李斯特音樂會練習曲《嘆息》的藝術特征及演奏技巧分析

摘要：本課題主要研究李斯特《嘆息》的藝術特征和演奏技巧。第一章研究了《嘆息》的藝術特征。第二章從觸鍵、節奏等角度對《嘆息》進行了演奏技巧分析。通過研究這部作品的藝術特征和演奏技巧，能更好地幫助我們演奏這首作品。同時對李斯特的音樂風格以及浪漫主義時期的音樂有更深的理解。

關鍵詞：《嘆息》 藝術特征 "演奏技巧

一、《嘆息》的藝術特征

（一） 音樂中的情感表現與交響性

《嘆息》這首作品不但保留了李斯特作品中常見的炫技特點，而且更加投入對情感的表達。這首作品開頭一連串的分解琶音，左右手交替演奏出如歌般的主旋律，像落日余暉下輕柔的海浪，從天邊緩緩而來，爬向岸邊的礁石又溫柔地退回去，令人產生無限的遐想。中間段落出現的補充部分和連接部分，像浪花翻涌著席來，一浪高過一浪，隨著力度的加強和速度的增快，并且隨著調性與和聲色彩的轉移及音區的變換，音樂的情緒也隨之起伏變化，層層推進。而尾聲又回到了開頭一樣輕柔的海浪，整首作品的情感都十分符合《嘆息》這個標題，樂曲在調性以及和聲力度等方面的變化也和人的內心情緒相對應，作品情感細膩豐富。對于這種情感內省的作品，演奏時要有畫面感。例如開頭一連串的分解琶音，如同海浪輕柔地拍打著礁石；中間的三六度雙音，如同狂風卷著海浪翻涌著朝岸邊撲來；結尾歌唱性的部分，如同大浪過后，海面重歸平靜。李斯特繼承了貝多芬等人的音樂風格，首創了“交響詩”這一體裁，在他的作品中，常常能見到左右手同時彈奏多聲部伴奏，而旋律會在高、中、低音區交替出現，甚至將一段旋律的音拆成左右手交替演奏。這種寫作手法將鋼琴作品的織體運用提升了一個新的高度，使得音響效果更加具有層次性，也令他的鋼琴作品中富含交響性。在《嘆息》這首作品中，作曲家就用鋼琴模仿了長笛、大提琴、圓號等樂器。通過對多種樂器的模仿，使得整首作品的形象更加立體。

（二） 結構曲式的自由性

李斯特在《嘆息》中運用了“主題變形”手法，同民間音樂的“加花”類似，通過改變音區、調性等方式將主題加以變形，使全曲既對稱又統一。樂曲的展開是由不斷聲部變化的主旋律和雙手琶音的伴奏聲部共同完成的，曲子旋律優美且富于裝飾性。從曲式上看，《嘆息》這首作品是單三部曲式，從音區來看，李斯特將低音區和高音區完美結合，當高音區的旋律漂浮在上方時，低音區的音符給旋律提供了一個穩定的支撐，同時，從聽感上更吸引聽眾。從調性上來看，全曲從降D大調轉到A大調又轉到E大調，最后回歸降D大調，通過調性的不斷改變，體現了情緒的層次感。從和弦上看，運用了大幅跳躍的和弦，使音樂情感表現更富于沖擊力和震撼力。在音樂中，許多聲部相互交織，它們使自己優美的旋律達到輝煌效果的同時，其伴奏織體上又有許多變化，并且在踏板的輔助下，將八度的低音與中音區豐富的和聲相結合，使整首曲子的旋律流暢動聽，自始至終的分解琶音猶如波瀾起伏的浪濤，充滿了詩情畫意的美感。

二、《嘆息》的演奏技巧

（一） 觸鍵

在一首大型作品中，為了表現不同的音色，烘托一定的意境，往往會采用多種觸鍵方式，以達到預期的音響效果。在這首作品中，主要有三種觸鍵方式。

1．琶音伴奏時的觸鍵

整首曲子大部分都是分解琶音，分解琶音相對于柱式和弦，本身的流動性更強。以開頭的引子部分為例，Allegro affettuoso意為快板，深情地。Legatissimo則是最連音，而poco agitato則是逐漸地加重音。由于琶音音符是一模一樣的，這就要求在演奏的時候有力度上的變化，聽眾才不會覺得枯燥乏味。因此，在演奏的時候，應當用手臂帶著手腕運動，指腹觸鍵，不動聲色地用指腹往下觸鍵，把音推出來。在練習的時候可以用橡皮泥代替面團，體會用指腹揉面團的感覺。同時，為了清楚地讓聽眾區分，演奏的時候還可以把每一組的第一個低音稍微加重一些，以避免聽眾的審美疲勞。值得注意的是每一組琶音的最高音la，4個la在彈奏的時候應該跟隨力度記號逐漸增強再減弱，以此達到律動感。

到了第三小節，主旋律開始出現。通過對主旋律的哼唱可以看出它是極度富有歌唱性的，正如標記的表情術語cantando（如歌的）。而通過觀察，還可以發現下方的伴奏聲部和引子部分的音是一樣的，因此下方的伴奏聲部在演奏的時候可以參考引子部分，用指腹觸鍵，手腕帶動，同時給每組的第一個音加重。而對于主旋律，參照標注的表情記號dolce con grasia（柔和的、優雅的），可以用大臂控制肌肉，指尖緩慢的下鍵，然后立馬轉回指腹，回到伴奏聲部。從力度記號看，主旋律由弱到強又回到弱，因此演奏的時候也要控制好力度，不能突強或是突弱，而應該讓旋律圓潤，連綿不斷。

從第9小節到第12小節，是另一段在高音區的主旋律，伴奏聲部和前面相比有了明顯區別。我們必須注意到每個音組的第一個低音，連起來也是一段旋律，和主旋律對應，因此在演奏的時候要注意突出伴奏聲部每個音組的第一個音。這里的主旋律集中在高音區，旋律起伏更大，從力度記號上看，由強到弱再漸強到最后漸弱漸慢，因此在演奏時，9、10兩小節，可以用指尖觸鍵，到了11小節的第四拍改用指腹觸鍵，整體力度也回到開頭時的力度，為下一個變成八度的主旋律做準備。

從第13小節到第21小節，可以理解成上一個部分的升華，伴奏部分依然是分解琶音，而主旋律從單音變成了八度。相比上一個樂段，該樂段情緒更加飽滿，尤其是到了第19小節開始，情緒直接往上推進。從這里開始，力度記號變成了漸強，表情術語也從13小節的sempre dolce grazioso（始終柔和的弱音進行）變成了appassionato（熱情的），到第21小節的第三拍，十六分音符的八度的出現，將情緒推到第一個小高潮。因此在演奏的時候，伴奏聲部依然是指腹觸鍵，而主旋律可以繃緊指尖快速下落，同時肩膀發力，不斷漸強。

同樣的分解琶音做伴奏聲部的還有40～48小節，以及結尾部分65～75小節。在演奏這兩部分的時候，音組的第一個音需要突出.還要注意，盡管表情記號上寫著languendo（無精打采的，憔悴的），但是在彈奏右手的分解和弦時，必須堅定地突出五指所彈的音。在力度方面，40～48小節是由弱到強的，并且不斷加強沒有減弱的標記，因此在演奏時就不能自已主觀臆斷的減弱。而在結尾部分，盡管也是由弱到強，但從72小節開始到75小節，有一個poco a poco rallentando（逐漸漸慢減弱），演奏時需要特別注意。

2．雙音疊置時的觸鍵

整首作品出現了一次大面積的三度雙音跑動，第30小節到第37小節。這部分在彈奏的時候很容易出現下鍵不齊的情況。針對這個情況，在練習的時候可以以三個音為一組，慢速開始練，也可以將雙音當成三個音中的重音練習。關于觸鍵，由于該部分是全曲的高潮，演奏時手指的跑動要清晰有力，我們必須用手腕帶動指尖快速觸鍵，這個時候的手腕應該像拍皮球一樣能將指尖快速反彈，同時大臂向右側張開，帶動手腕快速移動，這樣才能演奏出理想的聲音。同時這一部分力度記號是ff，還有marcato（加強的），在演奏的時候應該肩膀用力將力量下壓到琴鍵上。同時還需要注意在第34小節到37小節，左手和弦的最上面一個音，將它們連起來就是主弦律，因此在演奏的時候，可以通過手腕的快速移動，用左手大拇指的側指腹觸鍵，這樣發出的就是既有力度又不會太突兀的重音。

3．雙手音階跑動時的觸鍵

全曲中一共出現了兩次雙手音階的跑動。音階的快速跑動本身就有一定難度，它要求我們做到顆粒感清晰，音值平均，且不拖泥帶水，這就對指法和觸鍵有一定要求。這一部分的右手跑動，相比左手要簡單一些。這里的右手給了兩種指法的選擇，因人而異，分開練習右手的時候只要注意四指和三指不要搶拍，練習的時候可以用節拍器加以輔助。而左手相對較難，彈奏時音值要平均，否則會混亂。在選擇指法的時候，如果選擇14的指法，可能會出現不能及時轉指的問題。針對這個問題，首先應當將左手彈順，轉指的時候可以提前準備，人也要一直跟著手腕的運動而將自己的重心不斷向右移動。在分手彈順后，以慢速合手，注意指尖落下的反饋不能太大，避免出現卡頓的聲音。由于一些手指的獨立性較差，在彈奏的時候會出現一些音特別突出的情況，可以通過不斷地練習高抬指來改善。在38小節出現的半音階跑動，練習的時候可以作為一個小組，注意顆粒感，以及譜面上標注的重音記號。

4．結尾的觸鍵

在76～77小節，可以看到它的表情術語quasi arpa（幾乎接近豎琴），因此在演奏的時候我們應當模仿豎琴將力量集中在指尖，運用手指小關節，向掌心方向運動，模擬勾豎琴弦。而在79～83小節以和弦結尾，這里的和弦模擬了人的嘆息，因此它應該是有深度的。演奏的時候應當將身體重心下移，從肩膀發力，下鍵的時候可以跟著人的呼吸，同時要注意音的集中，這就要求身體不能完全松懈，依然要保持緊張的狀態，這樣才能彈出有深度的音。

在演奏大型鋼琴作品時，多種觸鍵方式的有機結合，才能營造氣勢恢宏且充滿共鳴的音響效果。

（二）節奏

節奏是周期性的規律延續，與節拍速度緊密結合，影響了音樂的性格。演繹這首《嘆息》，需要把握住節奏的處理。

1．三連音六連音的連接

整首作品的節奏相對而言比較規整，以十六分音符的琶音為主，但是在演奏的時候仍然有需要注意的節奏和節奏型。第一個是出現在27～29小節的三連音和六連音，無論是幾連音，都要求每個部分的節奏速度聽起來差不多。根據表情術語和力度記號，這一部分是力度強的，熱情洋溢的，在三連音的部分很容易把最后一個八度和第一拍的裝飾音連起來，造成節奏的不平均，而六連音的部分由于是下行八度，因此在演奏的時候應當有力的沖下來，而在這里很容易會變成前面兩個八度延長時值，隨即突然變快下行。顯然譜例上并沒有突快的記號，因此針對這個問題，練習的時候首先應該把三連音和六連音的部分單獨拎出來，跟著節拍器彈穩后，結合左手，左手的節奏固定不變，因此可以很好地為右手提供一個穩定節拍的作用。

2．休止節奏的處理

演奏的時候需要注意，盡管30～37小節大部分都休止了一個八分音符，但是在35小節的第三拍和37小節的第一拍，休止了一個十六分音符。由于時值的不同，在演奏的時候也必須區分開來。當休止了一個八分音符時，可以把右手的三連音當成半拍，聽眾聽起來就會有一個比較明顯的空拍。休止了十六分音符時，可以當成四個十六分音符，在演奏的時候休止完后立馬接上，在聽眾的角度，這個空拍應該是比較小的，幾乎聽不出來。練習的時候也可以通過錄音判斷自己是不是準確按照節奏來演奏。

（三） 交響性

在《嘆息》這首作品中，李斯特用鋼琴模仿了多種樂器的音色，整首作品具有一定的交響性。開頭兩小節用琶音模擬了豎琴的聲音，進入第三小節，上方聲部的主旋律標注了跳音記號，但仍用連線連接了起來，模仿了長笛的音色，結合下方琶音聲部模擬的豎琴的音色，使旋律優美動聽。13小節開始上方聲部的主旋律從單音變成了八度，八度中較高的音像低音的回聲，模仿顫音琴的音色。從30小節開始的部分，是全曲的小高潮，在這里左手的八度部分音區較低，共鳴感強烈，結合力度記號ff，模仿了圓號的聲音。到了作品的尾聲，作曲家將大提琴和豎琴結合起來，先用豎琴撥弦時柔和的音色回歸主題，再用低音區的和弦模擬大提琴低沉的聲音，給人一種沉重感，回歸了《嘆息》這個主題。

通過上述分析，我們不難發現，李斯特將交響樂團中音色最動人的樂器結合起來，如弦樂組的大提琴，銅管組的圓號，木管組的長笛，以其色彩樂器中的豎琴，通過模仿它們的音色，形成了獨特的音響效果，使作品充滿了音樂的共鳴。

結語

縱觀李斯特的創作生涯，風格極其多變，在鋼琴音樂的寫作上大膽地運用了極其夸張的織體，豐富了鋼琴織體的表現性。李斯特的音樂思想較為先鋒，為后世作曲家們的創作提供了思路。《嘆息》是李斯特在魏瑪時創作的重要作品。相比早年的炫技，《嘆息》更注重內心的情感表達。在《嘆息》這首作品中，體現了李斯特作品中的交響性元素，作曲家運用大量的分解琶音，左右手交替演奏的主旋律以及對比強烈的力度記號等模擬了各種樂器的音色，表達了內省的情感。

本文結合切身體會，探索與總結出該作品的藝術特征與演奏技巧。演奏的時候需要注意到依據曲式的不同觸鍵的方式也有所不同，同時應當注意特殊節奏的出現，以此使樂曲的聽感更佳。通過對作品的樂譜、演奏技法、實踐感知的研究，更加注重演奏細節。同時，對于此類作品的學習和研究，將拓寬我們的音樂視野，提升對于浪漫主義時期鋼琴作品的理解以及審美水平，豐富音樂素養。

《嘆息》是一部值得研究的作品，由于筆者本科期間對該作品只做了初步的研究，加之該作品的研究文獻有限，本文還有許多不足之處需要改進。希望能通過筆者的理解與分析，為演奏者對該作品的理解提供幫助。

參考文獻：

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