沒有什么比創意更好玩

“世界之所以是新鮮的，就在于，有創造力的存在。 從無到有，從有到變，從變到新，我們擁有創造的成就感。人類從古至今都在創造，創造造就了今天。可直到20世紀90年代，“創意經濟”這個概念才由英國最早提出來，主要指那些從個人的創造力、技能和天分中獲取發展動力的企業，以及那些通過對知識產權的開發可創造潛在財富和就業機會的活動，包括廣告、建筑藝術、旅游、遺產和體育等。尤其在上個世紀90年代，北歐創意經濟蓬勃發展，誕生了諸如諾基亞、宜家、IITALA和 BO等帶有創意經濟特質的品牌。

目前，全世界創意產業每天創造的產值就高達220億美元，并正以5%的速度遞增，美國、英國等創意產業發達國家遞增速度已經達到10%以上。 而中國，創意經濟無疑還處于發端。創意者在其間體會得更多的是一種精神消費和情緒體驗，沉溺在創造最深處的快感，像潛入欲望的深海，找到一塊浮板，把欲望一個個顯影出來。

無論是今年沸沸揚揚的“超級女聲”，還是大聲展，芝華士的2070Party，在中國，創意更多的成分，還是嘗試與戲玩。 我們要顛覆傳統的，延伸已有的，將棱角和想像發散出去，每一個觸角都有著濃郁的個人痕跡。 這，恐怕才是我們玩創意更大的樂趣。 盡情享受著創意帶給我們的無限可能，將生活的表象掩蓋。心有多大，世界就有多寬。想像讓整個狀態變得綿軟，自在。 這是一切現實生活所無法取代的快感。它極大地填補了我們對欲求不滿的空缺，構成了理想世界里的完滿。 像一個專為孩子建構的游樂園，單純、美好、熱愛生命的人才能享受。 是一些不計功利的夢。只是，夢想實現了，順便帶來了社會公效，產生了經濟效益。 這，便是創意的無心之舉和終極目的。”

一個創意生活榜樣

李孟夏：搖擺身體，大聲歌唱

全城的人都想認識李孟夏

這個活躍在寫作、策劃、設計、攝影等諸多領域，自嘲曾經長得像林志穎現在像曾志偉的男人，思考的時候喜歡微揚著頭，皺著眉，撇著嘴，一副聰明小孩的樣子，然后是一陣肆無忌憚的笑。他的那些千奇百怪的點子和想法，就在這個時候竄出來，讓人瞬間歡喜和熱愛。

李孟夏不在乎這種喜愛會持續多久，他享受迸發的激情，那是五光十色的城市應有的機能，不要裝腔作勢，也不自以為是，好玩就行。

和幾個朋友一起策劃編撰的《吃心不改》即將上市是李孟夏最近做的好玩的事。這本書請來五十余位海內外文化領域的活躍人物，如作家虹影、尹麗川、黃愛東西、北村，音樂人胡嗎個、顏峻、黃燎原，媒體人白巖松、黃源順、曾凡，文化名人朱大可、楊黎、老六等，講述與“吃”有關的經歷和感受，大聲宣揚我們的生活離不開吃，“我們熱愛吃，尋找吃，享受吃，其實是我們熱愛生命，尋找真愛，享受交流的體現”。

而書的最大賣點是文字和視覺的雙重沖擊力。“人的眼睛和耳朵是前衛的，但舌頭卻是懷舊的”，策劃團隊希望做出一本讓讀者的眼睛經受挑戰的不同凡響的書。

所以，就有了李孟夏為這本書拍攝的一組得意大片：火紅的辣椒堆里，吃的欲念爬滿男女模特光潔的身體，毫無阻擋地成為身體的一部分，只是比身體更慢覺醒，但卻一發不可收拾。

李孟夏說，他不是一個聰明的人，他那些接連不斷冒出來的與眾不同的想法，都是因為他看過太多人和事，那些人身上的某種特質，讓他知道自己想要什么，能要什么。“最開始是實用性，在實用性得到滿足的時候需要一些不一樣的東西出來，”李孟夏對創意的定義沒有他的作品絢爛，“多余的部分，可能就是與藝術相近的部分。”

“大聲展”也就是在這樣的思維下誕生。作為策展人之一，李孟夏接觸了很多新生代的創意群體，他們平均年齡不到25歲，他們認為自己不僅僅是設計師，還是新媒介專家、MTV和電影導演，聲音藝術家和時尚產品的制造者，參展作品超過200件，包括海報、書刊、動畫、電子媒體裝置、建筑設計、聲音作品等，每到一處都引起轟動。

“這就是一場輕松自由的視覺派對。”“大聲展”到了李孟夏這里，就變成一個玩樂的平臺，創意和設計的本質意義和功能，在這里淋漓盡致地發酵，膨脹，而他自己就是其中玩得最投入的一個。

這種投入還閃現在他出沒的各種場合，沒有人懷疑他制造驚喜的能力，甚至對他形成依賴。

這和他的從前完全脫節，那個沉默、敏感、自閉的小孩，一眨眼怎么變得如此瘋狂、活躍，像是來自其他星球的異種人，不懂得也不在乎人類的規矩，自顧自地干著自己喜歡做的事情。

“我一直在想，人的情緒、思考的深度、性格都是與身體的化學反應相關，”李孟夏并不認為自己刻意改變了什么，“就像男人，高潮前10秒和后10秒的感受絕對是天壤之別。”

“所以，越到現在，我越覺得人生沒有什么絕對。”從美術教育專業畢業后，李孟夏只做了3個月的“本質工作”——中學美術老師，然后就涉足動畫、平面設計、廣告，在那個時候，他覺得自己只是大機器上的一個零件，不會為工作開心。

只要好玩，夢想有時候真的不值一提。

人們對李孟夏“自戀到發指”的評價毫不夸張，他愛自己，所以他給了自己一個五彩斑斕的人生，而且沒有一目了然的規則。

盡管曾經厭惡自己，“經年累月日以繼夜地把自己塑造成最不喜歡的那種人——膚淺、俗氣、熱情、話密、夸張、中庸……散發著熱騰騰的世俗氣息”，但他還是瘋狂地迷戀上自拍，各種怪異、荒誕的表情和造型，照片非常熱鬧，“這個世界怪物一籮筐，混蛋和天才不只你一個。”

從小時候偷偷翻出父親藏在盒子里的剃刀，好奇心促使還沒長胡子的他剔掉一邊眉毛開始，李孟夏注定不是一個安靜的人，至少，他需要用熱鬧來表達安靜。他說他過度熱愛鮮活的生命，飽滿的身體，以及在暗夜里綻放的靈魂。那些男孩和女孩，在他的注視下，在他無比拙劣的電腦修飾下，變得俗艷，華麗，矯揉造作，變得不大像他們本身，變得讓他們更加愛或者更加不愛自己，他喜歡這個游戲，并且走火入魔。

所以，他必須讓自己的生活充滿創意和想像，不可預期，否則他不會覺得繼續下去有什么意思，

幸運的是，他可以忠于自己的意愿，做著需要“胡思亂想”的工作，“每天與客戶開創意會，做別冊，編輯部開選題會，穿衣服，辦派對……所有一切都是創意，可以說無處不在。”

在一個習慣了盲從的國家和社會，新鮮的人和事變得無比驕傲，可以抬頭挺胸大肆放縱自己的想法。李孟夏說，“這個城市，這個國家，這個時代都在歡迎有想法，有創意的人，到處都是機會，到處都是舞臺，到處都能制造驚喜。”

兩個創意團隊代表(之一)

破殼：“創意”是我們的要求和需要

關于“破殼”

“破殼”是個藝術家組合，成立于2004年。成員兩人：早和窩窩。其視覺作品在國內獲得多次大獎。近期參加2005年的“中國大聲展”和“中國NIKEFREE”，其作品以獨特的風格和強烈的沖擊力及非凡的創意，在圈中贏得很高的評價。被媒體評為“上海杰出新銳設計師”。在上海8號橋等創意店都可以看到他們不同形式的創意作品。

“破殼”作品

最早看到“破殼”的作品，是一批衣服，掛在吉吉的“上海衫旗幟”店內。此店內只有三個品牌，分別是張達的作品、吉吉自己的作品和破殼的作品。在一大堆黑色與白色之間，破殼作品的鮮亮色彩非常耀眼。我看了看標簽，每件T恤大約售價350元至400元之間。身邊的同事看了喜歡得不得了，馬上買下一件藍色有小孩子吃桃的上衣。我以為，破殼跟吉吉一樣，是個成熟的70年代出生的藝術家，然而，吉吉笑著說，他們是成熟的80一代藝術家。兩位成員均出生在1980年。破殼，是個成熟得非常快的，作品以創意出名的設計團體。在許多藝術展上，他們的作品均擺放在最顯眼的位置，其“上升力”是不容小看的。

“破殼”其人

初見破殼，是在“DITA”酒的發布會上。“DITA”這次的活動，邀請了本土的三位知名設計師為其酒瓶設計衣裳。三位設計師分別是陸昆、吉成和破殼。當時，破殼的一男一女就坐在我對面拘謹地吃著西餐。席間不說話，跟四周的所有人都不搭調。窩窩穿著一件簡單的大T恤，早穿著一件麻布小褂，兩人就像剛從大學生宿舍里出來，跑到食堂吃飯一樣。后來模特穿著他們設計的另類衣服出場，全場為其精彩創意鼓掌，但沒人知道是他們兩人的作品，此時，他倆也不知道跑到哪里去了。沒影了。

“破殼”受訪

國慶前的最后一天，破殼接受我們雜志的采訪及拍照。拍攝的時候，正是上海交通管制的時間。我們擔心這兩位會遲到。結果，沒有！遲到的是我們的編輯小姐。等她一頭汗地趕到現場，攝影師已經拍完一組片子了。窩窩和早穿得相當有創意及驚艷，非常符合我們這期的主題----是他們自己設計的紅色系列服飾。拍攝的過程中，他們呈現出孩子一樣的單純和快樂。說話直白，是兩個真性情的人。在眾多蚊子的進攻中，我們高興地完成了拍攝任務。另外，由于他們的可愛性格，窩窩身上的作品——一件有著一個哭泣的女孩兒的臉的衣服，被編輯小姐扒下套在自己身上穿走了，“實在太喜歡了。”她說。

FRENDS：說說你們對“創意”兩字的名詞解釋。

破殼：創意是一個理念上的東西，是通過個體用自己的方式表達的世界。是繼承原來的，再把自己的主觀臆想融進去。創意是我們最初的出發點，不能說是最原始的，但一定是同步的。創意是我們對自己最起碼的要求和永遠的需要。但對社會來說，創意可能更多的只是一件商品。是可以出售的。

FRENDS：說說設計師及其作品與創意環境之間的聯系？

破殼：先說設計師吧。作為設計師最重要的是尊重自己，尊重自己的想法，也就是創意。一個好的創意就是這樣產生的。不尊重自己，是無法產生最優秀的創意作品的。在國內，這方面設計師們做的不好，條件也不是非常理想，對自己創意本身的開發不夠。任何一個成熟的設計師都應該有清晰的路線和堅持。這跟經濟的發展有很大關系。所以，優秀創意本身是應該無任何條件的，但要把創意做成事業，就需要很多客觀條件了。也就是創意環境。創意對我們來說可以在任何地方發生，不應該受到限制。但是，創意的后續工作和操作是需要一個優秀的環境的。所以我們選擇了上海。因為，上海是個包容性很大的城市，很多東西在這兒比較完善。更重要的一點是，上海給我們非常大的信心和鼓勵。作為藝術家和設計師，你的東西是需要被人分享的，這方面，上海給我們的關注讓我們非常感動。這個城市其實并不冷漠。它被世界關注，它也關注所有的人。

FRENDS：上海給你們更多的創意靈感嗎？

破殼：這個就說不清了。上海的信息量是大，但是創意靈感更多的是積累和爆發的關系。

FRENDS：記得你們第一個創意作品嗎？

破殼：當然了。也是至今為止很喜歡的。是四款衣服。國案和款式很中國。因為是第一次做，特別想讓別人知道是中國人的東西。這一系列的名字叫“媽媽”。衣服上的圖案分別有兔爺、哪吒、手槍和兩個人的做愛。每件衣服都有一句話來表達自己。比如在“哪吒”那件上寫的是“天使是永遠看不到的。”

FRENDS：說說中國的創意文化和現在全球化的創意文化對你們的影響吧。

破殼：中國的創意文化是真棒。很早很早以前，真的非常棒。而且對整個世界來說，都是非常強勢的。令人自豪。而現在，在做的就只有傳承了。并且，我們傳承得非常差。沒有保護好。如今，只能是融入世界的大規則里去，在中間找到自我。中國設計師如何進行好對“全球化”的過濾和傳統文化的傳承，非常重要。我們認為“個人”是核心的東西，關注自己是最有意義和最負責的。只有這樣，才能真正做出自己的“創意”。

兩個創意團隊代表(之二)

UNMASK：驕傲地去貪婪

“我們做的不是藝術品，是商品。”三個來自北京的年輕人，抱著一個沒有面孔的玩偶，很大聲地告訴所有人。

這是今年春天在深圳OCT當代藝術中心舉行的“大聲展”——“Life xperience2010的創意生活體驗”中的一個畫面，UNMASK——匡峻、劉展、譚天煒三個年輕人組成的團隊，帶來的作品“無影者”引起轟動。

他們展出的以“美伊戰爭”為背景的4組戲劇性場景裝置，時尚、動感，人物的鮮血和戰爭的煙霧，被他們表現為各色爆炸式、刺尖狀的透明物質，并在場景中加入自己的虛擬形象，分別代表血、火、爆炸……場景中的虛擬人物開發成可出售的小型玩具，同時還為虛擬玩偶設計制作了一系列西服用于展示和出售。“我們試圖通過‘消費’的形式回應‘美伊戰爭’。”

UNMASK總是以團體的方式出現，這也是他們從2001年9月組建到現在依然保持著旺盛的戰斗力和創造力的原因。

“無影者”是UNMASK小組的第二套作品，之前的“DO YOU KNOW UNMASK”，是小組成員以自己的面貌特征為基礎設計的各自的虛擬形象，同時為這些虛擬人設定身份、性格，挖掘自戀情結，以視覺形式呈現出來——海報（3D制作）以及小型玩偶。

“我們把‘消費’這一概念融入作品當中，所以作品看上去更像是專賣店里的商品。”UNMASK并不介意公眾用“商業化”的眼光來評價他們的想法和行動，“我們的作品里面有時尚和商業化的因素，有個別作品本身就是針對商業而做，并且是按照商業化的標準來構思實施，但現在并沒有真正地進入商品的流通渠道。”

他們期望把“自己”轉化為消費品與更普遍的人接觸和互動，“所以作品在具有商業化的可能之外，我們堅持著作品的藝術性，或者說是一種輕松幽默使人愉悅的創造力和想像力。”所以UNMASK特別推崇日本新銳藝術家宮島達蘭，不僅是他的團隊的合作、分工方式，更在于他一直在創造一種流行文化，并使這種文化趨于大眾化。“創意正被大眾接受并且消費著，成為一種時尚，所以我們必須使自己的作品具備持續性，不斷更新它的面貌。”

這些新一代的設計師們，最大的優勢就是敢于直接表達自己的觀點和想法，作品和生活方式都充滿樂趣，UNMASK成員的外表就讓人充滿想像，他們毫不忌諱把自己打扮成中性的花樣美少年，做夸張的頭發，像愛美的女孩子一樣逛街，買色彩繽紛的服飾和鞋子。而所有這些，都成為他們設計生活的內容，閃耀著創意的火花。

“我們永遠追求新的快感，不容易滿足。”UNMASK對創造力和想像力是貪婪的，這種貪婪似乎是與身俱來，當他們幾個人幾年前中央美術學院雕塑系相遇后，就興奮地發現這種貪婪無法節制，而且因為幾個貪婪的人聚在一起，變得更加強烈，一發不可收拾。

“創意的歸宿應該是被大眾消費，所以個體的創意空間就需要自己否定和矯正，而團體在實施過程中就有了互相之間的否定和矯正。”UNMASK從不擔心團隊作戰會消磨個人的創造力，在北京798的工作室里，他們基本上每天都呆在一起，“這種合作方式，和我們自己的個性、狀態、生活方式、情感都沒有矛盾，我們可能越往后做便越開放，并不一直局限于三個人，可能發展成一個小組，或者一個公司，慢慢讓它更多元化、更豐富，并不完全在藝術這個領域，可能還要接觸商業上的操作。”

UNMASK說，“越到現在，我們感覺自己要做的東西越坦白，也更有樂趣。”

首個作品“DO YOU KOWN UNMASK”中，UNMASK要把三個成員做成三個虛擬的偶像，也就是理想化的自己，“因為做了這個作品，才開始發現并挖掘自己的自戀情節，”這讓UNMASK感到興奮，“隨著作品越做得深入，了解自己越多，越覺得自己還有很大的潛力。”

但他們不愿意選出誰是最自戀的人，“自戀存在于每個人身上，不管他是美或丑。有些人很坦然，很主動，有些人卻沒有意識到，而我們是很坦然偏主動的那種，但是誰也不承認自己比別人更嚴重。”

“值得慶幸的是我們從大學畢業以來都是自己決定用哪種方式生活，也一直在努力實現自己的理想。”自我發現，自我了解和認同，讓他們更懂得自己要什么，什么才能帶給他們真正的快樂。

所以，他們的胃口越來越大，他們更貪婪，更不滿足。在參加一系列群展之后，UNMASK正積極準備幾個月后團隊成立以來的首次個展，“積極投入新的創作，不斷推翻以前的作品，保持內在連貫性，一起樂觀地面對現實生活。”

對這個創作團隊而言，目前所謂的困難就是國內創意消費市場還不成熟，作品還需要更多認同和推廣，但這和玩出新花樣，找到新樂趣相比，實在無法讓他們產生一點點動搖。

他們的新想法還包括開一家米粉概念餐廳，從餐廳的設計包裝到米粉的制作都親自設計，讓創意的影子進入各色生活。

一個成功創意案例

被創意的全民游戲：超女背后的超級策劃

凡創意下的萬眾狂歡，2005年的中國人，鮮有不知道“超級女聲”的。說不清楚，是什么讓大眾的眼球在每個周五的晚上都齊齊聚集在電視機旁邊，但與眾不同的“超級女聲”就這么紅透了半邊天。

“蒙牛酸酸乳超級女聲”策劃案策劃人孫雋后來總結說，“超女”的成功，不外乎一是節目組對“大眾娛樂大眾”的基調定位準確，第二，則是借助蒙牛的地面營銷創新了諸多宣傳方式，而且采用了手機等新傳播媒介。 評委、觀眾、大眾評委“三權分立”，大面積動用了短信這一人人都可操作的簡單工具，充分滿足每個人的參與感與決策欲。觀眾一路從海選追著看比賽，每個人都有自己喜歡的選手，像養了一個孩子，一步步看她長大，又走向哪里。或是像賽馬，寶都押在了那里，怎么會沒有感情，沒有爭議呢？而一旦產生爭議，每個人都擁有話語權，全中國13億人，這下就熱鬧了。

早在與湖南衛視合作之前，孫雋就在傳統的合作模式上創新了。湖南衛視對2005年“超級女聲”的冠名費是2800萬，可是，時任蒙牛酸酸乳“超級女聲”液態奶市場總監的孫雋巧言，我們不是來冠名的，所以，不會按2800萬給。更準確一些的表達是，蒙牛不僅僅是去冠名的。“我們一塊錢給湖南衛視，10塊錢會在背后推動這個節目。”畢竟，在蒙牛下面，有上億的產品，上百個經銷點，上千個業務員。這么龐大的產品鏈，也會組成一個強大的媒體，蒙牛酸酸乳需要推廣，“超級女聲”這個節目也需要宣傳，湖南衛視的整體品牌和知名度、廣告價位也需要提升。 最后，不到2000萬，蒙牛談下了與“超女”的合作。 設定好海選城市之后，孫雋增加了地面的路演。100多個城市，300多場。海選城市在廣州，路演就提前兩周在東莞、潮州做。搭個有廣告圖案的舞臺，誰都可以上臺演唱，唱完之后還有禮品拿。唱得好的，蒙牛免費出資送她去最近的海選城市。如此這般“農村保圍城市”，還沒等海選開始，“超級女聲”就已被炒得沸沸揚揚。

當然，將海選原汁原味地播放出來，又開了電視節目的先河。以前走進餐館是直接吃一盆菜，現在是讓你親自觀摩、烹飪，將五星級的酒店變成自己私家廚房。于是，我們才看見那么多鄰家的姑娘，隔壁的阿嬸穿著睡衣，惺忪著眼瞼，蓬亂著頭發出現在大屏幕上，貽笑大方，評委個個尖刻，顯露刻薄相。這是不是不尊重人格，是不是全民審丑？“大眾娛樂大眾”，節目組創作者一開始就堅持這一從西方流傳過來的娛樂走向，到進入另一個海選區域的時候，大家對前面的節目有回憶，對后面的制作有期待，彼此的時間間隔又不是太長，杭州、成都后，已漸近高潮了。至十強決賽，真是萬人空巷眾說“超女”。“玉米”、“盒飯”、“涼粉”等與人氣超女名字相關的Fans群應運而生，這些意趣橫生又結合得天衣無縫的名字，亦成為了娛樂元素的一員，使整場“超女”狂歡更加瘋狂了。 他們打飛的，坐火車，租房在湖南電視臺附近，他們想求新求變的Slogen，“玉米不怕累，小宇最珍貴”、“實力‘暢’將，無‘宇’倫比”，帶動了不少的“超女經濟”，更為重要的是，如何為自己的偶像拉票，怎么制作更為精美的海報，怎樣想出些更為精彩的Slogen，這些稚氣年輕的孩子，其實也是就在做“營銷”，做“廣告”，他們發揮著自己的聰明才智，在這個炙熱的暑假里暢玩著天馬行空的創意，誰能說，在他們當中，就沒有未來的廣告或是營銷大師呢？

合作方式敲定，孫雋開始為產品和節目尋找代言人。明星代言產品，往往都是企業用錢砸出來的。可孫雋想的是，我不要花費。他大膽地找了2004年的“超女”季軍張含韻，開口就是“我們分錢不付”。因為，張含韻是新人，需要公司包裝，而在業界，少有包裝一個新人投資超過200萬的。可蒙牛酸酸乳的廣告散布大街小巷，“超級女聲”的人氣在預想中會如日中天，對于形象代言人，這是什么概念？換成誰都會紅。所以，順利簽下張含韻，量身定做兩首歌曲，增加了新人的曝光頻率，隨著“酸酸甜甜就是我”的傳唱，張含韻很快就成為人氣明星了，現在代言一個電腦品牌，開價已上百萬，被媒體稱為“有市無價”。

種種創意加在一起，其實就是資源的合理整合。隨著短信的加入，不但增大了大眾的參與性，更重要的是，它幫助教育了一個市場。它進一步教會了大家運用短信，享受無線增值的服務。至此，電視網、互聯網、電信網，三網合一，帶動大眾平面媒體集體報料“超女”，無論人們走到哪里，都逃不過這一信息的轟炸，種種好奇，不去看一眼電視都難。 加之這屆選手都很有特色，PK制度又那么殘酷、煽情，很難不被吸引。 于是，就有了很多人對星期五的期盼始自星期一。 \"超級女聲\"火了，大眾娛樂的時代來臨了，\"娛樂經濟\"爆發了。就這樣，諸多的超越，眾多的突破傳統，讓2005年的\"超女\"脫穎而出，成為《哈佛商業評論》等高端財經媒體，都市類報紙津津樂道的話題，也成為中歐國際商學院寫入教科書的經典案例。它幫助蒙牛酸酸乳從7億銷售額增加到25億，提高了整個湖南衛視的收視率，塑造了一個可以被后續繼續挖掘的長效品牌。

一個新銳創意產品

網絡雜志，風格成癖

《風格癖》是這樣的雜志，仿佛給人當頭一棒的感覺。常常有人詫異于logo讓那頭豬好似長著獠牙，仔細一看卻是豎起耳朵想傾聽——無害的pigstyle，只想標榜自我卻常常被人側目而視。

這本雜志，不公開發行，并且以字節的形式存著。確切地說，它只是一個網站，或者叫網絡雜志，所有的網頁模仿著雜志的形態存在著。在與傳統雜志的對抗中，它似乎天然應該站在下風。

但pigstyle改變了力量對比。英譯中的趣怪文字游戲，使得看到的人總是第一眼就可以記住它的名。另類組織、藝術家、插圖家、攝影、音樂人、DJ、地下樂隊、另類漫畫、獨立唱片、《風格癖》中充斥著此類人等，在采訪和被采訪之間，根本找不到明顯的界面。看雜志的，做雜志的，上雜志的，根本是一群人嘛。

從創刊起到今日，《風格癖》才出了6期，名氣已呈幾何性增長。在提到網絡雜志時，幾乎必提這只黑色pig，和2002年12月，一群膽大青年的異想天開。“我們要做中國沒有的雜志”，idea轉變成行動，其間需要無窮推動力，對這群還有點害羞的年輕人來說……所以，自稱pig未嘗不是個好主意。我們是豬？我們只是在清醒快樂地生活這點上，等同于某些生物。

視覺游戲百玩不膩，特別是對腦子有點與眾不同的人來說，把世界倒轉、扭曲、歪斜過來，才可以顯示真相。于是我們看見戴上手銬的警察，眼睛里閃現著“風格癖”；看到西式的反戰符號與東方的天下太平共處一頁；看到年畫人物與英文字母相映成趣；看到飄忽的光色游戲，皮影美人如拳擊裁判般手持一個端正的數字，預告新一次“風格癖”的到來……走多遠看多少用多少訝然，才足以回報這勇氣可嘉的創意？

從第一期的另類漫畫和涂鴉開始，風格癖一直堅持著它的藝術路線，但這個年代，什么是純精神？玩物，藏物，城市報告，物欲橫流不要緊，《風格癖》在盡自己所能為它找到合適的線路。最重要的還是創作，提倡思想的獨創。所以風格癖已發展成混合癖（所有有意思的事情都可以用癖來作詞根，插畫癖，文字癖，音樂癖），將所有的料加到pigstyle這個桶中攪拌，就是混合癖。它已成為pigstyle的主題活動，現在已經開始召集的是第三期活動。網絡媒體的特質，使它在互動交流方面有著天然優勢，三維對于網絡來說已經不是距離空間。打著標榜著60年代藝術風范的旗號，延續當年藝術家們足不出戶交游遍天下的交流活動。所有參與者將收到他人的一副作品作為畫紙，無限制地繪畫、涂鴉、截取、拼貼，以上天下地的各種方式將之變成自己風格的作品，然后再把作品發給下一位參與成員郵寄，風格鏈如此周轉，《風格癖》的名字被流傳。

現在，我們請來了PIGSTYLE的創意總監GARY聊聊網絡雜志與創意。

FRENDS：你對雜志及團隊的簡單描述是？

GARY:開始的時候想定義為“中國現代藝術、插圖作品發表的網站”，而今成為了一本中文網絡雜志。動力的因由是發覺我們中國人其實有很大很大的智慧和力量，但都比較含蓄。常常為懷“才”不露的人默默老去死去而感到可惜，于是開始了“風格癖”的行動。

以網絡雜志的形式表達或者介紹喜愛的獨特社會文化、符號。內容可能是非常抽象的現實，這正是風格癖成員所要表達的，對自由，對人生，對世界的某一小部分的客觀描述。

FRENDS：怎么想到要做這樣一本網絡雜志？

GARY：2002年，當時還在讀大學，喜歡雜志，但在國內雜志中找不到自己真正喜歡的，于是決定和同伴做一本。由于沒有商業因素，為了易于傳播，所以定義為網絡雜志。

FRENDS：做網絡雜志之前你們在做什么，和現在的行業有聯系嗎？

GARY：我讀的專業是展示設計，畢業后做店鋪、室內設計，當時來看可以說是沒什么聯系，但近一年發生了變化。

FRENDS：雜志的STYLE是什么？

GARY：基本上是本沒劃定STYLE、比較主觀的網絡雜志，重視的是每位參與雜志者的思想傳達，完全不需理會商業因素！

FRENDS：PIGSTYLE是一個怎樣的群體(比如好玩的，多元的，帶有年輕視角和觀念的等)

GARY：自由的合作!網絡上、現實生活中有許多有才華的藝術愛好者，還有很多我們不熟知的，不受傳統媒體關注的，或出于一些原因得不到傳播的藝術家和藝術作品。介紹他們，分享，是pigstyle的主要動機。

FRENDS：每期怎么做，是隨意還是有固定欄目？

GARY：藝術家作品介紹+采訪+城市報道+成員作品+評論；內容就實際稿件情況而定。

FRENDS：有和國際創作團體合作過嗎？比如？

GARY：說不上是合作，只是交流，比如第6期的SLOWDOWN主題，采訪了西班牙藝術雜志ROJO的主編DAVIDS和美國插畫家JASON，他們對于PIGSTYLE都非常友善和支持，雖然他們看不懂PIGSTYLE上的中文，但我想彼此之間總能找到一些共通的氣味，這點和普通雜志有所不同，我們是為了分享、交流而去交流的。另外我們的EMIX計劃也期待有更多人的加入！

FRENDS：對雜志以后的發展有什么規劃呢？

GARY：不知道，可能現在這樣就很好，有一定量的人喜歡，然后互相推薦、介紹傳閱。將來可能會有出版社肯和我們合作出一本紀念號，印個幾百到幾千本，然后繼續這樣散漫下去。

FRENDS：如何做得更國際化？

GARY：PIGSTYLE并不國際化，只不過全世界的人都有機會通過互聯網瀏覽它。

FRENDS：是兼顧大眾品味，還是小眾趣味，個性至上？

GARY：沒想太多，畢竟不靠它來維持生計，喜歡就做。

FRENDS：網絡雜志有無改變你的生活，有何改變？

GARY：現在看，它使我轉變了工種。

FRENDS：怎么看待國內的網絡雜志，能評價一下嗎？

GARY：很多事情一開始都是好的，但當大家都覺得這是個機會或是有利可圖的時候，有些東西就會開始泛濫、開始變質，這歸咎于中國市場的牛群效應病癥。這也是最近一期SLOWDOWN主題所想表達的：靜靜、懶惰、緩慢地等待著，看著某些事情的來臨或結束。

FRENDS：你平時喜歡看什么，獲取靈感的渠道是什么？

GARY：我想我是個能充分利用眼耳口手去感受生活的人，平時什么都看，有顏色的沒顏色的。什么都聽:流行的、另類的。什么都碰，鼠標、畫筆、游戲機、吉他、鋼琴、黒膠盆、女孩子的手……靈感是來自生活這句話不是我說的，但很受用。

FRENDS：你最喜歡的國內外的網絡雜志？舉例說明？

GARY：EVIL MONITO 、 shift 、THIS IS A MAGAZINE等都走得都很靠前！

FRENDS：國內和國外的網絡雜志有何差異？各自的優勢是？

GARY：沒想過這個問題，可能外國人比較直觀、專注，而且他們的視野比中國人的廣一點吧。但今天差別已經不大了，比如北京的DAVID ZHANG創辦的NEW WEB PICK，非常好。

FRENDS：你們的雜志每期定期出刊嗎？是自由投稿還是其它編輯方式？若是自由投稿，能否保證定時出刊呢？

GARY：不能保證出版時間，看天氣和大家的心情吧，還有就看能否遇到一些有趣的人去做屬于他的PIGSTYLE，生活充滿意外和期待！

FRENDS：你認為網絡雜志的出路或未來會是什么？它會沖擊平面雜志嗎？為什么？GARY：據了解，現在很人都正在或準備投身商業的網絡雜志，任何事情都要兩面看，但以目前國內大多數消費群體的知識產權意識，我認為一定時期內網絡雜志還是難成氣候的。更多人還是喜歡躺在床上翻書的感覺。

一個全新創意陣地

上海——莫干山路50號

創意化生存，藝術激活城市

自認為一直是個對任何跟時尚有關的玩意兒先知先覺的人，至少也是個能抓住它的脖子坐在它身上跟風而去的人，但是對“莫干山路50號”這個地方，卻是稍稍晚知了一會。最早在一個攝影師的MSN上看到這個名字，他自豪地聲稱要就將他的影棚搬進去了，然后在MSN上倒計時了兩個月。在他倒計時了快20天的時候，我終于知道了這個地方是個創意者的集中地，其通俗化的口號是“創意化生存”，并且集“新銳性”和“藝術性”為一體。其貌不揚卻嗤聲海外。于是，我懷著一點點朝圣心情，趕快叫了一部出租到了那里。

出租車在50號停下，有一條路縱深進去，兩邊都是改造建筑的施工情景，到處是工業垃圾。入口左側有一個鑲著各個畫廊和工作室牌子的公共標識架，還有一個更為明顯的牌子上有地圖和簡介，但名稱是“春明藝術產業園簡介”，看來，這是莫干山路50號的學名了。

在大牌子上，中英文簡介是這樣寫著：“上海春明粗紡廠位于莫干山路50號，占地面積35.45畝，廠內擁有20世紀30-90年代的各類工業建筑，他的前身是青島華新紗廠，創建于1917年。1937年“七·七事件”爆發，徽商周志俊先生12月以股本250萬元，在莫干山路50號開設“英商信和紗廠”。1941年12月，太平洋戰爭爆發，日軍進入租界，接管該廠。1943年3月，周先生用巨款將“信和紗廠”從日本人手里贖回。1951年1月更名為“信和棉紡織廠”，1966年1月變更為全民所有制企業，并更名為“上海第十二毛紡織廠”。1994年8月變更為“上海春明粗紡廠”，并于1999年底停產，轉制。2002年被上海市經委命名為“上海春明都市型工業園區”，2004年更名為“春明藝術產業園”。

在這寫滿洋洋灑灑許多字的牌子邊上，有另外一大串牌子（目前為止是36塊），其豐富的色彩和各具創意的LOGO，標明了這塊地方的現在身份，當然這36塊牌子不是這個藝術社區的全部，但已經可以看出其知名度。這些中國藝術界的品牌，說明藝術在今日的活躍程度。

雖然“薛松工作室”的牌子掛在中間，但他卻是最早在莫干山路50號建立工作室的藝術家，那是在2000年。著名藝術家“丁乙工作室”的牌子不太顯眼，但也是50號的原老，1999年丁乙就在蘇州河畔的西蘇州路1131號租下倉庫變成工作室，是中國藝術家首次打出“藝術家倉庫”這塊牌子。2002年丁乙到離他很近的莫干山路50號和薛松合流，以后“比翼藝術中心”、“香格納畫廊”和“東廊藝術”畫廊紛紛進入，這里成了有11個國家七八十位藝術家聚集的藝術創意基地。

這個藝術社區還在成長，半年前進來了青年建筑師陳旭東的“德默營造”建筑設計事務所，現在又多了一個“趙國文建筑工作室”。到這里來的建筑師都是誠心和藝術家混的人，他們有意躲開建筑師近親的環境，希望藝術能夠給自己帶來創造的刺激。說立桿就見影，丁乙請進來不久的陳旭東，為自己設計了一個“把上海凹凸庫家具”，即一個展覽家具的空間，這是陳旭東設計事務所成立以來，第一個為社會的設計。正在冉冉上升的平面設計師吉吉也在這里落了戶，當然還有很多數碼、影像、影視工作室紛紛扎根于此。

走進去，又有一個巨大的橫向牌子出現在眼前，上邊畫著無數像甲殼蟲一樣的玩具小汽車正在碰來碰去，牌子上寫著“派對—蘇州河”，這才是“莫干山路50號”的開始。

跟北京的798不同，“莫干山路50號”非常上海。它的破爛也是瑣瑣碎碎的溫溫暖暖的上海弄堂式的破爛。它的創意和藝術經過了一道道木門和窄窄的樓梯，也變得沉靜，去掉了尖銳和喧鬧。一間間工作室，雖然緊緊挨著，卻也各忙各的，閉上門，關上窗，安安靜靜，絕無半點浮華之氣。

1998年臺灣設計師登琨艷最先尋找并入住上海蘇州河邊的倉庫，成功地重新詮釋工業舊倉庫。此后一批藝術家在西蘇州河路1131號、1133號倉庫等地相繼開辟了自己的工作室。與鄰居的先鋒相比，莫干山路50號似乎擁有著更大的可塑性。這里集結著從20世紀30年代到90年代風情各異的廠房，背臨繁忙百年的蘇州河，右依西蘇州河路的藝術工作室群。短短一年，就崛起成為上海最大的藝術倉庫群，成為泰康路、八號橋等創意之地的頭牌。

創意和藝術激活了城市的死角。讓它重放異彩。但是，當莫干山路這個遲暮美人開始換去舊日衣衫，原本的氣質是否也會面目全非？是堅守特質、卓爾不群，還是淪為現代化手術刀下的標準美女？去留之間，我們有著太多的期待與無奈。