

寫生一詞最早出于北宋沈括撰寫的《夢溪筆談》:“諸黃畫花,妙哉賦色用筆極新細,殆不見墨跡,但以青色染成,謂之寫生……”。說起寫生,人們對其普遍的理解是對景描繪,主要的作用是收集素材。元代黃公望在《寫山水訣》中記載:“皮袋中置描筆在內,或于好景處,見樹有怪異,便當模寫記之,分外有發生之意。”可見古人也是將寫生作為一項非常重要的素材積累工作。而一提到創作,在很多朋友的心中首先想到的便是大尺幅的美術作品,要么是2×2.4米的畫展尺寸,要么是丈二甚至丈六的巨幅作品。仿佛只有大尺幅的作品才能被稱之為創作。對于寫生與創作之間的關系,人們普遍的理解是前期籌備與后期加工之間的關系。然而,絕非如此,我認為寫生即是創作,或者說,寫生本身就是創作的一種形式。
寫生的兩大作用
寫生絕不等于寫實。我的理解寫生就是書寫生命,我們要抱著對創作的激情與初衷去進行寫生。寫生有兩大作用:一是積攢素材和經驗,二是將鮮活的自然感受轉換為筆墨。因此,寫生最不重要的一項要求就是形似,黃賓虹先生曾說:“至若寫生,但求形似,畢竭工力,而我之精神性靈皆凝滯于物,直與髹工何異?” 當我們身處自然界之中時,身體的感受是全方位的,除了視覺之外,還有聽覺、嗅覺、觸覺甚至味覺。這些感覺會對我們產生綜合性的情感影響,也就是寫生中常說的現場感。此時寫生要充分關照到這些感受,要使自己更加感性的去體味這個世界,要更加主觀的去分析眼前的一切物象。因此,寫生只是眾多素材收集手段中的一種,而廣義上的素材也并非只包含寫生稿和照片。
寫生的步驟是創作的過程
寫生不是照葫蘆畫瓢,我認為寫生有三個階段:
第一個階段是觀察和分析,此時甚至不需要動筆。首先,要用心觀察,也就是感受環境。要找到可以打動自己的地方并進行分析,因為我們眼前的各種物象太繁雜了,可以被升華為筆墨的元素非常多,是不可能全部記錄下來的。我們要在其中分離出最能打動自己的東西:一棵樹、一座老屋、一口老井、早晨的寒風、山頭升騰起的晨霧……其次,再找出需要保留的與值得保留的次要元素,那么甄別其是否值得保留的標準是什么呢?一是看它是否可以起到烘托主體的作用,二是看它是否可以起到融合畫面的作用,三是看它是否可以成為連接其他畫面元素的介質。最后,要大膽的刪減掉不重要的元素,即使它再漂亮,也要堅定的拋棄。
第二個階段是對景描繪,既然已經找到想畫的元素了,接下來面臨的問題就是如何繪制。我的方法是快速的在自己的大腦中進行草圖的描繪,嘗試用什么樣的筆墨進行穿插搭配。此時,不能讓筆墨跟著眼前的景物走,應該反過來,要讓景物跟著自己的心思走。畫面中所有的筆墨都要圍繞著主體元素生發和變化,此時,切忌“快”,要多思多想少動筆。
第三個階段是占用寫生時間和精力最多的一個階段,我們要拋開眼著的景象,完全進入到創作狀態中。此階段是營造畫面氛圍的關鍵時期,同時,也是在畫面中加入除了視覺感受之外其他所有感受的階段。此時的我們要盡可能的拋開眼前的客觀景象,進入到自己的內心世界,要按照一定的藝術規律對畫面進行升華甚至重構。為了畫面的整體需要,我們甚至可以對其進行破壞,有的局部即便畫的非常精彩,但它影響了畫面的節奏,也要果斷的進行破壞,因為,不破不立。我們可以看到,在寫生的第一個階段,創作思維就已經介入了,唐代李嗣真在《續畫品錄》中記載: “ 顧生思侔造化, 得妙悟于神會。” 可見古人并未將寫生與創作刻意的分割開來,本來就是你中有我,我中有你,相互依存的關系。因此,寫生的步驟就是創作的過程。
藝術源于生活,又高于生活
美術創作是人的審美創造活動,而中國畫的寫生自然屬于美術創作中的一種形式,并有其自身顯著的特點:
首先,中國畫的創作不以尺幅論英雄,畫本不分大小,若胸懷乾坤哪怕方寸紙片亦可目極千里,若一葉障目,哪怕遮天方絮,也難畫盡卵石。而中國畫的寫生更是如此,寫生作品尺幅雖小,但其所包含的感受是天然的、真切的、鮮活的、靈動的……
其次,中國畫的創作帶有極強的主觀性,我一直認為,中國畫是披著藝術外衣的哲學,也就是說,中國畫最重要的一個任務是其內在的表達,是思想的傳遞,是對情感的抒發。黑格爾曾在《美學》一書中說道:“藝術美高于自然美,因為藝術美是由心靈產生而且再生的,心靈及其產品比自然及其想象高多少,藝術美也就比自然美高多少。”
最后,中國畫的創作絕不能脫離現實。中國畫的創作不是無本之木、無源之水,我們絕不能閉門造車。俄文藝理論家尼古拉·加夫里諾維奇·車爾尼雪夫斯基曾說過那句非常著名的話:“藝術源于生活,又高于生活。”之所以說藝術來源于生活,是因為生活中的所有點滴小事或者發生過的事都是藝術素材的提供者和原形,而藝術家通過藝術手段的加工與美術規律的重塑,可以升華生活中的樸素,從而產生更加生動的、耐人尋味的藝術作品。詩人金偉曾說過:“我們所走過的路,都是必經之路”。我認為,“寫生”并不只是走出畫室對景描繪,我們讀過的書、走過的路、吃過的飯、流過的淚……皆在其列。