音樂劇演唱對于傳統聲樂唱法的傳承與發展

程澤清

摘 要：近年來，音樂劇這種藝術表現形式，與人民群眾之間的關系變得越來越密切，很多人會選擇在休息時間，觀看優美的音樂劇來減輕生活和工作中帶來的壓力。音樂劇是以歌曲作為載體，表演中摻雜對白和歌唱兩種形式，音樂劇中包含了歌舞、戲曲以及音樂。在音樂劇演唱的初級階段，作品創作人員使用很多技巧，已經借鑒了傳統聲樂唱法中的概念，特別是在發聲方法的使用上更是使用了傳統聲樂唱法中的精華部分。從某種意義上來說，聲樂唱法是音樂劇的先驅，有助于音樂劇演唱的發展。當藝術與文化進入新發展時期，音樂劇表演人員要充分吸收聲樂唱法中的優秀部分，不斷提升藝術水平，為更多的觀眾帶來新的感受。音樂劇演唱在發展過程中，傳統的音樂表演形式經過時代發展已經發生轉變，逐漸呈現多變性的特點。本文分析了音樂劇演唱與傳統聲樂唱法的差異，闡述了音樂劇演唱對傳統聲樂唱法的傳承、演變與發展。

關鍵詞：音樂劇演唱；傳統聲樂唱法；傳承發展

中圖分類號：J616文獻標識碼：A文章編號：2096-0905（2023）06-00-03

傳統聲樂唱法屬于發聲或者唱歌的方法，這種演唱風格經過長時間的發展完善，被應用到各種演出場合，傳統聲樂唱法中對聲部的劃分有著嚴格要求，高音區的音色豐滿，氣息源遠流長，能帶給觀眾不同的感受。傳統聲樂唱法對發音點會有詳細的訓練，與之相對比的是音樂劇演唱，屬于舞臺表演的一種形式，在藝術表達上將音樂、戲劇以及舞蹈表演相互融合，形成多樣化的表演形式。音樂劇表演中演員的聲音和性格特點，決定了表演方式多種多樣，音樂劇演唱演員要結合不同的舞臺風格和劇本要求，選擇使用不同的表演技巧，此種表演方式源于傳統的聲樂唱法，在某種程度上又高于聲樂唱法，屬于對傳統聲樂唱法的傳承與發展。

一、音樂劇演唱與傳統聲樂唱法的差異

（一）情感融入的結合點表達不同

中國社會進入新的發展時期，人民群眾的生活壓力變得越來越大，大多數人會選擇在業余時間觀看音樂劇，通過觀看音樂劇來釋放個人情感。音樂劇演唱和傳統聲樂唱法中情感融入存在明顯的差異性，音樂劇演唱人員更多的是情感上的融入，特別是在故事情節以及舞臺效果的設計上，整個的情感融入會選擇科學的方式，表演人員在對白和歌唱過程中，能將音樂劇演唱的情感表現出來[1]。傳統聲樂表演更加注重和聲的唱法，情感的表達方式，從演唱者的內心表現，結合歌曲的內容來動情地演唱，演唱者仿佛就是歌曲中的人，情感經歷更加細膩，讓觀眾仿佛置身于曲目中，觀眾在情感上能產生共鳴。因此，情感融入結合點不同，是兩種表演方式的最大區別。

（二）兩者的結構特征展示不同

音樂劇演唱與傳統聲樂演唱之間的特征展示存在明顯不同，音樂劇曲目由兩部分組成，分別是旁白部分和曲譜歌詞，音樂表述的部分被稱為樂譜，歌唱部分則被稱為歌詞，旁白的部分則被稱為劇本。現階段，音樂劇長度和演唱時間并未做出規定，音樂劇表演過程中，通過音樂和舞蹈來表達個人情感，故事發展以戲劇沖突為主。從戲劇表達上能看出，音樂劇演唱更加傾向于現實表達，與其形成鮮明對比的是傳統聲樂唱法以優美動聽的旋律為主，唱法主要特點以流利為主，表演風格經過幾個世紀的發展仍未改變，進而形成了一套科學完整的演唱方法和表演風格，這也能充分說明音樂劇與傳統聲樂演唱之間的差異，音樂劇演唱在傳統聲樂中汲取優良部分，經過傳承和發展形成自己的表演風格。

二、音樂劇演唱對于傳統聲樂唱法的傳承

（一）音樂劇演唱和傳統聲樂唱法的歷史淵源

傳統聲樂唱法最具代表性的是美聲唱法，該唱法起源于17世紀，屬于意大利的一種演唱風格，作為歌劇演唱的主要演唱方法，傳承至今，演唱方法已經經歷過幾百年的發展和傳承，逐漸形成了具有時代氣息的發聲方法。目前，發聲體系已經較為成熟，很多發聲內容已經比較規范，但作品受時間、題材選擇和藝術品的風格等影響。歌劇又分為幾種不同的類型，分別是正歌劇、喜歌劇、輕歌劇以及大歌劇等。正歌劇和大歌劇的特點是嚴肅而莊嚴，輕歌劇和喜歌劇的演唱特點是輕松明朗，逐漸被人民群眾所接受，為后來音樂劇演唱的發展奠定了堅實基礎[2]。音樂劇起源說法多種多樣，國內外對音樂劇的起源爭論也比較多，并未形成統一的定論。有的研究人員認為，音樂劇最早起源于美國，由當地的舞臺雜耍發展而來，也有一種說法認為，音樂劇最早起源于19世紀的歐洲，哪種說法正確不予爭辯，音樂劇的發展本身集合多種藝術元素，必然會導致其多元化的發展。通過分析19世紀的輕歌劇和英國喜劇能發現，那一時期的演唱人員選擇使用傳統的聲樂唱法。音樂劇演唱創作的初始階段，演唱人員使用的是傳統的唱腔，如今表演人員將其定義為“Legit唱法”。目前，音樂劇與古典輕歌劇之間的差異變得愈發明顯，逐漸成為兩種不同類型的藝術表現形式，但輕歌劇仍然是百老匯舞臺發展的重要組成部分，同時也奠定了傳統聲樂唱法在音樂劇演唱中的重要影響力。

（二）傳統聲樂唱法在音樂劇演唱中的使用

音樂劇初步發展時，演員唱法多使用的是輕歌劇的表演形式，因此，演員在發聲或者在表演風格上均沿用了傳統聲樂中的精華部分。音樂劇使用的音區、音域以及穿透力較強的腔體共鳴，均是吸收了傳統聲樂唱法的優點。眾所周知，音樂劇的發展黃金時期是在20世紀20年代到60年代，選擇使用此種音樂唱法已經逐漸成為劇場中的主流。這一發展時期出現了兩位重量級的表演藝術家，分別是理查·羅杰斯和奧卡斯·翰墨斯坦二世，這二人被人稱為RH組合，創作出來的藝術作品均使用了Le-git唱法。最為熟知的是1945年出現的《旋轉木馬》和1949年出現的《南太平洋》這兩首音樂劇，其中《旋轉木馬》中的唱段，選擇使用的是歌劇中的詠嘆調演出形式，劇中女主演在演唱的初始階段獨白部分與宣敘調相同，重點講述了女主角遇到男主角后心情以及精神情緒的變化，在此基礎上，音樂劇的演唱進入主旋律。女主角在表達自己情感方面與詠敘調的表演方式相同，音樂劇選擇使用的旋律優美有意境，具備的歌唱性情感表達非常豐富。這首歌對表演人員的專業技能要求較為嚴格，在歌曲結尾的高音部分，要求演員的氣息悠長，能引起觀眾的共鳴，借此來表達出女主角內心的愛慕之情，因此，這一時期音樂表演者多數接受了專業的訓練。目前，百老匯和英國倫敦某些區域，仍然能聽到這種古典音樂唱法，但演員的演唱功底卻不能同日而語，新時期的演員聲音更加清涼透徹，在表演風格上也摻雜了一些時代的元素，這種表演風格被稱為美通唱法[3]。社會在發展過程中，先進電子音樂設備已經被逐漸應用到音樂劇演唱體系中，演出人員多數情況下，會選擇使用擴音設備，擴音效果與早期的古典唱法相類似，單純使用身體共鳴傳遞聲音的形式，已經慢慢淡出了歷史舞臺，借助麥克風的功能，演員在發聲的時間和力度、咬字時間節點均發生變化，即便是在百老匯也很難聽到純粹的聲樂唱法。

三、音樂劇演唱在傳統聲樂唱法基礎上的演變與發展

（一）音樂劇演唱風格多種多樣

古典歌劇最早出現的區域是在歐洲，經過幾個世紀的發展，舞臺上演唱風格和表演方式均在遵循著定律，在風格上并未有太大的變化。但音樂劇的表演方式卻發生了天翻地覆的變化，通過分析音樂劇發展歷史能看出，音樂劇表演風格上除了借鑒古典和流行音樂之外，不同地區的表演風格也存在差異。20世紀30年代的音樂劇，主要是以爵士風格表演為主，特別是1935年出現的《波吉與貝絲》音樂劇，由作曲家喬治·格什溫所創作，對爵士音樂的使用達到了頂峰。喬治·格什溫在藝術創作過程中，善于使用不同類型的節奏切換，使用七和弦來創作出不同的曲調風格，這種爵士風格的藝術表演形式，對表演人員提出了更多要求，表演人員要具備節奏感和即興表演能力。音樂劇中的著名演出片段“Summertime”已經逐漸成為流行歌曲，很多爵士風格歌手在各種場合均會演唱或者作為即興表演的曲目。20世紀70年代出現的音樂劇《芝加哥》屬于爵士音樂劇發展的終極階段，音樂劇中所展現出來的爵士風格片段“All That Jazz”屬于音樂劇中的核心部分。

音樂劇表演中還存在一種與民謠相類似的演唱方法，這種類型的演唱方法存在于鄉村表演音樂劇中。選擇此種表演風格的音樂劇，簡單易懂、音樂旋律清新脫俗，因此，更加受到觀眾的喜愛[4]。通過分析鄉村音樂劇的發展周期能發現，鄉村音樂劇的取材最早是在美國的西部區域，記錄了當地農夫的生活情況，這一類音樂劇的主要特點是帶有濃烈的鄉村氛圍。在1943年由RH組合創作的《俄克拉荷馬》屬于鄉村音樂劇的代表作品。20世紀60年代，美國的政治和經濟發生天翻地覆的變化，公眾對文化藝術的欣賞水平也發生了變化，觀眾對輕歌劇的關注度逐漸下降，這種輕歌劇的表現形式會讓人感覺到沉重壓抑，側面上反映出輕松愉悅的表演方式才是觀眾的需求，因此，百老匯中的音樂劇表演形式也發生了變化。雖然，輕歌劇的數量已經逐漸減少，但是，在百老匯的百年歷史上也留下了濃重的一筆。

在20世紀的60-70年代間，搖滾音樂劇《毛發》出現，音樂劇演唱轟動了整個百老匯，這部音樂劇能反映出美國青年反對戰爭的情緒以及他們對國家管理制度的不滿，促使其表述出了自己的不滿，表演形式均是歇斯底里的吶喊。表演的嗓音多以沙啞為主，不受外界的拘束，對自己的嗓音也不做修飾，表演方式與傳統高雅的輕歌劇差異明顯，引起共鳴的音樂表現形式，配合電子音效的表達，帶來的視覺和聽覺沖擊是傳統唱法無法比擬的。

通過分析音樂劇的表演風格可以看出，最受到觀眾喜愛的表演方式，便是流行音樂劇，這種音樂劇的表演整體通俗易懂，現代感強烈觀賞性較足。法國著名的音樂劇《巴黎圣母院》在演出的過程中，已經具備了流行音樂的特點，表演中所使用的音樂主體旋律優美易懂，所有人的表演輕松愉悅，整部音樂劇的主旋律帶給觀眾浪漫的氣息，這些流行元素能滿足年輕人對音樂劇的喜愛，逐漸地被更多的年輕人所接受。

（二）音樂劇演唱技巧的更新

從音樂劇的表演風格上分析能發現，音樂劇屬于一種多元化的藝術表現形式，演唱的方式要根據風格的變化而變化，因此，不能對音樂劇的唱法給予單純的定義或者從某一角度上對音樂劇唱法給予定義。傳統音樂唱法屬于音樂劇中的一種具體表現形式，音樂劇演唱的概念更像是一個合集，集合了多種藝術表現形式[5]。古典聲樂在演唱過程中，更多的是給予聽眾唱的感受，音樂劇的演唱更多的是以說為主要旋律，從某種角度上來看說大于唱。古典聲樂演唱人員關注的是發出聲音的穿透力，表演中強調的是專業的技術，在音樂劇中對此種表演風格已經摒棄了唱的概念，歌唱演員使用的多是自然演唱方式。音樂劇在表演方式上關注的是戲劇性，選擇使用的舞臺元素均是為戲劇的發展服務的，演員演唱方式與劇情的發展相互關聯，不斷變化舞臺元素快速推進著戲劇的發展，演員的表演風格與演戲相類似，在“說”和“唱”之間不斷切換，角色的變化在音樂劇中的作用更甚于演唱部分，這也能側面上說明兩種不同的唱法之間的差異性。

傳統聲樂唱法中均以混聲作為主體，演唱人員更加關注的是頭聲的發音情況，與之相對應的是音樂劇演唱方法，其也屬于混聲的唱法，但是對胸腔的運用會更多。現階段，音樂劇的表演均是以人聲為主，這種音樂的演唱方法被定義為Belt唱法，屬于百老匯中的經典演唱方法。然而，古典音樂表演人員對這種唱法持有不同的意見，其認為使用Belt唱法使用的真實人聲太多，人聲過多會造成觀看人員的感受受到影響。這也引起了更多的音樂研究人員對Belt唱法的研究，不同的學術意見也經常發表。傳統聲樂唱法中對聲部的劃分較為明確，高、中、低三個聲部的男女聲均有嚴格要求。作曲家創作過程中，也需要嚴格按照演唱人員的聲部情況開展創作，演員在日常表演時，不同聲部的人員要選擇出合適自己的曲目。例如，女高音不會選擇一首中音或者低音的曲目展開練習，因為發音水平之間的差異會導致演員的表演受到影響。音樂劇的演唱中并未對聲部進行詳細的劃分，表演風格多樣性促使了演唱人員要接觸不同類型的音樂曲目，每個表演人員能適應不同聲部的要求，在日常表演訓練過程中彌補自己的不足之處。

四、結束語

傳統聲樂唱法在歷史的發展中，所處的位置已經發生變化，但其在音樂劇發展史上的作用是其他唱法無可比擬的。傳統聲樂唱法中的科學性和嚴謹性，需要音樂劇演唱者學習，掌握傳統聲樂唱法中的關鍵內容，音樂劇演唱人員在此基礎上，不斷地完善個人的表演技能，創作出具有新時代氣息的音樂劇表演風格。

參考文獻：

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[3]嚴婕妤.淺析流行唱法與美聲唱法在音樂劇中的區別與融合[J].明日風尚：下旬，2021（06）：23-25.

[4]王璀璇.音樂劇舞臺表演中聲樂與舞蹈的融合研究[J].東京文學，2021（06）：126-127.

[5]趙媛媛.流行聲樂演唱技巧在音樂劇作品中的運用[J].大眾文藝，2021（06）：88-89.