以瞬息的光

徐絮 黃也

劉佳玉：難以預知的虛擬

一條穿過長城的小溪要如何流經泰晤士河，北京西山的天際流云要如何飄進曼城古老的維多利亞建筑里，冰島的秋景要如何和三亞的熱帶植物共生……這些看似不可能的奇思妙想其實皆源于青年新媒體藝術家劉佳玉的作品，在實地勘探、數據收集、實時渲染、數字投影等信息技術的支持下，這些遙遙相隔的空間和迥然不同的景象，在一片熒熒藍光中完成了蒙太奇式的拼貼和碰撞。

編程、數據、人工智能和藍色燈光，提到這些名詞人們總會聯想到“理性”、“冷靜”，充滿科技感的新媒體藝術在人們看來總是“冷色調”的，而劉佳玉用它們來表現水流、花卉、天空、風等自然元素，冷色調中亦蘊藏著詩意。最初劉佳玉并沒有意識到自己的眾多作品都是藍色的，她認為藝術的表達和人的感知一樣，都是在自然而然中發生的。作家以文字感知世界、表達世界，而她用燈光和裝置，不過是各有各的方式而已。

“經常有人問我：某個作品的靈感是什么，為什么選擇這個顏色的燈光，為什么要做這樣的裝置……但其實我的作品往往沒有一個具象的靈感來源，一切都是來源于生活本身，是我對生活自然而然的反饋。”藝術表達也會受到生活潛移默化的影響，就像她的作品中之所以展現出國畫暈染的效果，是源于小時候學過國畫、練過書法衍生出的感受，“畫國畫時我們會知道哪一筆要多沾點水，在我創作作品的時候我也知道自己更希望投影影像在軟件制作時就需要擁有一些朦朧感，像會呼吸的氣泡，這是我所欣賞的美。”

劉佳玉的作品并不都是冷色調的作品，她也不執著于以最新的科技為載體進行創作。在《菜市場和弦》/HappyRecipe 展覽的現場，劉佳玉以明亮的空間與鮮艷的瓜果重塑了市井生活的面貌，互動者只需要像在菜市場里挑選那樣，拍拍西瓜，掂掂蘋果，就能把動作轉化成有趣的音符。她說，“其實并不像人們所想象的那樣，這些作品即便科技感很強，但依然是我的情感表達。我用燈光、用投影去呈現一個作品時，它們并不僅僅是冰冷的技術，它們的存在是這份情感表達的組成部分。”

在作品《小溪》/The Riverside中，劉佳玉和團隊對一條流經長城的小溪進行了河床3D掃描并復刻出長8米、寬3.5米的混凝土模型，從“河床”上流過的靈動“溪水”是由實時數據進行流體模擬得來的，快速運動的燈光粒子投影在模型上，奇幻而生動。特別的是，投影數據中嵌入了北京上空太陽和月亮的實時位置，這使得流淌的溪水有了變幻的波光，映現出日光照在水面的粼粼和月光搖晃的倒影，劉佳玉解釋道：“自然界中最打動我的是影子，它證明了光的存在，也讓人們擁有了更多的想象空間。我希望大家可以通過水波之上呈現的倒影去感受時間的流轉。虛擬世界里的光會隨著真實世界的光不斷變幻，我嘗試著在作品中感知光、模擬光、控制光，然后讓我創造的虛擬世界與現實世界產生更多聯結，而這些聯結也引導著人們透視自然最本真的力量。”

作為一個新媒體藝術家，不管是對投影燈光還是對自然中的光，劉佳玉都有著雙重的認知，并游走其間。就拿《小溪》/The Riverside來說，變幻的波光其實只是與日月的定位坐標公式有關，客觀規律上講每天的太陽只比前一天晚一分多鐘，看似沒有規律的變化其實和嚴謹的科學密不可分。但即便已經用軟件模擬出了燈光和投影的效果圖，最終所看到的呈現效果依然會讓劉佳玉十分驚喜，“最難模擬，甚至不能模擬的就是光，它是你無法捕捉、無法預測的東西。這是光最吸引我的地方，效果圖模擬出來的光束和影子，我腦海里想象的最終效果，這兩者與現場永遠不一樣，因為此時的光是真正自然而然地散發的，永遠可以帶來新鮮感，永遠可以帶來令人激動的驚喜，正是光的這種特質在激發著人類的探索。”

光所帶來的雙重感受同樣也是劉佳玉在運用新媒體技術進行藝術創作時的感受——既能用技術控制卻又無法完全預知，它像某種介質，始終給人以介乎于兩端之間的奇特體驗，這種無法比擬和形容的未知性，是令藝術家們不斷創作、不斷探索的強大動力所在。

CHICX劉佳玉

CHIC：作品《菜市場和弦》/Happy Recipe 的風格和其他風格特別不一樣，它的創作故事有什么不一樣的地方嗎？

劉佳玉：其實在做這個作品之前，我已經很久都沒有再做過互動的作品了。在大眾的認知里，互動性就是真的要做點兒什么動作才叫互動，但是其實你觀賞一個作品的時候，人的感知和思考也是一種內在的互動。我希望在創作中一切都是自然而然發生的，很多時候一個必須做點兒什么動作產生的互動并不是必要的。

不過在這個菜市場的環境中，拍拍西瓜這些動作都是很自然的行為，當時我還特意選了幾個方言比較特別的地方的菜市場去采集一些實際的錄音，再把錄音轉換成音樂。我想通過作品傳達的，就是在新媒體藝術的時代，藝術是觸手可及的，是社會的，是公眾的。就像在我們日常生活中必不可少的菜市場里，人是不分階層的，每個人各司其職。藝術也一樣，它應該更具包容性。

CHIC：2018年的時候你曾說“藝術家最需要具備的特質是享受孤獨”，現在呢？

劉佳玉：當時我的認知確實是這樣，不過現在已經變了，我覺得這也是多年創作所帶給我的改變吧，我自己的作品在不斷變化，我們對這個世界的感受也是在變化的。2018年，讓我產生這些感受的那段時間，我都一個人在倫敦，一個人默默地做創作，有技術需要的時候才去聯系技術團隊，所以我覺得藝術創作本該是孤獨的。

但是我回國后開始創作《逆流而上》/ In the Flow這樣一個體量非常大的作品，我開始需要和團隊有更多的碰撞，這是一個非常大的挑戰，整個幕后團隊大概有30多個人。技術的變革，帶來了新媒體藝術的更多可能性，同時也帶來了團隊創作，你會感覺到團隊創作的巨大能量。所以我現在會覺得藝術家最需要具備的特質其實是協作，同時也有熱愛。當面對著自己熱愛的事情時，遇到了問題，你不會覺得這是困難和挑戰，你腦海里想到的一定是我要怎么解決這個問題。

CHIC：燈光裝置類的新媒體藝術在白天呈現時可能存在著一定的局限性，對此你有些什么想法和嘗試呢？

劉佳玉：這個問題其實也是近幾年才有的，這也是新媒體藝術誕生和發展勢必會帶來的矛盾性討論。在新媒體藝術出現以前，人們不會去考慮一幅油畫晚上要怎么觀賞，城市里的雕塑如果晚上需要燈光，只要加兩個燈就可以了。但是有了新媒體藝術或者數字藝術之后，人們會希望這個燈光有更多不一樣的變化，可以變色、感應、互動等等，進而希望燈光裝置白天也同樣具備觀賞性。

其實最早關于新媒體藝術的兩極化討論是從“White Cube”（畫廊和博物館空間）與“Black Box”（除此之外的數字、物理空間）開始的，是關于藝術作品是否需要依托墻去呈現的討論。2015年teamLab進入中國在中國的新媒體藝術史上有著里程碑式的推動作用，讓公眾認識和認可了我熱愛多年的這個領域，而現在這種燈光藝術發展到了一定的階段，公眾已經有了廣泛的接受度，人們對它的期待也會自然而然地隨之發展，事物的發展階段都是彼此相連的，所以也促使著藝術家們去探尋下一個階段。不過關于燈光裝置在白天的觀賞性這個問題，不光需要藝術家去努力，應該是這個領域中的各方要去共同面對、協作解決的。

CHIC：今年6月，你用約5000個廢棄塑料瓶和渲染出的粒子動態海洋動畫創作了《塑形》/Shape of Plastic，以喚醒公眾對人與自然共生問題的關注。你在可持續理念上的思考是否延續到了后來的創作中？

劉佳玉：在最近的創作上，我們更多地在尋找新媒體藝術與可持續理念之間的不同可能性。

9月接到Adidasby StellaMcCartney和UCCA Lab的聯合邀請，我創作了作品《造形》/Shape ofWeave，這也是6月與adidas合作作品《塑形》/Shape of Plastic的延續。這個作品中我嘗試以品牌提供的回收舊衣作為原材料，融合環保樹脂制作成巖石般的投影映射媒介，粒子動態圖形展現的流動地表景觀象征著生生不息的自然循環之力。

9月底、10月初我們又與中國紡織工業聯合會環資委、綠色紡織界、時尚造物、上海新天地共同發起了丹寧舊衣回收計劃，我們使用該計劃回收的舊衣鉚釘、牛仔紗線，與竹子、清水混凝土相結合，在夜晚融入投影映射的藍色水波紋，創作了作品《竹谷河鳴》/Natural Concerto，這個作品分為母體和子體兩個部分，母體在10月期間呈現在上海新天地廣場，而子體在上海崇明東灘鳥類國家級自然保護區進行了專題影片的拍攝。我們希望透過這樣一個以“可持續時尚”為議題的新媒體裝置藝術作品，呼吁公眾認可、接納、推崇“可持續時尚”。

以及最近，在“愛的藝術”影像藝術展展出期間，我們受邀利用蘭蔻品牌回收的產品空瓶創作出作品《與生之花》/Grow in Love，經過再塑造的空瓶展現出生長于巖體雕塑表層的花的姿態，將人與自然、消費與環保、循環與藝術以“重生”的概念結合了起來。

黃喆：向深層意識的行動

絢麗的色彩，入心的思索，在無量的瞬息中探知自我的邊界，這是藝術家黃喆的個展“光入變”帶來的觀感。他對地質學、天文學、考古學等領域的關注，給其創作增添了一份獨特的光暈。“我們生活在一個講究高效和速度的環境中，追求即時性，這很容易產生焦慮，而專注于對地質學、天文學、考古學等的淺顯研究，將獲得的感受融入到作品中去，是一種回望的方式。它們的生成與發生是一個漫長的、疊加的、不斷探索的過程，這如同我回望自己對藝術與對生活的理解，也是我面對當下的補充，我用作品說出面對當下的感受。”

回望是一段漫長且深邃的歷程，無形之中造就了一個難以形容的能量場，如同置身于“光入變”的展覽現場，那種色彩與形式、虛空與存在、時間的流變與光線的變幻······無一不在呼喚回望自身的渴求，有對“我是誰”這一人生命題的求索。置身虛空之境帶來的生命沉思，會觸發人對時代的語境、自身的歷程以及精神的追求等人生主題的質詢，是向深層意識而前進的行動。“光入變”試圖觸發一種深淵式的共鳴，從而回歸當下——“正入變出”。

一個展覽或許是一個微小的存在，但一個展覽背后的一切則是一個龐大的存在。早在七八年前黃喆就開始了“與光同行”的創作。初期的創作中，他專注于“圖像的消解，光與圖像的關系”，但隨著創作的深入，光與材料本身所產生的力量讓他更為著迷，于是“對材料的研究與感受”也成了他整個創作中不斷深入探索與反復實踐的主要內容。“光原本就有著獨特的語言魅力與豐富性，讓我更加專注于在創作中反復對材料的實驗與實踐去體現光的變化對我感受的引領。”從研究到更新，感受到體現，經“時間的線索”這一牽引點，他在創作上的表達有了更多重的呈現。

黃喆“追光”的創作經歷一直處于不斷發展且持續更新的狀態，隨實驗和實踐的增多會生長出新的生命力。“有了限制才給予了我更多的自由，在這種‘追光’式的對材料語境的探索中，我獲得了更多運用的自由度和可能性，從早期散射效果對圖像的消解到近期以光為主的語言并置，都是一次次感受上的更新，同時希望建立一個對應的視覺語境。”順自然之光，變化無處不在，奇異的發現便會應運而生，這是藝術家在創作中的獲得，也是觀看者在觀看中經受的啟示，微妙但確切。

CHICX黃喆

CHIC：你早前說過一句話“在我的創作當中，有一種關于時間的線索——一種時間對于材料和敘事的影響。時間、文化、歷史，可以說一切事物都對材料自身產生影響。”那是否可以理解為“時間”是你的創作主線之一？

黃喆：時間的線索是我創作中的一個牽引點，而不能說是創作的主線，我由時間引發出對各個領域的探索沖動。如果要敘述創作主線的話，現在可能是多條主線并存的方式在進行，同時他們又互相影響，如關系的轉化、力的變遷等，他們同時都是由時間所引發的。對材料的研究與感受，是我整個創作中不斷需要深入探索與反復實踐的。

CHIC：你創作的過程中是一個不斷重復、研磨、雕琢的過程，需要漫長的時間，那處于這種相對來說是繁復的無限循環的創作過程，你的觀看的方式更接近于怎樣一種狀態？

黃喆：正如林葉老師在展覽評論中說到：“這既是一種觀看行為、也是經驗時間的行為、同時也是生活的行為。人們可以在這個重復的過程中不斷制作、重制、拆解觀看的概念、時間的概念以及生活的概念。”那么我的創作是在時間的疊加中尋找痕跡，消解當下生活的焦慮，創作讓我經驗著時間，同時也理解著生活。

CHIC：“光入變”的展覽分為三個部分：“大地中的感知”、“宇宙中的星云”、“自我的邊界”，分別又對應著大地、星空與自身，凝視、仰視與自省，這是我們所看到的一個最終呈現，那關于創作闡述以及命名你是遵循著怎樣的方式？

黃喆：展覽中，這三個板塊是相互關聯的，如同我們抽身于繁忙，面對自己時，提出：“我是誰”這一古老問題后的思考與感受，思考我們與信仰、與自然以及人與人之間的關系，如何擺脫虛無的困境。圍繞這樣的思考路徑，與其相左的都會刪除。

CHIC：光作為觀看你作品的元素，不同角度會帶來不同的效果，形、光、色彩是最直觀的視覺呈現，很奇幻也很神秘，再深入的看有你對歷史、時間、思維、宇宙、自我等內在的事物的探究，既有具象也有抽象的表達，你是如何中和的？

黃喆：就如同理想與愛情，它既是抽象的也可以是具象的;晚霞、雨聲、一口甜品的滋味，它可以是具象的也可以是抽象的。那些激起你創作沖動的靈感，是內化后最終呈現在作品中的，這并不是一個如化學實驗中的調配方法，而是一瞬間動人的可能性。

CHIC：藝術家的作品大多都是被放置在特定的展出空間，有一定的規劃和布局，你有想過你的作品其實還可以被放置在哪里，會有不一樣的藝術呈現？你理想中的展出你作品的場景是怎樣的？

黃喆：對于放置作品的場地，越多的可能性，意味著越多的挑戰與對材料運用的突破，我想勇于突破是一個藝術家應一直保留的信念，所以在我心中，沒有固化的理想展示場景，而是一直需要去尋求能夠賦予作品以更多生命力的空間。