雕塑中的色彩運用研究

摘 要：色彩是雕塑藝術的重要組成部分。色彩運用是雕塑創作的關鍵步驟，對于作品的形體塑造和情感表達具有不可替代的作用。在創作過程中，雕塑家必須擺脫只關注結構、空間、材料、肌理等的慣性思維，將色彩放到突出位置。理解色彩的唯一性，重視色彩運用并積極探索其豐富多樣的表現方法，發揮色彩的塑形表情功能，能夠有效提升雕塑作品的視覺感染力。

關鍵詞：色彩；雕塑；藝術作品；創作

色彩是形成雕塑作品的語言要素之一，能夠有效反映雕塑家的思想觀念、提升雕塑作品的視覺效果，使作品更具完整性。需要注意的是，一些雕塑家對色彩不夠重視，容易忽略色彩不可替代的特殊作用。當代雕塑家常將色彩看作對雕塑的補充，沒有將其納入最初的整體構思中，色彩往往到創作的最后一步才被考慮到，并且還僅僅是為了作品的“完整性”而存在[1]。雕塑創作不能只關注“形”與“象”的完整性，而應當將色彩運用融入作品的主題表現與情感表達，努力使色彩成為雕塑作品不可分割的組成部分。

一、雕塑作品的色彩

色彩具有特殊的語言功能，色彩運用是雕塑創作必不可少的表現手法，既能豐富雕塑作品的形體結構與空間層次，拓展作品的表現力，又能強化雕塑作品的情感表達，使觀眾在欣賞過程中更易產生情感共鳴。利用色彩的冷暖及純度、明度的高低強弱等對比關系，對作品表面進行處理，可以提升作品的細節感和立體感。例如，在劉政的作品《仲夏夜之夢》（圖1）中，雕塑家嘗試將繪畫語言和雕塑語言有機融合在一起，消解雕塑與繪畫兩種美術類型的既有邊界。在形體塑造完成之后，運用色彩對人物形象進行再塑造。充分介入的色彩，豐富了雕塑的形體細節，進一步豐滿了人物形象，充分渲染了夏夜小憩的甜美氛圍。

色彩具有表情達意的特殊功能，能觸動觀眾的內心世界。伊頓在《色彩藝術》中強調：“色彩效果不僅應該在視覺上，而且應該在心理上和象征上得到體會和理解。”[2]研究表明，作為一種無須付諸語言的交流形式，色彩具有特殊的視覺張力，能夠迅速而有效地傳遞信息。合理利用色彩的心理效應，可以提升雕塑作品的視覺感染力。《羅丹藝術論》中談道：“一幅素描或色彩的總體，要表明一種意義，沒有這種意義，便一無美處。”[3]在形態不變的情況下，不同的色相及明度、純度關系能給觀眾帶去不同的情緒影響，形成不同的審美感受。在創作過程中，雕塑家可以根據自己的創作意圖，思考目標觀眾的審美需求，通過特定的色彩處理方法，使作品呈現特定的色彩關系。此過程即色彩運用，涉及對色彩屬性的把握、利用以及與展陳環境的相互適應等多種問題。深入研究色彩運用的方式、方法，探索色彩運用與情感表達之間的復雜關聯，對提升雕塑作品的視覺感染力具有重要作用。

二、雕塑創作與色彩運用

在雕塑創作中，色彩運用方法主要有兩種。一是利用材料原色，即保持雕塑作品所用材料的固有色。通過巧妙利用材料及其肌理的固有色，強化形體結構，表現思想主題，有效凸顯作品的材質美，彰顯技能、技巧的純粹性。二是后期表面著色，通過繪、描、噴、灑等手段，在雕塑作品表面賦予特定色彩。這種方法可以使雕塑家最大程度地掌控色彩變化，將表現的主題和傳達的情感隱藏其中。

（一）利用材料原色

材料的固有色及其可能顯現出的特定涵義，對塑造形象、表現主題、營造意象具有極為特殊的作用。材料選擇是雕塑創作的首要環節。尚榮的《母愛——呵護》（圖2）以簡約的造型，塑造出一位正在撫慰孩子的母親形象。作品中心為鏤空形態，化虛為實，其輪廓顯現為孩子的形象，造型手法不乏對亨利·摩爾的模仿。巧妙的“留空”手法賦予作品深邃的空間感，激發出觀眾對母愛無盡的想象。漢白玉單純的色彩、潔凈的質感，無須任何添加，就能契合“母愛”這個純粹而偉大主題。因為“自然材料都有自己獨特質地的美，給人悠遠古老的感受”[4]。單純的白色使作品的主題寓意和情感寄托得到強烈的升華。可以確信，合理運用固有色不會使作品顯得單調，反而能使作品在簡約中體現出特有的審美品格。因此，在選擇材料時，雕塑家應首先考慮怎樣利用材料不可替代的自然或天然色彩，思考它們怎樣順應、契合作品需要傳達的意義。

再如劉濤的《失樂園》（圖3）表現了一群無家可歸的鳥兒在伐木工具上略作停歇的景象。雕塑家巧妙利用木材在生長時自然形成的肌理，把未經加工的原木和精細雕刻的伐木工具組合起來。他沒有一味地追求視覺真實，刻意選用色彩進行裝飾，而采用保留木材原色的方法闡釋“保護森林”的主題。色彩處理渾然天成，既保留了木材原始本真的生命美感，又與精雕細刻的伐木工具形成強烈對比，凸顯其冰冷無情，以此引發觀眾對生態保護問題的深思。

就創作而言，雕塑家具有相對自由的選擇權。是否利用材料固有的色彩及肌理，是否選擇色彩對雕塑作品進行表面裝飾，都由雕塑家決定。利用材料的固有色可以最大限度地傳達材料本身的美感，既能凸顯作品的唯一性，又能彰顯雕塑家對材料的創造力。傳統玉石類雕塑的“俏色巧雕”原理即是如此。

（二）后期表面著色

所謂表面著色是指雕塑家運用特定技法，將特定色彩附著在作品原有材料的固有色之上，形成表面層。這種處理方法使作品具有強烈的主觀用色特征。大量存留至今的中國傳統雕塑，尤其是泥塑、木雕類作品即采用后期著色方法。表面著色可以提升作品的表現力，客觀上具有保護內部坯體的作用。色彩運用不僅體現為對視覺真實性的刻意模仿，還反映出一個時代對藝術美的普遍追求，承載著雕塑家不可復制的獨特情感。

色彩作為雕塑作品情感外化的媒介之一，具有傳情達意的顯著功能。合理運用色彩，“可以將雕塑藝術提升到新的精神高度上，促使現代雕塑藝術產生無限張力，獲得廣闊的發展空間”[5]。例如馬天羽的《罡》（圖4），作品以銅鑄法制作，以高溫著色方法對表面進行后期改造。就色彩選擇而言，不追求鮮艷奪目的強烈對比，轉而采用單一的黑、灰色。如此色彩為作品賦予了一種莊重、威嚴的視覺感受，充分地表現了包拯在小說、戲劇等藝術門類中鐵面無私、公正嚴明的人格性格，彰顯了反腐倡廉的創作主題。色彩運用提升了材質的厚重質感，強化了作品的嚴肅性。

再如馬立民、宣曉燕的作品《笑的色彩1號》（圖5）塑造了一高一矮、一胖一瘦兩個面帶笑容的人物形象，主觀加入的色彩暗示人物身處舞臺，凸顯幽默主題。通過將白色色塊與紅色、藍色、黑色色塊并置，夸張人物造型，強調所塑造的人物在舞臺上的角色區分。因為人物的形體特征不同，笑的特點隨之得到強化。生活中的笑猶如面具，掩蓋著真實的內心。不同的色彩可以暗示不同的笑及其不同含義。此處，雕塑家用色彩襯托笑的特點，以此彰顯人物角色性格，引發觀眾產生聯想。

為使藝術表現更具豐富性，雕塑家可以根據作品所承載的主題和所表達的情感，對作品進行色彩再處理。這種充滿主觀性的色彩處理方法，使雕塑作品可以獲得新的視覺張力，使作品的情感表達更自由，能為觀眾帶來更為復雜、新鮮的視覺感受。

三、結語

作為藝術語言之一，色彩如同魔術師的魔法棒，能夠為雕塑賦予靈魂。盡管色彩運用常常是雕塑創作過程的后期環節，但其影響力卻在著手創作之初即已開始凝結、閃現。色彩運用總是圍繞著雕塑創作過程展開，從總體上看，其作用雖然不是決定性的，但卻能為雕塑作品的視覺形態呈現提供不可替代的支撐作用。通過合理運用色彩，雕塑家能夠直接、精準地傳達自己的思想觀念和個性情感。就雕塑藝術的語言拓展而言，雕塑家應該重視對色彩運用的探索，力求在揭示主題和傳遞情感上實現雙重突破。

參考文獻：

[1]彭博.當代雕塑創作中的色彩[J].文藝研究，2011（6）：159-160.

[2]伊頓.色彩藝術[M].杜定宇，譯.上海：上海人民美術出版社，1985：8.

[3]羅丹，葛賽爾.羅丹藝術論[M].傅雷，譯.北京：中國社會科學出版社，2001：52.

[4]王珊珊.中國當代雕塑中色彩的運用與探究[J].藝海，2018（7）：152-153.

[5]霍健.淺析色彩在現代雕塑作品中的作用[J].美術教育研究，2016（13）：22-23.

作者簡介：

鄧新崧，四川輕化工大學美術學院碩士研究生，研究方向為雕塑創作。

梁川，四川輕化工大學美術學院教授，研究方向為美術理論。