戲劇創作不可放逐表達意識

夕君

戲劇是人類古老的藝術形式，數千年來綿延至今，派生出不同的類型、風格、流派等，可以說蔚為大觀。其中，針鋒相對的觀點、迥然有別的藝術實踐對話、共存，也是一道風景。總的來說，持不同理論主張、開展不同藝術實踐的戲劇人普遍注重戲劇的表達意識，即認為，戲劇的思想內容、舞美設計等是創作者主體精神、生命體驗、生活經驗等的表達與投射，凝結著創作者特定的文化、藝術訴求。說得直白一點，一部戲總得說點什么，哪怕表現的是荒誕甚至空虛，那也是有所表達的。

然而令人感到遺憾的是，實踐并不總是與理論期待相符合，有些作品的表達意識相當淡漠，故事情節千篇一律，人物塑造千人一面，臺詞中充斥著大話、空話、套話，甚至將報紙、文件上的話成套、成段堆砌到劇本之中，在拾人牙慧、牙牙學語中，窺見思想的空洞、思考的闕如和態度的敷衍。有時，這類作品的主創還會以絢麗的聲光電等手段掩蓋表達意識的不足。令人稍覺慰藉的是，這類放逐了表達意識的、機械生產式的作品，幾乎不會受到觀眾和市場的認可，甚至很少有人看，其造成不良影響的范圍是很有限的，只是浪費了人力物力資源，仍很不妥。

戲劇創作放逐表達意識，有不同的表現形式，與無人問津的作品相比，藝術內核不堅固但觀眾數量龐大的作品更值得注意。隨著戲劇發展的多元化，不少作品越來越強調觀眾的參與感、互動感，無論劇本創作還是舞臺設計，都為觀眾的介入留足了空間。這類作品以創新的姿態挖掘戲劇的新的可能性，探索戲劇概念的邊界，值得鼓勵，然而一旦過于強調互動性，戲劇自身邏輯的完整性難免遭到破壞，創作主體的表達意識必然要向觀眾的參與和選擇讓步，二者如何調和，非常考驗創作者的智慧和經驗。

在某種浪潮洶涌之時，保持一定的克制和定力十分可貴。跨界融合沒有問題，分寸、尺度至關重要。當戲劇大幅度、全方位地向觀眾“敞開”，其文學意味、表達意識被稀釋乃至消解，戲劇和游戲、劇本殺、視覺秀等其他藝術形式、娛樂方式的差異及邊界就逐漸變得模糊不清。有些作品，說它是戲劇，它似乎擊穿了“第四堵墻”，侵入了觀眾的心理屏障；說它是游戲，它又很難像純粹的游戲那樣讓觀眾毫無顧忌地投入，畢竟與看過劇本的職業演員一起演戲，這種壓力對觀眾來說太大了些，很難放得開；說它是舞臺秀、燈光秀，其科技含量、視聽效果又很難達到觀眾期待的“大秀”的水平。

那么，問題就來了。放逐表達意識而一味追求與觀眾“打成一片”，戲劇究竟獲得了解放還是陷入了尷尬？這個問題不容易回答，但可以作進一步、長時段觀察。把自己“創新”成其他事物，這是否是戲劇創新的理想途徑？這個問題也不容易回答，但值得認真考量。

在筆者看來，文藝工作者應該堅持以人民為中心的創作導向，時時刻刻將觀眾放在心中，這完全正確且非常必要。但是，尊重觀眾、為觀眾服務，并不意味著放逐自身表達意識，把劇本“寫作權”交給觀眾，僅將戲劇視為讓觀眾游樂其中的一場真人秀，怎么樂呵、怎么新鮮就怎么來。真正的創新應該是有內涵的，而不是讓藝術堅守讓位于商業邏輯、讓精神共鳴讓位于感官刺激。文藝作品、文化產品終歸不同于一般的商品，僅僅滿足消費者物質層面的“使用需求”是不夠的。縱然不能一律要求戲劇為觀眾啟智潤心，也至少應該提供些許精神對話的場域、心靈慰藉的溫度、審美愉悅的空間。做好本職工作，守護好文藝、文藝工作者的職責，這才是真正將觀眾放在了心上。哪怕創作者的追求僅是娛樂觀眾，內涵較為豐富、表達意識較強的作品，也往往能夠達到更好的娛樂效果。

總之，對于戲劇創作來說，形式可以千變萬化，理念可以不斷更迭，但一定的表達意識總不該缺席。

（摘自《中國文化報》）