古典音樂在電子音樂創作中的傳承與發展

【摘 要】本文概述了古典音樂在電子音樂發展歷程中的經典傳承與創新發展。古典音樂作為西方音樂傳統的重要組成部分，歷經中世紀至20世紀初的多個時期，體現了不同時代的文化特色。隨著電子音樂的興起，古典音樂面臨著新的挑戰，但也開辟了新的發展維度。電子音樂經歷了從電子樂器啟蒙到數字時代的四個發展階段，而古典音樂元素在電子音樂中得以體現和融合，如電影配樂中古典旋律的引用和編曲手法的借鑒。古典音樂對電子音樂的創作理念產生了深遠影響，如整體藝術觀和主導動機技術的應用。未來，古典音樂將通過網絡傳播和影視游戲配樂等形式繼續影響年輕一代，并與電子音樂融合創新，展現新的發展趨勢。

【關鍵詞】古典音樂 "電子音樂 "音樂創作 "電影配樂

中圖分類號：J605 " 文獻標識碼：A " 文章編號：1008-3359（2024）21-0087-06

古典音樂是指在西方音樂傳統中，從大約公元1000年至20世紀初的音樂作品，它涵蓋了中世紀、文藝復興時期、巴洛克時期、古典時期、浪漫時期直至20世紀初的音樂。這種音樂曾在歐洲文化中作為高雅藝術在上流社會中廣泛傳播，并在工業革命后成為中產階級文化生活的重要組成部分。作為音樂史上的一座豐碑，古典音樂深遠的影響力橫跨數個世紀，至今仍在世界各地的音樂廳和劇院中回響。然而，在當代社會，隨著新型媒體的興起，古典音樂面臨著新的挑戰。電子音樂作為一種新興的、使用電子設備和技術制作的現代音樂，正通過網絡和社交媒體等傳播方式逐漸融入大眾的生活。古典音樂的傳承與發展在電子音樂廣泛傳播的過程中雖然受到了一定的影響，但同時也開辟了新的維度，它在音樂元素和作曲技巧方面與電子音樂相互融合、借鑒，并在新技術的引領下探索著新的發展路徑和傳播方式。

一、古典音樂在電子音樂發展歷程中的重要性

電子音樂自誕生起經歷了四個主要的發展階段：電子樂器的啟蒙階段、“磁帶音樂”的萌芽階段、“電子聲學音樂”的蓬勃發展階段、計算機音樂加入的數字時代。電子音樂的四個發展階段都依托于科技進步、技術創新，但同時也都以古典音樂為基礎，與傳統古典音樂創作和發展緊密相連，密不可分。

（一）電子樂器的啟蒙階段

早在20世紀初，利用電子振蕩器產生聲音的電子樂器如特雷門琴和特拉烏特就已出現。盡管約瑟夫·席林格創作的《特雷門與管弦樂團第一組曲》僅將特雷門琴加入古典音樂的創作范疇，而未融入特定的電子音樂制作技術，但該作品仍被視為電子音樂創作的啟蒙，為后續電子音樂的發展奠定了基礎。這一歷史性的結合不僅展示了電子樂器與管弦樂隊的協同潛力，而且為電子音樂的進一步探索和創新鋪平了道路。

（二）磁帶音樂的萌芽階段

20世紀20年代，美國工程師馬文·卡姆拉斯和德國工程師弗里茨·波弗勞姆等人對開盤式磁帶錄音技術進行了早期研究。該技術被應用于第二次世界大戰的軍事通信和情報收集領域。戰后，隨著技術的民用化，開盤式磁帶錄音機逐漸成為專業音頻錄制的標配設備。這一轉變促進了以磁帶音樂為代表的“具體音樂”的發展。作曲家們利用磁帶錄制自然界或現代生活中的具體聲響，并通過剪輯、拼貼、變形等手法對所獲得的聲音素材進行處理，創作出與傳統古典音樂迥異的實驗性音樂作品，從而掀起了電子音樂發展的第一波浪潮。盡管磁帶音樂在聲音效果上與傳統的古典音樂大相徑庭，但它使用的剪輯技術不是憑空出現的全新技術，而是參考了傳統古典音樂形成的改良式創作手法。

（三）電子聲學音樂的蓬勃發展階段

到了20世紀60年代，隨著摩爾定律的提出，電子音樂步入了一個蓬勃發展的新階段。在這一時期，電子設備的性能在相同成本下得到了顯著提升，這使得合成器和效果器的應用范圍得以擴大。越來越多的作曲家得以接觸并使用便捷且高效的電子音樂技術。與磁帶音樂中使用的真實生活中的具體聲音素材不同，電子設備產生的電子音樂是由技術手段直接合成的抽象聲音，這種創新突破了傳統音樂的創作形式，再次引發了電子音樂發展的浪潮。

（四）計算機音樂加入的數字時代

到了20世紀80年代，隨著數字技術的革命，計算機被廣泛應用于電子音樂制作中，標志著電子音樂正式進入了數字時代。除了利用計算機直接合成聲音創作音樂作品外，通過計算機編程進行的實時現場即興創作也成為電子音樂制作的一個主流方向。特別是在21世紀，隨著各類新興技術的發展，電子音樂也在不斷尋求與不同領域的融合與創新，并以全新的形式與傳統的古典音樂相結合，且無論是在創作方向還是在創作風格上，都呈現出多元化的發展態勢，如現場收錄古典樂器的演奏，并利用計算機進行現場即興創作。

二、古典音樂在電子音樂中的傳承

（一）古典音樂的歷史背景與文化底蘊

古典音樂的歷史發展脈絡可以追溯到中世紀，在經歷了中世紀時期、文藝復興時期、巴洛克時期、古典主義時期、浪漫主義時期和現當代時期后，逐漸從宗教音樂演變成世俗音樂，從教堂與宮廷一步步走進大眾生活，并從圣詠發展成為體裁多樣的音樂形式。在整個發展歷程中，西方古典音樂一直都代表著歐洲當時的主流思想和文化內涵，可謂是西方文化發展的縮影。無論是巴洛克時期充滿活力、強調戲劇性對比和浮夸裝飾的宏偉壯觀風格，還是古典主義時期崇尚理性的啟蒙運動風潮，抑或浪漫主義時期注重個人的情感和想象、追求自由和個性表達的特點，古典音樂都像水入容器一般，融入并體現了時代的特點和風采，為后人留下了無數優秀的作品。

古典音樂不僅能一窺西方文化時代變遷的過程，還能在傳入新的地域時和當地文化已有音樂形式融合，體現該地域獨特的音樂風格。譬如，意大利音樂如熱情開朗的意大利人一樣有著華麗而富有技巧的旋律；法國音樂如浪漫的法國人一樣充滿了細膩而高雅的情感；德國音樂則如嚴謹的德國人一樣擁有深刻內斂的思想。而當西方古典音樂傳入我國后，就與中國傳統音樂緊密結合，形成了具有中華民族特色的古典音樂形式。

（二）古典音樂元素在電子音樂中的體現

古典音樂旋律在電子音樂中，尤其是在影視作品的配樂中，頻繁出現。在無聲電影時代，現場樂隊需在影片放映時進行現場配樂，而巴赫的音樂因樂手對其作品的熟悉度較高以及所需樂隊編制較小，易于現場演奏，因此在無聲電影配樂市場中占據了顯著的份額。據記載，在1916—1920年間，巴赫的名字在電影配樂中出現了超過200次。這一數字可能存在一定程度的高估，因為巴赫家族中涌現出多位作曲家，而統計者可能僅以“巴赫”而非“J.S.巴赫”的全名作為檢索關鍵詞。但即便如此，該數據依然反映出巴赫音樂在無聲電影現場配樂中的高頻出現。隨著有聲電影的誕生，電影的配樂形式由現場演奏逐步發展為數字化創編、剪輯。除了延續無聲電影中的傳統，直接剪輯引用古典音樂旋律，也通過數字合成等手段增添音效，進一步渲染電影畫面所需的氣氛。

古典樂器在電子音樂中的采樣與運用也是古典音樂元素在電子音樂中的一種體現。在電子音樂作品中，作曲家通常會對古典音樂進行采樣，即從小提琴等樂器的原始聲音中截取聲音片段，然后通過技術軟件對這些片段進行編輯、處理，再與其他電子音樂元素相結合，創造出獨特的音樂效果。這樣的融合方式不僅保留了傳統樂器的音色特點，還賦予它們新的生命力和表現力。除了直接使用采樣所得的古典音樂元素制作電子音樂作品外，音樂家也利用這些元素，輔以各種電子音樂設備實時創造聲音效果，進行一些富于活力和創新的即興創作。這種獨特且超乎預期的即興創造，需要音樂家對古典音樂元素和現代電子音樂制作技術有足夠的了解，將傳統樂器的音響效果與現代元素有機融合，達到古典與現代音樂實時對話的效果。

（三）古典音樂與電子音樂的融合方式

在巴洛克時期，巴赫等作曲家已經將“借用”的旋律融入他們的音樂創作中，這一做法主要用于教會的合唱作品。這些被頻繁“借用”的旋律主要來源于代代流傳的贊美詩和膾炙人口的宗教音樂旋律，它們被稱為“定旋律”。作曲家在定旋律的基礎上進行加花改編，并增加其他聲部，使其成為多聲部的全新作品。這一傳統深刻影響了后世的作曲家，即使在世俗音樂作品中，他們也會基于“借用”旋律進行改編與創新，從而創作出全新的作品。一些引用再創的作品甚至在知名度上超越了被借用的旋律，如貝多芬于1808年創作完成的《c小調第五交響曲》中著名的“命運”主題，被認為是從穆齊奧·克萊門蒂1801年就已出版的《g小調鋼琴奏鳴曲》第一樂章中“借用”的。

克萊門蒂奏鳴曲的開篇為五度下降的音型搭配了“短－短－短－長”節奏型（見譜例1）。這個主題在整個第一樂章反復出現，簡潔明了也極具辨識度。在貝多芬的交響曲中，“短－短－短－長”的節奏型雖然整體加速了，且由五度下降變為了三度下降，但辨識度依舊不減（見譜例2）。事實上，很多同一時期的作曲家都借用了“短－短－短－長”的主題，但唯有貝多芬的交響曲取得了巨大的成功。這個被冠以“叩開命運大門”稱號的主題，在古往今來的廣大聽眾中扎根，以至于很少有人考究過該主題的原創性。

譜例1：穆齊奧·克萊門蒂《g小調鋼琴奏鳴曲》第一樂章第1～3小節

譜例2：貝多芬《c小調第五交響曲》第一樂章第1～7小節

從浪漫時期開始，許多作曲家開始整段“引用”他人作品，以達到自己作品想表達的意圖。在鋼琴曲《干燥的胚胎》中，埃里克·薩蒂在這部套曲的第二首《關于無柄眼甲殼動物》里引用了肖邦的旋律，并故意將其標記為舒伯特的馬祖卡，以增加趣味性（見譜例3）。

譜例3：埃里克·薩蒂《干燥的胚胎》第二首《關于無柄眼甲殼動物》片段

現代作曲家在電子音樂創作中也常常以類似的方式處理古典旋律：將原始樂段中的思想提取、再加工、傳遞到新的音樂作品中。例如，鐵斯托的作品《弦樂柔板》以一個非常動感、具有驅動性的電音節奏作為開場，并在兩分鐘之后，才第一次加入了借用的塞繆爾·巴伯古典音樂作品《弦樂柔板》。借用的弦樂旋律與原本的電音節奏形成了鮮明的對比，并且鐵斯托增用了弦樂合成器，打破了借用旋律片段本身的柔美、悠長感，從而對該片段進行了二次創作，使其更符合全曲電子舞曲的動感電音特點。鐵斯托的整體編曲思路與古典音樂前輩們的創作思路極為相像：借用的短片段經過改編使用后，有了脫離原出處符合曲目本身個性的特點。由此，古典音樂與電子音樂成功地融合進同一個作品，并獲得了屬于自己的獨特音樂魅力。

三、古典音樂在電子音樂中的發展

（一）古典音樂的創作理念對電子音樂的影響

古典音樂的創作理念對現代電子音樂的影響深遠而顯著。以19世紀浪漫主義音樂代表人物理查德·瓦格納提出的“整體藝術”為例，這一音樂創作理念強調所創作出的音樂與詩歌、舞蹈和視覺藝術的融合，追求藝術形式的全面統一。在現代電子音樂領域，尤其是影視音樂和游戲音樂中，瓦格納的“整體藝術”音樂創作理念得到了新的詮釋和應用。電子音樂創作者通過融合多種音樂元素、聲音設計和視覺藝術，創造出沉浸式的聽覺體驗，使聽眾能夠感受到音樂與視覺的和諧統一。這種跨媒介的藝術融合不僅豐富了電子音樂的表現力，也使得音樂作品能夠更好地服務于敘事和情感表達，從而在現代音樂創作中發揮至關重要的作用。

在瓦格納提出的“整體藝術”中，主導動機是一個核心概念，它不僅是音樂表達劇情的重要手段，也是瓦格納樂劇理論實踐中首次系統闡述和深入探索的元素。通過這一精妙的手法，瓦格納能夠為每個角色以及復雜的情節分別創造出獨特的音樂主題。例如，在《尼伯龍根的指環》中，瓦格納使用了上百個動機，從景、物、人、情等方面為觀眾再現了古老的北歐神話和日耳曼英雄傳說的故事。瓦格納的“整體藝術”理念和主導動機概念極大地影響了同時代及后世的古典音樂家，如弗朗茨·李斯特、貝德里赫·斯美塔那、理查·施特勞斯等。他們也都使用古典音樂描繪了個性鮮明的人物形象，又以各式的改編豐富了人物和與之相關的故事情節，各自完成了傳世的經典作品。

而在當今影視、游戲音樂中，這種主導動機技術同樣得到了廣泛應用。例如，游戲音樂創作者們巧妙地借鑒了瓦格納的這一手法，為游戲中的各類角色、充滿魅力的地點或是具有重大意義的特定事件精心創造出極具識別性的音樂符號。當玩家在游戲世界中與不同的角色相遇時，該角色對應的音樂主題便會響起，從而在聽覺上讓玩家角色特點有更深刻的認知；當玩家踏入某個特定的地點，與之對應的音樂旋律就會營造出獨屬于該地點的氛圍，使玩家仿佛身臨其境。當玩家進入緊張的戰斗場景時，激昂的音樂隨之響起，增強了戰斗的緊張感和刺激感；而當玩家來到寧靜的鄉村場景時，舒緩的音樂則營造出一種祥和的氛圍。同時，這些與角色對應的音樂主題也不是一成不變的，隨著游戲的進行、故事的發展、角色的成長，音樂主題也隨之發展并產生節奏、旋律、和聲和音色的變化，與游戲中的劇情轉折、角色情感變化相呼應，增強玩家的情感體驗，使玩家更加深入地沉浸在游戲世界中。這種音樂與劇情的高度融合，是瓦格納“整體藝術”觀中音樂與戲劇緊密結合的體現。

（二）電子音樂創作中古典音樂的創新運用

通過現代技術，電子音樂將對古典音樂進行重新編排與創作。通過融合現代音樂元素，古典音樂得以以新的面貌展現在新時代年輕人面前。常見的重編方式是將著名的古典音樂作品的片段進行循環播放，并在此基礎上配以原曲中并未出現的相關片段或者以不同樂器形式演奏的原片段。該重編方式保留了原作品的大致風格，只是在細節上增加了現代風格。例如，樸柱賢再編的肖斯塔科維奇《第二圓舞曲》的混音，就是在原始圓舞曲音樂的基礎上疊加了如刮擦聲等音效處理，以及加入了合成貝斯和打擊樂器的伴奏。

也有作曲家按照自己的創作意圖，大刀闊斧地截取古典音樂經典作品并重新進行整合，創作出與原曲風格大相徑庭的全新作品。皮埃爾·亨利的作品《貝多芬的第十交響曲》就是從貝多芬九首交響曲中截取不同片段，并安排豐富的“噪音”演奏打斷這些片段的演奏。整部作品聽起來就像是在收聽收音機里播放的貝多芬音樂頻道，但信號不穩定，其頻道在貝多芬頻道和其他頻道之間不斷地隨機切換。與其他試圖遵循貝多芬的作曲風格和留存手稿來仿寫貝多芬作品的作曲家相比，皮埃爾·亨利以自己獨特的方式與貝多芬進行超越流派和時間的對話。再混音技術通過剪輯音軌直接引用，更大程度地保留了樂段中的原始風味，并有許多的資源可供選擇使用，這包括自中世紀以來的所有古典音樂，以及各個樂團提供的不同版本。

除了對經典的古典音樂作品進行改編再創作外，電子音樂，尤其是電影配樂，為一些原本不具有情感色彩的古典音樂作品賦予了新的情感聯系，從而為古典音樂的傳播開辟了新的途徑。在電影音樂中，最易識別且最被廣泛應用的古典音樂旋律，可能是約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《d小調托卡塔與賦格》。

巴赫的《d小調托卡塔與賦格》原本是一首情感豐富、技藝精湛的管風琴曲目，旨在展示演奏者卓越的演奏技巧及管風琴音色的變化能力。然而，自1931年魯本·馬莫里安執導的電影《化身博士》起，該作品開始與黑暗、邪惡和罪惡等概念相聯系。在《化身博士》中，巴赫的托卡塔與賦格被用作主角亨利·杰基爾博士變身為邪惡的愛德華·海德先生的關鍵場景配樂。這一令人印象深刻的片段使得原本不具任何情感傾向的托卡塔與賦格被賦予了邪惡的象征，并持續了近一個世紀。繼馬莫里安的成功之后，環球影業的另外兩部恐怖電影——劉易斯·蘭德斯的《烏鴉》和埃德加·烏爾默的《黑貓》——也將這首曲子納入了它們的原聲帶中。這些電影通過使用托卡塔與賦格為影片中的恐怖片段營造氛圍。同時，他們也使用剪輯手段重復片段、增添如雷聲等音效，擴大管風琴音樂的神秘感和空間感。在這三部電影之后，越來越多的導演傾向于使用這首托卡塔與賦格來展現恐怖場景，它甚至成為電影中恐怖場景的標志性音樂。正因如此，即使觀眾對巴赫的作品一無所知，也不熟悉管風琴這一樂器，他們依然能夠深刻記住這段象征著恐怖的管風琴旋律。

（三）電子音樂傳播中古典音樂演奏的未來發展趨勢

在未來的電子音樂傳播領域，古典音樂演奏的發展呈現出新的趨勢和特征。首先，古典音樂的傳播不再局限于傳統的劇院演出形式，而是越來越多地通過網絡平臺、游戲和影視配樂等更貼近年輕人生活的媒介進行。這種轉變使得古典音樂能夠以更加現代和易于接受的方式影響新一代聽眾。

在具體的電子音樂制作中，使用新技術對古典音樂片段的重新編排和數字化演繹已經成為一種趨勢。例如，任天堂紅白機時代的一些視頻游戲就已經開始使用編碼版本的巴赫《d小調托卡塔與賦格》作為背景音樂。雖然由于早期芯片規格的限制，芯片的存儲空間有限，但通過借用一些從古典器樂演奏中發展出來的創作手法，任天堂公司依然在硬件存儲資源受限的情況下，能夠產生豐富多變的音樂效果。任天堂使用的聲音芯片，共有五個可獨立控制的聲音通道，每個通道可用于產生不同的聲音或音樂元素，從聲音波形、處理控制，到音量大小等，都可以獨立控制和調整。通過編寫特定的代碼，調用并編配五個通道的聲音，在有限的硬件存儲資源條件下，音樂芯片仍能像真實樂器一樣產生有趣和多變的聲音，可以搭配出復雜的旋律與和聲，產生豐富的音樂紋理。例如，在這五個聲音通道中，第三通道是用于低音的，主要產生三角形波形，且因為它的音高選項比其他通道少，其主要功能類似于管風琴的腳踏板：由于足部的移動速度本身就較慢且音域較低，為使聽眾聽清就需要更慢的切換速度。管風琴的腳踏鍵盤通常用以演奏一些緩慢的旋律或負責和聲變化。在這樣的通道設置下，各個通道的功能就與巴洛克時期的三重奏樂器一一對應起來了：兩個獨奏的旋律樂器通道，一個低音樂器和一個鍵盤樂器。演奏《d小調托卡塔與賦格》不單單是將音樂素材分軌錄制并儲存，而是如同真實的巴洛克三重奏演奏一樣，通過音樂編配和電腦編程，綜合調動五個通道內聲音的運作，分聲部完成全曲。這種創新的音樂制作方法不僅展現了任天堂在音樂技術上的巧妙應用，也使得巴赫的經典作品在電子游戲領域中煥發新生。

四、結語

在探討古典音樂在電子音樂創作中的傳承與發展的過程時，充分感受到了古典音樂以其深厚的歷史背景和文化底蘊對電子音樂產生的深遠影響。從電子樂器的啟蒙到計算機音樂的數字時代，古典音樂不僅在形式上被傳承，還在精神和創作理念上得到了新的發展。在電子音樂創作中對古典音樂的創新運用，展現了音樂這一藝術形式跨越時代的生命力和創造力。隨著技術的不斷進步，當古典音樂與電子音樂的融合更加深入，作曲家將能創作出更多富有創意和深度的音樂作品，為世界音樂的多樣性和豐富性貢獻新的力量。

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