阿卡貝拉在當下流行音樂中的趨勢

[摘要]從20世紀末到今天是阿卡貝拉真正的大發展時期。當代的阿卡貝拉演唱包羅萬象，已經不再是單純的無伴奏人聲合唱，而是不依靠任何樂器，由人聲來演奏的聲音藝術。20世紀中期是一個過渡期，隨著流行音樂風格爆炸式的發展，阿卡貝拉也在逐漸改變自己以順應時代。由于沒有樂器聲音略顯單薄，年輕人開始絞盡腦汁想盡辦法模仿樂隊一樣奏出華麗豐滿的樂曲。人們模仿一切可以聽到的樂器和聲音去充實演唱。當架子鼓出現在樂隊演出之后，人聲打擊樂也緊隨其后。在電子音樂發展起來之后又融合了音效，最終形成了現代的Beatbox藝術形式。

[關鍵詞]阿卡貝拉；傳統合唱；風格

中圖分類號：J65

文獻標志碼：A

文章編號：1007-2233（2016）11-0061-02

近些年，通過電視節目、網絡平臺和高校社團的推廣，“阿卡貝拉”這個詞頻頻出現并逐漸走進大眾的視野。本文就阿卡貝拉這種音樂形式的發展歷史、與傳統合唱的區別、當代阿卡貝拉的風格與流派等內容進行論述。

一、阿卡貝拉發展概況阿卡貝拉是意大利語“a cappella”的音譯，最早出現于教堂音樂盛行的15—16世紀的歐洲，原意指“教堂風格的”，并沒有特指無伴奏的意思。只是隨著教堂音樂摒棄華麗復雜、提倡樸實的歌頌，再加上此類歌曲均以無伴奏的形式記錄，因此，阿卡貝拉被釋義為“無伴奏合唱”并沿用至今。并且在器樂流行之前，阿卡貝拉成為最重要的音樂表現形式。

阿卡貝拉的出現和發展都是基于人們對于用聲音表達情感的渴望。文藝復興時期教堂風格的阿卡貝拉演唱中音樂還只是文字的輔助，其表現能力受制于樸素的音樂結構以及單一的演唱方式。17世紀之后器樂代替阿卡貝拉成為音樂表演的主體，幾乎所有與音樂有關的表演形式都要有樂器的存在，使得合唱、歌劇等演唱形式有了革命性的變革。這一時期，雖然阿卡貝拉的表演形式進入了衰退期，但這個時代對其編曲以及唱法的影響具有劃時代的意義。隨著古典主義時期和聲方法的確立，合唱作曲家開始模仿古典音樂的記譜和編曲方式，將人聲用音色分成女高音（S）、女低音（A）、男高音（T）、男低音（B）四個聲部，并確定節奏與音高，作品因此變得復雜而結構鮮明。其中：女高音就像管弦樂隊中的弦樂，是主旋律的表演者；女低音像木管樂器，是低頻與高頻音色的橋梁，把整體的音色柔化拋光；男高音則像銅管樂器，明亮有力，撐起整個聲音的骨架；男低音等同于低音提琴或貝司，通常有很低的音域，作為和聲織體的基礎，起到穩定和聲和穩定節奏的作用。總之，從這個時期開始，阿卡貝拉的編曲結構趨于嚴謹，和聲更具張力，真正地做到了聲音的“橫向的流動”和“縱向的和諧”。

20世紀初，以美國高校和非洲裔美國人社區為起點，開始了對阿卡貝拉嶄新的嘗試。1906年，耶魯大學14個男生成立了第一個阿卡貝拉社團（Yale Wiffenpoofs），同時期在美國的非洲裔社區里，一個名叫Barbershop的四人合唱形式開始興起。學院派的阿卡貝拉懷舊一般地延續了中世紀的教堂音樂，同時用學院派的方式嘗試演唱流行歌曲。非洲裔美國人的無伴奏演唱形式則是為了省樂器的運輸經費而被迫形成的。他們只是用簡單的語言和與生俱來的音樂天賦傾訴情感，這種音樂來源于生活，并不精巧于結構，但他們對于阿卡貝拉日后音樂風格的多樣性做出了獨樹一幟的貢獻。

20世紀中期是一個過渡期，隨著流行音樂風格爆炸式的發展，阿卡貝拉也在逐漸改變自己以順應時代。由于沒有樂器聲音略顯單薄，年輕人開始絞盡腦汁想盡辦法模仿樂隊一樣奏出華麗豐滿的樂曲。人們模仿一切可以聽到的樂器和聲音去充實演唱。當架子鼓出現在樂隊演出之后，人聲打擊樂也緊隨其后。在電子音樂發展起來之后又融合了音效，最終形成了現代的Beatbox藝術形式。

從20世紀末到今天則是阿卡貝拉真正的大發展時期。當代的阿卡貝拉演唱包羅萬象，已經不再是單純的無伴奏人聲合唱，而是不依靠任何樂器，由人聲來演奏的聲音藝術。單純從聲音的多樣性來看，讓人覺得“凡所應有，無所不有。雖人有百手，手有百指，不能指其一端；人有百口，口有百舌，不能名其一處也”，讓人很難想象如此豐富的聲音是由僅僅幾個人發出的。

二、阿卡貝拉與傳統合唱的區別一是表演形式的區別。阿卡貝拉樂團不像傳統合唱團莊重地站在舞臺上，表演者需要配合樂曲的行進編排舞蹈、肢體動作、表情、劇情、幽默等形式，與觀眾形成互動，所以更加有趣味性。并且阿卡貝拉樂團人數明顯少于傳統合唱團，這樣便于在沒有指揮的情況下控制節奏。同時聲音會更加聚集，可以進行更加復雜的表演和情緒的表達。成員之間靠眼神交流和肢體動作（跺腳、揮手、點頭等）便可以調節整首歌曲的節奏和韻律，不再需要單一的指揮。

區別二是對聲音的運用。阿卡貝拉樂團不再局限在模仿樂器和自然的聲音，更多的一些聲音被創造出來，如“海豚音”“復調泛音”“黑嗓”等不同音樂流派的聲音藝術被運用到演出當中。這樣用有限的資源去創造無限的可能，人們不斷地探索自己、發現自己獨一無二的聲音，再將重新發現與再創造的自己傳達給別人，這也把阿卡貝拉推向一個新境界和新高度。同時，阿卡貝拉的編曲超越了曲譜和語言所能表述的范圍，是想象力的具象化，也是人類創造力的體現。西方有句名言：言語止于音樂，而聲音藝術是超越文字與音符的更高層次的表達與交流方式。

第三個區別是阿卡貝拉更注重個體的表現力。曲譜與文字無法完全描述表現阿卡貝拉音樂內容的一個重要原因就是編曲要配合個人的演唱特點。傳統合唱追求聲音的統一與融合，要求所有的成員消除個性，只保留共性，所以無論換多少合唱團，只要譜子不變，表達就不會有大的差別。而阿卡貝拉編曲一般聲部數量與人數相等，每個聲部也是與個人演唱風格和特點緊密結合，以求將個人能力發揮到極致。這就導致很多歌曲無法完全再現，每首作品換另一群人唱出來就完全不同，這種獨特性的魅力也正是阿卡貝拉能夠興盛的最重要的原因之一。

三、現代阿卡貝拉的流派與風格第一種叫古典派，這是一種配置延續了SATB的清唱團，有時男低音聲部會客串人聲打擊樂。與傳統的無伴奏合唱相比，古典派阿卡貝拉對于聲音的運用更加豐富。代表樂團有英國國王歌手合唱團（The Kings Singers）。他們的發聲方法還是傳統美聲的方法，但是表演詼諧幽默，表演古典音樂時就像一個交響樂團一樣，分工明確，各司其職；但對一些細節的處理會讓人眼前一亮，充滿驚喜，同時他們開創性的改編賦予了古典音樂作品新的生命。

第二類是流行樂派，也被稱作“人聲樂隊”，整體配置與標準的搖滾、朋克樂隊相似。隊員分為主唱、女二或男二、貝司和Beatbox。專業的流行樂派樂團都是5～6人，表演時用擴音設備和效果器，以加強Beatbox和貝司的低音以及聲音效果。代表團體有美國的Pentatonix。與古典派和學院派的團隊可以在保持整體結構不變的同時也能保證團員流動性不變，流行樂派的團員一旦更換就無法重現之前的作品，而別的團隊翻唱時也必須修改樂譜。

第三種是將阿卡貝拉這種音樂形式發揮到極致的樂派，以北歐國家的樂團為代表，他們運用極限的人聲、極其精湛的聲音控制以及對于效果器的運用達到登峰造極的演唱效果。芬蘭的Rajation、皇者之聲（Club for Five），瑞典的真實之聲（The Real Group）等團體都是頂尖的阿卡貝拉樂團。這些團隊的每個人都經過嚴格的古典音樂訓練，對于聲音的控制極其精細，演唱時放松愉悅，但帶給觀眾的卻是靈魂的震撼。他們的音樂大多為原創，改編已有曲目也是在推翻前作的同時保留精髓，結合一切世界上可以運用的音樂風格，將作品打造得既與眾不同又震撼人心。

結 語阿卡貝拉是一種集體創造力的體現，是一種跨越很多局限、打破桎梏的音樂形式。當同樣的內容由眾多聲音一起表述，構建起聲音的建筑，這樣的音樂便直擊靈魂、震撼人心，這也正是阿卡貝拉的魅力所在。而每一個參與其中的個體，成為這個聲音建筑結構中獨一無二的一部分時，在表達和聆聽中“子之心而與吾同”，便是十足的珍貴。

[參 考 文 獻]

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（責任編輯：邢曉萌）