浪漫主義時期鋼琴音樂的創作風格及演奏特點

王瞳

摘 要：在浪漫主義時期的背景下，音樂藝術呈現出了其獨有的魅力和藝術風格。眾多杰出的藝術家通過他們的藝術手法展現了自由、平等和博愛的精神，這極大地促進了人們思維和個性的解放。他們從強調個性和情感的表達、大量展示技藝的音樂作品、突出民族特色的表現以及標題音樂體裁的出現這四個方面，對浪漫主義時期的鋼琴音樂進行了深入的剖析。這不僅有助于我們更好地理解浪漫主義時期鋼琴音樂演奏的特點和風格，而且在浪漫主義時期，鋼琴演奏技術也得到了顯著的提升。本文從浪漫主義鋼琴藝術的起源出發，深入探討了其獨特之處，并針對鋼琴作品的創作風格以及演奏特點進行研究。

關鍵詞：浪漫主義時期；鋼琴音樂；創作風格；演奏特點

中圖分類號：J624文獻標識碼：A文章編號：2096-0905（2024）07-00-03

一、浪漫主義時期的鋼琴音樂

在18世紀的末期，由于當時的政治氛圍所帶來的深遠影響，歐洲逐漸加強了對個人情感表達的關注。這一時期的浪漫主義音樂以其強烈的個人主義色彩成為一種流行文化，并迅速席卷全球，極大地影響了世界各國人民的精神生活。伴隨著文學和美術領域的持續發展，浪漫主義音樂也逐漸嶄露頭角，誕生了大量具有表達個人情感能力的音樂作品，這些作品可能充滿了激情，也可能帶有某種程度的悲傷和壓抑。相較于古典主義音樂和莫扎特的鋼琴作品所展示的積極、理性、節儉和刻意高雅的特點，浪漫主義時期的鋼琴音樂更傾向于關注個人的情感體驗、自我表達和創作靈感的來源。在音樂創作中，更多的是通過描繪個體的內在感受來深入呈現各種社會事件。因此，在漫長的藝術旅程中，鋼琴作為一種情感傳遞工具，不僅塑造了其獨特的演奏風格，還展示了其無與倫比的藝術魅力和深度。在鋼琴音樂創作的旅程中，作品的風格因受到演奏方法和樂器本身的演奏技巧的共同作用，逐步呈現出更為豐富的多樣性。

首先，浪漫主義時期的音樂特色為鋼琴創作帶來了全新的音樂風格，為音樂注入了豐富的情感深度，并推動了鋼琴表演技巧走向更高的層次。在浪漫主義初期，鋼琴演奏者主要通過按鍵的深度來調控音質，這種針對古鋼琴表演的非連貫性觸鍵手法，更側重于依賴手指的敏捷性來調整。當時，為了輔助鋼琴指法教學，洛吉爾發明了練指機，用于提高手指肌肉的耐力、力量強度，還可以進行手指技能練習[1]。在這個階段，除了強調基礎手指技巧的培訓外，還特別強調了彈奏者應當學會盡可能避免使用手臂來進行表演。

其次，隨著鋼琴樂器本身的進步以及音樂創作的風格和技巧的持續演變，鋼琴的演奏方法也在不斷地創新和更新，它將個人的情感表達得更為夸張，并將豐富的想象力完美地融入音樂創作中。例如，像舒曼和肖邦這樣的浪漫主義鋼琴家，他們用獨特的音樂表達和深沉的情感為我們展現了一個五光十色、色彩斑斕的音樂領域，為我們的聽覺和視覺世界增添了色彩。每位鋼琴家都有其特有的情感傾向，這使得他們在作品中表達的情感都帶有一定的主觀色彩，這也是情感呈現出豐富多樣性的關鍵因素。他們不只是把國家和民族的未來命運融入他們的音樂作品中，還通過音樂來傳達自己的經驗、情感轉變和對國家社會的觀點，從而增強了民族的認同感。

最后，在浪漫主義時期音樂表演中，炫技性的表現已經成為一個非常顯著的特點。在浪漫主義時期，鋼琴的表現變得更為精湛，與其他樂器的匹配度也更高，這使得演奏者不僅僅局限于傳統的演奏方式，更多的演奏者開始探索更高層次的演奏技巧，努力使鋼琴演奏得到更深層次的發展。藝術家如李斯特和帕格尼尼，利用炫技來全新理解浪漫主義音樂。炫技作為新型自我表達手段，可外化內心音樂，從而顯著提高作品的藝術價值。這對于增強音樂的表現力是非常重要的。

與此同時，浪漫主義時期鋼琴樂器的創新也為鋼琴音樂的進一步發展創造了條件。在19世紀初期，鋼琴及其相關的音樂創作受到了廣泛的歡迎，同時，全球的鋼琴生產商也對現代鋼琴技術進行了深化和完善。與傳統鋼琴主要依賴木質支架不同，現代鋼琴更傾向于使用鐵鑄支架，以達到更優秀的張弦性能。除此之外，他們還創新性地引入了復式杠桿機制，琴弦不僅經過了延長處理，還通過交叉排列的形式，成功地將鍵盤的音域拓展至七個半八度。這為鋼琴表演帶來了更為豐富的音效和更強烈的力度對比，滿足了當時演奏者展示技巧的多種需求。通過踏板的優化，音長得到了進一步的延伸，這有助于營造出一種回蕩的音樂氛圍，使得樂曲更加凸顯浪漫主義色彩。

二、浪漫主義時期鋼琴音樂的創作風格

在浪漫主義時期，音樂的核心在于抒發、傳遞、展現以及加強個體的情感。與古典主義音樂不同，他們在旋律創作上不再頻繁使用以動機為中心的方法，而是選擇了更長的線條、強調對比、更加自由和流暢的旋律。這種風格賦予了作品更多的歌唱性和抒情性，使得浪漫主義的多愁善感和優雅流暢的風格取代了古典主義的英雄性音調。為了更深入地傳達情感的深度，浪漫主義時期的鋼琴音樂創作融合了眾多的表達技巧。這些技巧主要在音樂的旋律和種類上得到體現。在這樣的背景下，鋼琴作品更傾向于充滿激情和自由的音樂風格，旋律因此變得更為柔和，音樂的種類也變得更為豐富，音樂的多樣性使得鋼琴音樂達到了一個新的高峰。

（一）以肖邦的《g小調第一敘事曲》為例

肖邦作為19世紀浪漫主義時期最具代表性的作曲家之一，他的音樂作品深刻地展示了歐洲浪漫主義文藝思想對鋼琴音樂產生的深遠影響。其中，《g小調第一敘事曲》被認為是他音樂生涯中的一部重要作品。《g小調第一敘事曲》是在1831年至1835年間誕生的，它的創作靈感主要來自密茨凱維奇的長篇詩作。該作品以長篇詩歌的主題作為靈感和啟示，通過各種情感的轉變來串聯，這在肖邦的鋼琴創作中具有極其重要的意義。

從旋律的特性來看，肖邦在整首樂曲中融入了大量的半音變化和跳躍音程，這使得旋律能夠表現出強烈的情感和沖動，這種激情在整首樂曲中表現得尤為明顯。其創作旋律與當時常見的鋼琴藝術作品之間存在一定的區別，在保留了鋼琴器樂本身旋律特征的基礎上，融合了一定的聲樂特征規律進行創作[2]。在這首樂曲中，三次主部和三次副部被巧妙地結合在一起，而兩部之間的連接部分則是為了保持曲調的連續性。肖邦在作品的展開部分中處理了內容的變化和整個曲目的循環，同時巧妙地融合了奏鳴和變奏的元素。為了更加強調音樂結尾的戲劇效果，在接近結束的部分，他采用了反向結構的曲式來進行，并對這一手法進行了創新，從而形成了其獨有的創作手法。

（二）以李斯特的《匈牙利狂想曲》第11首為例

李斯特作為19世紀浪漫主義時期最具代表性的音樂家，被譽為“鋼琴之王”。他不僅是一位杰出的鋼琴家、作曲家和指揮家，而且他的音樂作品突破了傳統束縛，融入了一種自由和豪邁的風格，至今仍是炫技作品的代表人物。在李斯特的19首《匈牙利狂想曲》中，他表達了深厚的愛國情懷和匈牙利民族音樂的獨特性。自1839年起，李斯特便致力于收集匈牙利的民間音樂作品，這些作品內容豐富，很多都是基于吉卜賽人的民歌和舞曲，經過獨特的藝術處理，并結合鋼琴演奏技巧所創作的。他的19首樂曲演奏各異，深受匈牙利民間音樂的影響，充分體現了他對民族的深厚情感。

李斯特的《匈牙利狂想曲》第11首是舒勒辛格獻給歐爾齊的作品。這首音樂作品的結構相對較為寬松，可以被劃分為四個主要部分：A部分（1—18小節）主要采用慢板形式，大量運用了震音來模仿匈牙利的民族樂器——大揚琴，這種震音區別于平常的那種為了渲染色彩而具有一種緊張氣氛的震音，是一種輕柔的、帶有朦朧色彩的震音，給人一種像是在回憶過去的感覺，溫柔而安謐。作品的開頭就直接呈現出匈牙利音樂中自由、即興的特點[3]。曲式結構為單三部曲式，具有再現的特點，由呈示段、中段和再現段構成，屬于a小調，其速度具有即興性質，相對自由。在B部分（19—43小節）中，行板的情感表達非常鮮明，并融入了新的音樂素材。這一部分大量使用了帶有裝飾音的和弦和附點節奏，同時也融入了大量由雙音組成的倚音、琶音、附點節奏型和切分音。在演奏過程中，需要特別關注重音所在的位置和琶音樂句的流暢性。在C部分（44—127小節）中，快板的節奏明顯比前兩部分更快。由于右手采用了快速而華麗的琶音半音階，而左手則使用了靈活的斷奏技巧，這種組合創造了一個輕松而充滿活力的音樂環境，可以被認為是整首曲子中最為生動的部分。在D部分（128—166小節）中，急板成為整首樂曲的高潮部分。李斯特采用了大量的柱式和弦來營造出熱情和輝煌的氛圍，這與慢板部分有很大的不同，它強烈地表達了李斯特對家鄉的熱愛和懷念。同時，這一部分也展示了李斯特在鋼琴音樂中的炫技性，音域的提升、力度的增強、急板的節奏、大量的厚重和弦，使得樂曲達到了高潮。再加上樂曲結束時的尾音落在主和弦上，使得樂曲在磅礴的氣勢中結束。

三、浪漫主義時期鋼琴音樂的演奏特點

（一）以舒曼的《童年情景》為例

《童年情景》這部作品是在1838年由舒曼創作的，這不僅是他作為成年人對童年回憶和懷念的具體表達，同時也是舒曼在創作技巧和音樂風格方面的綜合體現。這套音樂作品包含了十三首曲目。由于這些套曲在音樂屬性上是相互關聯和對比的，并且在結構上也是各自獨立的，因此在演奏過程中，需要確保內容的一致性。當然，也可以單獨進行演奏，但每一首曲目都與“童年時光”有著深刻的思想聯系。當你演奏這首音樂作品時，應當重視利用手指觸鍵的技巧來增強音色的質感。如其中的《異國和異國的人民》《夢幻曲》《孩子的請求》以及《入睡和詩人的話》等作品。這些樂曲的主旋律主要集中在右手部分，但中間混雜了一些非旋律的過渡音。為了避免在演奏過程中觸鍵過于生硬，當指尖觸碰到琴鍵時，需要使用手腕來調整力度，這樣不僅可以清晰地表達每一個樂句，還能使音色變得更加悅耳。當旋律轉移轉到左手上時，這時低音部分的音樂要演奏得更加深沉，而右手部分的音樂則要處理得抒情一些，同時要留意結尾處的強弱變化。在這套音樂作品中，《捉迷藏》是唯一一首節奏既快速又充滿活力的音樂。整體上，它利用跳音來展現音樂中的小心謹慎，通過各種強度標記和斷奏，生動地展現了孩子們的活潑和可愛。在彈奏時，需要特別注意力度的調整，確保跳音既輕盈又具有顆粒性，同時手臂的動作要小巧，指尖的反應也要敏捷。為了應對較快的演奏速度，更有效的技巧是運用手腕來進行彈跳式演奏，同時在指尖形成一種“勾住”的感覺。這種方法能夠使音符顯得更為靈敏、細膩和富有彈力。

（二）以勃拉姆斯《b小調狂想曲》0p.79 No.1為例

《b小調狂想曲》0p.79 No.1創作于1879年，標志著勃拉姆斯藝術創作的高峰。盡管勃拉姆斯采用“狂想曲”這一富有浪漫主義的鋼琴小品體裁，但仍保持嚴謹的奏鳴曲式A—B—A的曲式結構，使得兩首鋼琴狂想曲既有浪漫主義的情感又有古典主義的形式結構[4]。在音樂表演中，A段的起始部分呈現出一個充滿激情、焦慮且速度稍快的旋律。在彈奏過程中，應確保手掌穩固地支撐，進一步提高了樂句之間的流暢性，逐步豐富了音響的層次，從而實現了深沉而飽滿的音效。這段音色既需要靈活，又要有顆粒的特性。以手掌作為支撐中心，快速用手指敲擊鍵盤，兩指、三指和四指的接觸深度大約是鋼琴鍵盤深度的4/5。通過手臂和手腕的踏板配合，整體音樂旋律既堅定又富有動感。同時，在八度柱式和弦的級進過程中，應將注意力集中在手腕上，確保大拇指與小指的指尖與鋼琴鍵的接觸角度約為45度。在按下琴鍵時，應迅速且精確地運用手臂的力量，盡管彈奏的力度會逐步增強，但速度應保持穩定，避免加快。B段從一開始就給人一種柔和的感覺，代表著音樂的美妙進展。左手則是由連續的八分音符組成，演奏時主要使用慢觸鍵的技巧。中聲部作為伴奏，大拇指通過側邊觸鍵與琴鍵緊密結合，但力度相對較弱。在低聲部中，和弦的分解反復進行，隨著節奏的變化，透露出一種不安的情感。在第123小節之后，三聲部和聲的音量逐漸降低，速度也有所放緩，給人一種暴風雨即將來臨前的寧靜感覺，為后續的再現部分奠定了基礎。A樂段完整地再現了A樂段。第221—233小節作為樂曲的尾聲，左手的低音部分融入了副部的材料，表達出濃郁的德國民俗風格。將大拇指、小指以及食指的力量匯聚于掌心，借助舒緩的按鍵方式與指尖接觸，產生深沉且富有歌唱感的音質，最后以b小調主和弦作為整首曲子的結束。

四、結束語

本文針對浪漫主義時期的鋼琴音樂創作和演奏進行了深入探討。在那個時期的鋼琴家包括肖邦、李斯特、勃拉姆斯和舒曼等在內，對各種鋼琴流派的形成產生了重大的影響。他們為鋼琴音樂的發展做出了巨大的貢獻，這些貢獻至今仍然被高度評價。

參考文獻：

[1]國曜麟.鋼琴活動的手指機能研究[D].中國音樂學院，2017.

[2]史繼美.肖邦《g小調第一敘事曲》音樂特征探究[J].哈爾濱學院學報，2023，44（03）：111-114.

[3]何詩瓊.論李斯特鋼琴音樂中的民族元素——以《匈牙利狂想曲第十一首》為例[J].當代音樂，2022（05）：107-110.

[4]王芳.勃拉姆斯兩首鋼琴狂想曲的作品分析及研究[D].湖南師范大學，2016.