淺談自畫像中的精神

杜寶印　曲　哲

【摘 要】 本文透過對藝術家自畫像這一人類歷史文化現象的研究分析，揭示出藝術家自畫像背后的意蘊。藝術家的自畫像是藝術史上一處不被后人重視的田園，這里曾流淌過許多藝術家辛勤工作的汗水，也是藝術家們內在的情感、精神、意志的、內心的獨白，流露出他們對交流的渴望、對生命的眷戀。

【關鍵詞】 自畫像；自我審視；精神品質

一、自畫像歷史概述

藝術家為自己所繪的肖像作品，稱為自畫像。

自畫像是肖像畫中的一種形式，是畫家通過對鏡子里的影像來觀察、刻畫自我的形象。美術史上許多畫家都喜歡這個題材，藝術家在這一形式上有很多很早就有嘗試。在以往學者的研究中我們得知，“以往的藝術家自畫像的歷史可以追溯到埃及法老艾赫那吞（Akhenaten）的雕塑家巴克（Bak）早于公元前1365年前后已完成雕刻自己與其妻塔和里（Taheri）的作品；法國藝術家讓、富凱（Jean Fouquet）于1450前后創作的自畫像或為西方傳統中現存的最早的自畫像。”自畫像在文藝復興時代為人矚目。當時，藝術家被視為優秀乃至卓越的個體。復興時期的三位杰出的藝術家，達芬奇、拉斐爾、米開朗基羅，都為自己做過精美的自畫像，從16世紀中起，藝術家們開始選擇表現他們自己工作的場景，在畫架旁邊，手持調色板和畫筆，拿著畫杖的狀態。幾個世紀以來，無數畫家耕耘于這一題材，文森特凡高、雷諾茲（Joshua Reynolds）、弗里達、卡洛（Frida Kahlo）等尤其留下數量可觀的自畫像。卡洛竟然畫了一輩子的自畫像，一個患小兒麻痹殘疾人

，她以這種形式記錄了自己的一生，頑強的與疾病抗爭的一生。藝術史上我們還可以看到出現了更多的畫家自畫像。藝術家喜歡描繪自己的形象，是自我意識的覺醒，在尋求人的自身價值。藝術家從工匠中獨立起來，體現了個人的社會地位。起初，畫家是在一幅主題性繪畫

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中把自己的肖像留在某一角落里，就像中國畫家完成作品后在畫的角落里蓋上一枚自己的名章似的。這樣的自畫像不僅張揚了藝術家獨立的意識和個性，并保存了有價值的文獻。17世紀荷蘭偉大的畫家倫勃朗，一生中畫過上百張的自畫像，19世紀法國古典主義畫家安格爾，

浪漫主義先驅德拉克羅瓦，19—20世紀后期印象主義畫家凡高、賽尚、高更，以及立體派畫家畢加索，許許多多的畫家都畫過自畫像，他們除了記錄自身形象的特征外，還如實地反映了藝術家自我的精神面貌。那么是什么原因促使他們對這個題材如此的迷戀呢？

二、自我審視

達芬奇最早的把自己的畫像獨立起來，把自己畫成了一個獨立思考的哲人形象，緊繃的嘴角表現一種忍受人類苦難和命運熬煎的精神。達芬奇說：“畫家要追求的不僅是人的外貌，還要追求其內在的精神”，觀看達芬奇的自畫像作品，那深邃的目光仿佛在審視著你，審視著每一個靈魂，他在發問：我是誰？寬闊的額頭智慧的象征，嘴角帶著一絲不屑，看出他的自尊與傲氣。

“我從哪里來？我到那里去？我是誰？”——畫家高更先生的發問。法國后期印象主義藝術家高更曾經畫過一幅作品，畫的名字是：“我從哪里來、到哪里去、我是誰？”表達了他對人生的困惑。我想這不僅僅是高更先生的困惑，也是我們人類自身的困惑——一種對人生的茫然。

這個提問表面上看：是對過去、現在、將來和自身的一種提問，實質上是人類通過大腦的思辨來思考人生——是對自我靈魂的一個審視，這也是一個悠久的、古老的問號。

按通常的說法：是藝術家的自戀情結的反應；二是藝術家找不到模特，只好依靠畫自己來磨練技藝。表面上看這兩種觀點都解釋的正確，但實質上卻不盡然。

自畫像不僅僅是一幅畫像，更實質的是一個靈魂精神的寫照。是畫家對自身生存狀態的自我審視，也是人類對自身提出的疑問。

欣賞這些自畫像作品，每次我都能從中發現些什么，這些發現給了我許多的動力，既滿足了我對藝術家本人的好奇又給我提供了許多對其人生、思想的種種想象。觀察它們的輪廓、他們的眼神、嘴角、筆觸、線條、色彩和畫面的斑痕甚至最微小的細節，我會有許多發現，我看到了什么？我想這不應該只是看，這樣太過于簡單，應該去凝視。通過凝視我們注意到藝術家的精神與意志的光芒，深邃的目光、那么有穿透力。這是一種對人生的洞察，對自我靈魂的審視，那眼神中仿佛在問？我是誰？找回自己、確認自己的身份，是一件苦惱的事情，人來到世上思考是人類對自然的一種本能地反映，作為個體的人是弱小的、孤零的一個，人生又如此的短暫。確認自己的存在是人類的本能。

縱觀藝術史，藝術家們的自畫像象一片森林，我們從其中感受到的是生命存在的意義。精神存在的狀態、人的靈魂能被描繪么？這就是我們想要研究的一個問題。在我國北方民間就有一種迷信習俗，當地稱它是“叫魂”。經過是這樣，嬰兒在受到驚嚇以后，會晝夜不停地啼哭，當時老人們就想一個辦法，寫下一連串順口溜，張貼于街道的墻上，讓行人都念上一遍，經過大家這么一念，孩子的哭鬧就止住了，實際上嬰兒的啼哭依然不能停止，但有一點可以證明，民間的這種迷信，是相信人的靈魂可以離開他的身體的，在民間是這樣，在宗教與知識階層對靈魂的認識都有著相當廣泛的認可，那么藝術家這個群體，對精神、靈魂存在與表現也非常著迷。藝術家不是在畫一張自我的圖像，而是在確認自身在社會群體中的存在，是在排遣孤獨，記錄心靈的印記。

自畫像仿佛是一首心靈的歌，吟唱著精神的旋律。運用這種獨特的藝術形式一方面是吸引許多視覺，另一方面為了確定個人存在的身份，就好像雄孔雀開屏一樣，以展示自身的美來吸引異性的注意，大概這是本能的的反映。

通過我們與畫家的對視交流，我能想象出他們的精神的本質：哲性、幻想、燃燒，平靜、傲慢、悲涼、驚恐，憂思、憤世、批判。各種狀態。在許多自畫像作品中，我看到了不同的精神風貌。看到畫家的自畫像，就好像看到了他創造的藝術。一個有個性的藝術家，他的藝術形式，也就是他的靈魂要有其明確的定性，這種確定性表現在他的創作上，會呈出一種固定的形式，一目了然的獨到的藝術形式。看到作品就知道他的為人，我們說畫如其人就是這個道理。

三、描繪精神

偉大藝術家的靈魂不同尋常，需具備罕見的精神品質，藝術家要固執一些，偏執一些，那種飄浮不定的靈魂，是無價值的靈魂，靈魂的不確定性也影響到他的表現形式。繪畫形式也就是他的個性形式。要發現自己的缺點缺陷，不是畫的多好，而是看你的藝術貢獻也不是技術，是你在思想上的突破，形式上的突破現代藝術已經做得夠好了，重要的是觀看方式上的突破。當代藝術話語權在西方，而西方是指美國與歐洲兩塊，作品要原創的，發自內心，以概念來突破概念是無效的，而一味的模仿是對自己的不自信，一個缺乏自信的藝術是可怕的，由于缺乏自信而喪失了原創，要尊重自己的感受，你創作的符號不是概念的，是有靈魂的有血肉的藝術形式，表現不是簡單的構成，符號概念，是有血有肉的感人的真情有魅力的精神、深邃的思想不是膚淺的形式。藝術家是對自己的人生負責，他賦予自己藝術如此多的重任。他那么熱愛對靈魂的描繪，他的的靈魂能永生，雖然這個問題是一個古老的問題。

古埃及到現在多少代人都希望精神永在，這個愿望過去、現在、將來都會有。這種想法不管它有沒答案，有一點的確是可以肯定的。人類的思考與精神價值是偉大的，有這種文化精神，才有了可愛的藝術。

畫家的自畫像不僅僅是一張畫像，他是藝術家對人生、世界的疑問，是人類自身的自我審視。藝術的生活勝過藝術的本身，現在的所謂藝術家過分的重視功利性，參加展覽、拍賣，這主要是他把藝術當做生存手段來做的。而以藝術的方式去生活，推進人民自由民主的意志，以藝術的方式消解對物欲的貪婪，以優秀的文化精神改造民族精神，才是藝術家的真正使命。通過藝術的展示活動交流內心的躁動與創傷，情感的迷失，也增強了人類之間的了解，建立人與人之間相互欣賞的高境界，這樣的交流平臺，也使人類社會更加和諧。藝術史上藝術家留下的作品形式多樣，其中自畫像是一個比較獨特的門類，特別之處：是表現的對象以及表現的內容，在以往的藝術史研究中我們忽視了對藝術家的研究而過多的關注作品，這也是我們藝術研究中的一個遺憾和空缺。研究藝術家的自畫像這也使那些逝去的偉大的靈魂得到安慰。生命需要關注，他們在我們長久的關注中永生，關注也就意味著存在，我想這也是那些故去的藝術大師的愿望。對藝術家自畫像的研究也是一種今人與古人跨越時空的精神交流。

我是誰？我們的后人依然會提出這樣的問題。

【參考文獻】

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