我的“黑白+”攝影

在彩色攝影的時代，黑白這種表現形式已經從當初受成像物料限制的“無奈”之舉，轉而形成特意而為的藝術追求，通過對色彩的轉化和凝煉，以灰階層次賦予了畫面新的構成效果和意義。而在黑白中仍保留乃至夸張出某一局部的色彩，則在強化視覺主體的基礎上，更具有一定觀念的表達。田衛平便是以畫家的眼光，并用這種“黑白+”的形式，來強調環境中某些物體的符號化語言的。

我是個油畫家，照相機是我收集創作素材的主要工具，攝影也就理所當然地成了我的業余愛好。一個畫家的攝影作品與一個攝影家的攝影作品的不同，其根源在于他們對結構畫面的要求不同。畫家總會以一個畫家的眼光去發現、選擇攝影對象，再有意無意地用繪畫中的構圖理論、平面構成理論、色彩構成理論去結構畫面。所以，畫家的攝影作品往往比攝影家的作品更有“畫意”。自從有了攝影術之后繪畫極力地避免與照片相似。如果有人評價一幅攝影作品象畫一樣美，這一定是贊美之辭。但如果有人評價一幅繪畫作品畫得象照片一樣，這很可能就是一種批評了，這就意味著這個畫家沒有什么藝術創造力。

一個成熟的畫家的作品一定會體現出明確的個人藝術風格，攝影亦如此，沒有個人藝術風格的攝影家不能稱其為攝影家，只能算是一個攝影者。藝術風格是無法追求的，它是綜合素養的體現。就繪畫作品和攝影作品這種以兩維空間平面形式展示的視覺藝術而言，體現作品風格的語言就是平面視覺形式語言，簡而言之，形式的體現即風格的體現。所以我主張學攝影的人一定要研究平面構成和色彩構成這兩門視覺形式語言的基本理論。

藝術創作的關鍵在于發現美之所在，然后將美表現出來，而能發現美之所在則是長期審美修養的結果。就攝影而言，雖有現代電子暗房的后期處理，但它仍是對客觀物象的真實記錄。攝影對象是否“藝術的存在”很大程度上決定了攝影作品的藝術含量，所謂“藝術的存在”即符合視覺形式的存在。對于藝術修養不高、缺乏審美判斷力的攝影者來說，即使攝影對象“藝術的存在”，也不會被他發現，被他攝取下來。當下照相機的高度自動化已經在很大程度上將攝影者從技術的困擾中解脫出來，當攝影如此大眾化的時候，當攝影技術層面的問題不再是主要問題的時候，攝影藝術層面的問題便更加凸顯。

我喜歡形式感很強的畫面，我也總能發現那些形式感很強的“藝術的存在”的自然景觀和人文景觀。我是一個喜歡平靜的人，畫如其人，我的繪畫作品、攝影作品中很少有那些熱鬧的場面，大部分作品都是一些平靜的畫面。《歐洲紀行》系列攝影是我2015年在歐洲兩個月的旅行攝影紀實。這組作品是以“黑白+”的形式結構畫面，既大面積黑白+局部色彩。早期的黑白攝影是攝影技術不發達使然，是無奈之舉。現在的黑白攝影是在彩色攝影技術發達的情況下對色彩的屏蔽，是一種藝術追求。我的“黑白+”攝影屏蔽了紛雜的色彩使畫面基本呈黑白狀態，只選擇性地保留了局部色彩。局部色彩是在拍攝現場通過sony a7R或黑卡4照相機預設濾鏡選取的，通過電子取景器能夠預先看到拍攝效果。大面積的黑白構成了畫面單純的品格，局部色彩突出了視覺重點、趣味點，同時也使單純的黑白畫面生動起來。“黑白+”不僅僅是黑白加上局部色彩，而是同時加上了局部突變的差異性，加上視覺重點，加上趣味性，加上生動性，加上作者的藝術修養……。用照相機預設濾鏡拍“黑白+”有一點遺憾，就是只能拍jpg格式。

我在攝影過程中非常注重構圖，我認為構圖是攝影的第一要素，構圖是給觀者的第一印象。我追求一次性構圖的精確性，很少在后期加工中進行第二次構圖剪裁，這樣可以最大程度地利用數碼照相機提供的像素極限，以利于以后的擴印與出版。