煉意志和基本功，使自身體會更能隨意在畫面上流淌出來。

三、結語

創作和寫生應始終圍繞著現實生活，二者是息息相關的一個整體，密不可分。創作就是在日常學習和工作中表達內心情感，表現日常生活碎片而形成的畫面，是情感的抒發和表達。寫生的價值就在于它是獨一無二的，不是臆想出來的，必須是帶有鮮活性和個體性的。任何一種技能的掌握都需要長期的努力，寫生也是如此，在寫生中要善于觀察，積累素材，要把寫生的意識帶到創作中去，如此，才能不斷提高在藝術表現上的綜合能力。

（作者簡介：焦旭東，男，碩士研究生在讀，吉林藝術學院，研究方向：油畫語言本土化）

（責任編輯 王瑞鋒）