反覆辯證！你的設計滿足了誰？

在藝術的范疇里，大致分為純藝術以及應用藝術。應用藝術包括室內設計、產品設計、廣告設計、家具舞臺設計等等。最簡單地說，純藝術是創作者先掏腰包完成作品，先不考慮作品是否會被欣賞或被購買；而應用藝術則相反，先有愿意付錢的金主，然后依照現實使用者或預想使用者的需求來創作，兩者的出發點完全不同，產生的結果也大異其趣！

滿足使用機能，是應用藝術創作時的第一優先級。身為一名室內設計師，最大的挑戰是，你可曾反向思考：如果室內設計中將使用者機能抽離，它會剩下些什么？光是提問肯定就有不少人想開罵！尤其是那些愿意付錢給你創作的業主，要他們怎么能接受？

Form follow function，形隨機能，這是應用藝術界的至理明言，形式的位階永遠是附屬在機能之下的！因為無法滿足機能，形式什么都不是！兩者間的矛盾或相生關系到底如何，讓我用“色彩”在繪畫歷史中的角色變遷，來跟大家分享些不同的思維！

在中世紀圣像畫中，紅色代表天主性，藍色代表人性：基督穿著紅色內袍與藍色外氅，表達出基督本身的天主性加上了人性。此時色彩主要是作為繪畫主題的象征性意義表述，至于基督當時到底穿何種顏色的內外袍，反而不是重點！

時序來到19世紀寫實主義的年代，色彩在繪畫中的角色大大改變，同樣是紅色藍色，已經脫離中世紀的天主性與人性象征意義，既然名為寫實，當然是忠實紀錄作畫者眼中所觀看的自然世界或真實生活場景的顏色。

到了20世紀初，色彩在繪畫中又有了全新的定位，藝術家們將色彩當作為一個繪畫的主體來思維，色彩不再為任何主題或對象服務，從此有了自己的創作體系，于是抽象表現主義與之后的畫派，讓色彩走出限制的藩籬，賦予高度的自由，開發出與傳統視覺截然不同的新領域。

讓我們回到主題：如果室內設計不再為機能服務，還是什么？還剩什么？就好像色彩不再擔任繪畫主題的象征性意義，一但恢復其自身的主體性后，這幅繪畫的意義是什么？

往往我們視為牢不可破的從屬關系或先后順序，正是每個創作者都可能掛在身上的無形枷鎖，要如何找到鑰匙，或轉動機關，將約定成俗的觀念透過溝通與思考，轉化為新養分與動力，這才是創作人最大的挑戰。唯有透過創作過程的不斷辯證，才會開展新格局，最后使用機能到底是為誰服務？或為誰滿足？也才會有更貼近真實的答案！