黑白攝影的魅力

安塞爾·亞當斯 攝 1948年

自1839年8月19日,由路易·雅克·芒代·達蓋爾（Louis Jacques Mande Daguerre,1787-1851）在法國科學院將其銀版攝影法（Daguerreotype,又稱達蓋爾式攝影法）公諸于世之日起, 攝影已走過了一百六十一年的歷史。當今,世界正步入一個高速發展的信息時代,不容置疑彩色圖像更能適合時代的要求,更能準確、真切地傳達情報和信息,更為大眾所喜聞樂見。也正是在這樣一個充斥著彩色的世界里,黑白攝影以其獨特的表現力和持久的生命力,深深吸引著無數攝影愛好者。特別是近年,以美國為中心的歐美諸國的美術館、專業攝影畫廊等,大量展示和收藏攝影作品,這其中絕大多數也是以黑白攝影作品為主要對象的。當然,這也有黑白攝影作品在保存特性上比較優異的要因,但從體現攝影家的思想內涵和創作意念來看,相對于彩色攝影,黑白攝影更具有象征性,更顯得單純化,更富有想象空間,也許這正是黑白攝影的最大魅力之所在。

說起黑白攝影,也許大家會聯想起安塞爾·亞當斯（Ansel Adams,1902-1984）以及以f64小組為核心的“純攝影”派攝影家和他們那影調優美、制作精良的經典作品。攝影術雖然發明于歐洲,但攝影作為獨特的藝術表現形式,特別是純攝影的理念和高品質攝影美術原作（Original Print）的制作觀念和技術,可以說是在美國得到發展和完善的。

愛德華·韋斯頓 攝 1948年

被譽為近代攝影之父的艾爾弗雷德·施蒂格利茨（Alfred Stieglitz,1864-1946）,從德國留學回到紐約后,于1902年成立攝影分離派,次年出版季刊《攝影作品》,并在1905年創設了著名的291展廳,為使“人們認識到畫意攝影不是藝術的陪襯,而是表達個人的一種獨特的手段”而竭盡全力。施蒂格利茨本身也在創作實踐中,逐步摒棄當時在歐美盛行的模仿繪畫的畫意攝影的影響,提倡“純攝影”,也就是說,照片要真實、清晰,影調要豐富,層次要分明,強調攝影不僅在技術手法上,同時也在表達個性意義上,更多地考慮攝影本身的規律和特點,使攝影變得更純粹化,獨立于繪畫之外。

當時被施蒂格利茨極力推薦出世的攝影家保羅·斯特蘭德（Paul Strand,1890-1976）以他那正視現實的態度和直截了當的畫面構成,很大地刺激和影響了愛德華·韋斯頓（Edward Weston,1886-1956）、安塞爾·亞當斯等一代名家。亞當斯在第一次看到斯特蘭德的作品后,備受感動,“我對攝影的認識在那天下午具體形成,因為我終于了解這種媒體于表現藝術上擁有多大的潛質”。在施蒂格利茨和斯特蘭德的啟示下,韋斯頓、亞當斯找到了自信,明確了攝影創作的真髓和方向,并在創作實踐中將對形體美的徹底的追求,對大自然的熱情謳歌,充分地體現到完美無缺的一幅幅高品質的黑白攝影原作之中,這個傳統直到今天還影響著一大批的攝影家以及他們的創作觀念和方法。特別是安塞爾·亞當斯發展和完善了一套十分科學地、精密地控制影調的制作技法—區域曝光法（Zone System）,這為在攝影創作實踐中如何將攝影技術和藝術完美地結合起來提供了科學、可行的范本。亞當斯還結合了施蒂格列茨的“等價”、韋斯頓的“前視”的觀念,提出了“預先想象”的觀點,也就是說在未正式拍攝之前,先在自己的腦海中對所要拍攝的物體有意識地形成一個最后要得到的影像,這就要求在創作的時候,不但要接觸被攝體本身,更重要的是要進一步洞察被攝體所能表現的潛在影像。

保羅·斯特蘭德 攝 1951年

1932年在韋斯頓、亞當斯等人倡議之下,以美國西海岸一批有志的攝影家為中心而組成的f64小組,以大畫幅相機（4×5″或8×10″）為主而制作出來的富有精致影調和質感,同時又具有深刻思想內涵的高品質攝影作品,成為攝影史上的一個豐碑,為視覺藝術提供了一個不朽的典范。

攝影與繪畫的最大區別之處在于,當你按下快門時,往往對于作畫不利的東西也會感光定影到膠片之上。所以,有人說攝影的創作過程是一個減法過程。對被攝體進行構圖整理,將多余的東西力求從畫面中排除出去,以更加準確地體現創作者的美學意識和思想內涵。而黑白攝影中把一個現實的彩色世界，置換為黑、灰、白的單色影像的原理是同攝影表現的原則相一致的。

艾爾弗雷德·施蒂格利茨 攝 1931年

人的眼睛對自然界的色彩感知本來是最自然的感覺。攝影發明之初,由于技術上的局限,人們對于能將現實世界的影像記錄下來的驚喜,也許遠遠大于對彩色畫像的欲求。當然,在達蓋爾式攝影法發明不久,便有人發明了人工上色的技法,當時人工上色的“彩色照片”,至今尚保留著完好的色彩。

中國自古以來就有鑒賞水墨畫的文化傳統,中國畫論中也有墨分五色,墨分六彩之說。水墨畫的這種源于生活而又高于生活,以墨寫色,注重神似而不是形似的美學思維方式,更能充分,也更能純粹地體現創作者的精神和藝術境界。

風光 馮建國攝

大家熟悉的黑白攝影大師安塞爾·亞當斯,在他漫長的攝影生涯之中,其實也拍攝了不少彩色相片,但在亞當斯生前從未發表過。1993年,由亞當斯的生前好友,喬治·伊思曼之家國際攝影博物館館長詹姆斯·恩亞特編選出版了《Ansel Adams in Color》彩色攝影集,恩亞特特別指出：“彩色攝影對于亞當斯來說僅僅是黑白攝影的草圖,對于真實感的表現和追求并不是亞當斯的本意。亞當斯認為,從充滿著色彩,滿載著情報的現實世界之中,如何通過選擇和選取來將之置換為黑白照片才是最重要的。”亞當斯在“區域曝光法”的論說中,主張采用柯達雷登90號濾色鏡來觀察景物的反差,并從中去體會色彩和黑白的關系,以此作為學習“預先想象”的方法,其目的也正在于此。因此,恩亞特也強調,如果亞當斯在世的話,想必是不會允許出版這本彩色畫冊的。

另外,從照片的后期處理加工的角度來考量,黑白攝影更具有讓攝影家發揮想象力的余地和空間。相信體驗過暗房制作的人,也許更能理解到黑白攝影“手工制作”的樂趣和魅力。當你在安全燈昏紅的弱光之下,隨著顯影液的晃動而漸漸顯現出來的影像,能讓你一分一分地分享到耕耘和收獲的實感。而作者親自參與制作的作品,不容置疑能更充分地體現出創作者的個性和感覺。難怪在攝影作品的收藏和拍賣市場上,作者親自制作的作品要比委托他人制作的作品價位要高出許多倍。“底片是樂譜,印放是演奏”的名言,更形象地道出攝影作品制作過程的獨特性和重要性。