從戲劇演出中剝離出來的舞美設計
——《幕后與臺前——國家大劇院舞臺美術展》觀后感

曹 林

（中國戲曲學院，北京 100073）

舞臺美術

從戲劇演出中剝離出來的舞美設計
——《幕后與臺前——國家大劇院舞臺美術展》觀后感

曹 林

（中國戲曲學院，北京 100073）

《幕后與臺前——國家大劇院舞臺美術展》展現了大劇院的舞美成就，闡述中國的觀演習慣，闡述展覽效果的特殊性，指出舞美設計作品從戲劇演出中剝離出來，進入展廳后，具有了獨特的魅力和獨立的存在價值，可以使觀眾更多地了解舞美設計的意義。

國家大劇院；舞臺美術；展覽；舞臺演出；觀后感

劇場就是一個做夢的空間。在這樣的劇場氛圍里，觀眾通過視聽感官來感受戲劇演出的美學張力。首先映入觀眾眼簾、震蕩觀眾耳膜的，往往是設計巧妙、光色璀璨的舞臺布景，以及場面壯觀、聲音動聽的音響效果。必須承認，普通觀眾不會過度在意什么“寫意性”、“三一律”或者“第四堵墻”等深奧的戲劇理論，或許他們更關心舞臺布景怎樣才能與劇情變化保持同步而實現瞬間變換，他們總會對臺前與幕后所發生的一切充滿好奇。2015年之初的這次展示活動命名為《幕后與臺前——國家大劇院舞臺美術展》，就是為觀眾揭示在劇場這個空間內所發生的一切。以下是我對這次展覽的幾點感想。

首先說，國家大劇院是當今世界上最好的造夢場所之一。作為中國最高檔的表演藝術中心，自開業運營七年以來，已經創作上演了包括歌劇、京劇、話劇、舞劇、音樂劇等不同藝術門類的劇目47部，而每一部劇作的實施都匯聚了國內外一流藝術精英參與其中。尤其是在舞臺美術方面，眾多具有國際水平的舞美設計師加入其中，使國家大劇院在較短時間內實現了舞臺美術在藝術與技術兩個方面的飛速跨越。

相對而言，舞美創作的綜合性在歌劇舞臺上最能得到全面體現。其宏大的敘事內容與音樂形式相融合，形成一個震撼靈魂的核心，它必須以龐大而復雜的場景變化來實現藝術張力的發散，具體說，就是需要視覺上的奇觀，為觀與演之間搭建心靈上的橋梁。歌劇舞臺上往往不僅要再現建筑、雕刻和繪畫一類的具象視覺元素，還要有符合歷史考據的服裝、道具以及不同風格的華麗裝飾，更要具備抽象的燈光空間和亮麗感人的色彩環境。這一切，都需要依靠良好的設計、復雜的工藝制作和機械運行才能得以實現。在歌劇舞臺上，舞美設計不僅給演員提供流暢而完整的表演空間，同時更為觀眾帶來全新的視聽體驗。在某種程度上，舞美設計成了左右演出形式——甚至是決定演出形式的重要因素。所以，這次展覽從劇院制作的47部作品中，選取了最具代表性的21部歌劇的舞美模型和設計圖紙，向觀眾展現了不同風格的舞美設計。其中最大的亮點，是國家大劇院自制的6部歌劇。它們集中體現了國家大劇院的舞美成就：在快步走向國際化的過程中，利用引進劇目和聯合制作的機會，不斷虛心學習國外制作團隊的經驗，積極培養和鍛煉自己的制作隊伍，并已逐漸實現了補充和替代的作用。

展品中除了制作精良的舞臺設計模型和相關設計圖，還有極具代表性的舞臺服裝、道具等實物。通過這些展品，再結合文字和圖片，使觀眾近距離地窺探了設計師們的幕后工作，進而深入感受舞臺美術設計創意對推進戲劇演出的必要作用。就拿《托斯卡》來說，該劇人物造型設計師海蘇斯·路易茲非常注重歷史與戲劇的融合。為了使這部戲既具有一千八百年前的羅馬景象，又富有舞臺服裝的戲劇藝術特性，他在查閱了大量資料的基礎上，進行了大膽的藝術加工。在色彩效果上，通過每幕服裝整體顏色的對比，突出戲劇氣氛和人物的心理變化。如托斯卡在第一幕身著光鮮亮麗的黃色紗裙，突出了她當時的高昂情緒；第二幕中她與斯卡皮亞共進了一頓不歡而散的晚餐，其禮服變為紅色，暗喻她的狂傲；到最后一幕，她的衣飾則以黑色為主，預示著戲劇化的黯淡結尾。另外，觀眾還可以通過一些設計上的技巧與細節，讀懂舞臺上那些色彩搭配的作用。如，為了體現古羅馬貴族的奢華氣派，設計師在服飾上使用了很多帶有宮廷意味的裝飾圖案，以紅色和金色相配合，其間點綴著各色閃亮的寶石，營造出華貴而高雅的視覺效果。在選用面料、裁剪縫紉等工藝手段上，《托斯卡》的服裝也嚴格遵循了歐洲的古典風格要求，使中國觀眾能夠坐在劇院里真實地感受那個年代的服飾質感，從而更好地理解歌劇作品的內涵。

正像這次展覽的主題——“幕后與臺前”所要表達的，展覽的主辦者把展館的四分之一拿出來，專門分解陳列了制作于2012年的威爾第歌劇《假面舞會》。以此劇的幕后和臺前為例，對整個創作過程進行逐層剖析，向觀眾詳盡展示了一部歌劇的舞美設計是如何從紙上概念轉變成真實的舞臺演出的。我想，如果觀眾認真看完了這一部分展示內容，就會對歌劇作品的歷史年代產生興趣，進而引發一些對戲劇思想和設計理念的思考，那么這個展覽的目的就達到了。

其次，想說一下中國的舞臺與觀眾，他們從古以來都沿襲著一套自成體系的欣賞習慣。正如著名戲劇家黃佐臨先生總結的那樣：“虛戈作戲，真假宜人，不像不成戲，太像不是藝，悟得情與理，是戲又是藝。”舞臺美術作為戲劇這門綜合藝術的一個重要組成部分，更多地呈現出視覺上的存在價值。關于視覺藝術的虛與實，中國人經過千百年來的傳承與積淀，逐漸形成了相對固定的審美程式，到石濤這里被理論化地概括為“不似之似似之”。再靠近現在一些，就是繪畫大師齊白石了，他總結了前人的經驗，把道理說得更加清楚，認為中國式的藝術與生活就“妙在似與不似之間”。拿中國繪畫藝術來說，太似為媚俗，不似為欺世。所謂“似”，就是在神情上要“像”，而所謂“不似”，則是指外形不可僵化。由此形成的藝術理論，也可拿來解釋中國的舞臺與觀眾，從中解讀中國觀眾對真與假、虛與實的特殊理解和喜好。

如果一味地認為中國觀眾只是喜歡本土的戲曲，單純強調舞臺上的寫意性，那可能就是大錯特錯了。盡管現成的實物難以佐證前人曾設計制作過變化復雜的舞臺裝置，但我們仍可以從一些零碎的史料中推斷先人的舞臺狀貌。就說明清時期吧，那時候與歐洲文藝復興后期差不多。當時有些朝鮮使臣長期待在中國，他們事無巨細地記錄所見所聞，后來形成了《燕行錄》。在他們的筆記里，就有不少反映清代康熙年間北京的演劇實況。例如洪大容寫于1766年的《湛軒燕記》，就有這樣的記載：“‘場戲’不知倡自何代，而極盛于明末。奇技淫巧，上下狂蕩，甚至于流入大內，耗經費，曠萬機。至于今，戲臺遍天下。嘗見西直門外，有戲具數車，皆藏以紅漆柜子。使人問之，答曰：‘自圓明園罷戲來’蓋皇帝所玩娛也。”這種關于戲劇活動的文字描寫隨處可見。通過這些文字，我們可以推測，至少在明清兩季，從民間商業演出到皇家宮廷娛樂，舞臺上的裝置與裝飾應該是相當復雜的。

到19世紀，具有升降和旋轉等功能的舞臺在歐洲已經相當普及。日本人小川俊朗在他的《劇場工程與舞臺機械》一書中考證，從文藝復興時期的透視布景之后，鏡框式舞臺逐漸流行起來。他認為應該以德國建成于1876年的“拜羅伊特節日劇場”Bayreuth Festival Theatre為標志，鏡框式舞臺至少在19世紀中期已經成熟。比這個時期稍晚一些，歐式的劇院開始傳入中國。

20世紀之初，隨著上海蘭心劇院（Lycenm）的建成，一大批西式鏡框式舞臺相繼發展起來。舞臺表演區加寬加深，還從日本引進了新式轉臺。寬大的伸出式臺唇呈扇形展開，兩側取消了傳統戲臺礙眼的臺柱，使觀演關系變得更加舒適。一時間，老舊的茶園和戲樓無法與之抗衡，被迅速取代。隨著舞臺裝置、機械、燈光和音效等越來越復雜，觀眾對舞臺美術的要求也越來越高，以往喜歡傳統劇目的觀眾也不排斥復雜的寫實布景，視覺藝術的因素開始成為左右劇場效果的主要動因。從當時遺留下來的戲票上，我們可以看到一個有趣的現象——就是很多演出的門票上都分明印著警告語，提示觀眾在劇場看戲過程中，暗場換景期間嚴禁往臺上打手電。這足以證明當時的布景變化有多復雜。觀眾的好奇心反過來又刺激了舞臺美術的發展，到上世紀二三十年代，機關布景一度在上海大肆盛行。歐陽予倩在《自我演戲以來》中記錄到：偵探戲全靠化妝和機關布景。新舞臺對于機關布景特別講究，所以極其賣座。所排演的連臺本戲《濟公活佛》有22本，連演四年，盈利八十萬。

機關布景以營造瑰麗的奇幻場景、表現離奇的情節景象和變換迅速的空間環境為其主要特征。它完全是在寫實布景的基礎上產生與發展的，由布景師與魔術師共同創造而成。布景師求真務實，魔術師爭奇斗怪，在形式上吸收了一些燈彩戲的表現手段，加上機械化的舞臺裝置和光電控制而構成。它代表了一個時代舞臺美術和舞臺科技的發展水平。當然，其美術設計與制作呈現，沒有大量資金和人力的投入，也是不可能實現的。

隨著劇場技術和管理方面的進步，我們已經進入到一個以視覺藝術統領舞臺演出的時代。在今天，如果還為一部戲的創作，爭論使用寫實還是寫意的布景哪個更好，已經完全沒有意義了。問題的關鍵，就是不論在藝術層面還是技術層面，可供我們選擇的空間非常巨大。在欣賞舞臺演出的普遍美學原則這個點上，中國觀眾與其他任何民族的觀眾并沒有什么兩樣——進劇場就是為了夢想。因此，人們在關注“幕后與臺前”的興趣點上逐漸趨同——就是要有效利用舞臺布景、燈光照明和人物造型等傳統意義上的“舞美設計”手段進行各種造夢與圓夢，這已成為天經地義的事情。

最后，再說一下關于展覽效果的特殊性。通常，觀眾對舞臺空間的感受，都是在劇場里進行的。頻繁變換場景，加強視聽感官效果，是當代劇場吸引觀眾的重要因素之一，這一點不可否認，這與現代美學或風格有密切的關系。客觀上，一出戲場景的多寡實際牽涉到技術的限制，更多的是在主觀上會受到劇種或媒體特性的影響。觀眾的感官系統會隨著劇情的變化而自我調整，一直保持新鮮感。相對而言，強烈的視聽刺激和火爆的動作場面更讓人興奮、引人關注，這或許也是當今更多觀眾愿意走進電影院的重要原因之一——這看上去像一句題外話。但這里所說的視聽效果，其實就是所謂的“舞臺美術”。

人們普遍認為舞臺美術應該依賴于戲劇而存在，在概念上帶有某些從屬的色彩——它幾乎不能單獨成為藝術作品。一方面，它具有時間上的限定性，既有時長的總量限定，又有各個時段的情節限定，它創造和組織戲劇動作空間，表現動作發生的地點環境。所以它很難被固化下來，成為一個靜止的獨立畫面；另一方面，它又帶有強烈的空間感和運動性質，舞臺上演員與劇情的延續流動，劇院里觀演之間的情感互動，以及舞臺上光、影、色的變動，它們共同形成了一個有生命律動的氣場，構成劇情所需的情調和氣氛。

所以，舞臺上各個視覺藝術因素的動與靜都是相對而言的。比如古典主義的“三一律”，嚴格執行“一景到底”的寫實環境，但其中也會出現微妙的光影變化，以示早中晚的時間推移。當然，這一類場景變化貧乏的戲劇，并非因為劇場換景技術不發達，而往往是劇作本身在刻意強調情節內容和人物內心的矛盾沖突。在這一點上，場景數量的多寡并不能代表劇目內容是否豐富。不過有時候，盡量壓縮減少場景數量的原因，可能來自于經費預算上的考慮。

所謂的“舞臺美術”也是由具體物質構件所組成，布景、裝置、燈光音響和服裝化裝，以及多媒體影像，都帶有明確的物理屬性。它們通過某種技術手段而得以體現，在藝術創作上屬二度創造。它們根據戲劇的要求，所創造的形象在幕后與臺前交叉出現，幫助演員揭示人物的內心世界和劇本所表現的思想內容。從這一點上看，舞臺美術確實帶有先天的從屬性質。

但是，如果把這一切都從戲劇演出中剝離出來，把它們從舞臺上拿下來，搬到展廳里，性質就完全改變了。也就是說，當舞臺空間的表達方式移動到展廳里的時候，那些脫離了劇情的物件就立即成為靜態的展品，先前那些所謂的舞美設計作品，就會給觀眾帶來完全不同的視覺體驗和感受。在劇場里的觀眾，被巨大的舞臺布景和演出環境所包圍，在觀與演之間共同圍成一個閉合的場。而在展廳里，觀眾與展品——舞臺模型或設計圖——之間，是一對一的對視、俯視或平視。那些舞臺模型的比例關系一般都在真實舞臺的1：50至1：25之間，觀眾的視覺領域包裹著舞臺模型。從這個角度看，舞臺美術就具備了獨立的存在價值。

當這些普通的工作模型被擺到展臺上，在特定角度和亮度的燈光照射下，這些作品立即被賦予了雙重“假定性”。同樣，那些平時只出現在幕后與臺前的舞臺布景和裝置——當它們的制作環節被一一分解，當表演服裝被單獨陳列在模特臺上，當制作精良的大小道具真假難辨，當變幻萬千的戲劇燈光被還原為燈位圖紙——舞臺美術所獨有的豐富性，便再一次爆發出它獨有的魅力。

今天，舞臺美術已經裂變出多維功能：一方面，它繼續為戲劇服務，以引人入勝的視聽效果創造并增強舞臺空間的生命力；另一方面，它作為獨立的創意手段，在更廣闊的社會生活空間里施展“大舞美”的作用——當然，這又是另外一個話題。無論如何，當你走進劇場，大幕拉開，場燈暗下，經過精心組織和排練的演出終于要跟觀眾見面了。通常情況下，觀眾看到的只是臺前的戲劇演出，對于幕后的一切則沒有機會得以見識。在展廳里，觀眾不僅可以滿足對幕后與臺前的好奇心，也可以在這里體驗特殊的美感享受。在這樣的前提下，模型就不單單是用來說明和演示舞臺空間了，它本身就成為一件藝術品。在這里，觀眾近距離面對舞臺上的物件，他們會自覺地把戲劇美學的尺度與視覺藝術的尺度相互換算，用比例、色彩、明暗、節奏、對比，以及材料的肌理感、工藝的精致度、造型的藝術性、光影的文學化來衡量它們的價值所在。任何微妙的視覺變化，都會給觀眾留下深刻的印象。能理解這些，就能理解為什么我們要時常舉辦獨立的“舞美設計展”了。

（文中圖片由國家大劇院提供，攝影：凌風）

（編輯 張冠華）

The Stage Design Stripped out from the Theater Performances - Feedback of 'Scenes beyond the Stage- Exhibition of NCPC Productions' Set Design'

CAO Lin
（National Academy of Chinese Theatre Arts, Beijing 100073, China）

The choreography achievements of theater was showed in the 'Scenes beyond the stage- Exhibition of NCPC productions' set design'. The author elaborated the habits of watching the show in China, explained the special nature of the exhibition effect, and pointed out that the stage design has a unique charm and independent existence value after stripped out from the theater performances and into the hall. Therefore, the audience can learn more about the signif i cance of stage design.

national theatre; stage design; exhibition; stage performances; feedback

10.3969/j.issn.1674-8239.2015.06.012