論演奏者的音樂感知及心理調控

郭媛媛

（濱州學院藝術學院，山東 濱州 256603）

論演奏者的音樂感知及心理調控

郭媛媛

（濱州學院藝術學院，山東 濱州 256603）

過于意識到聽眾的存在，是登臺演奏的危險之一，心中不可有 期盼音樂達到某種效果的強烈企圖，亦不可想要取悅聽眾。演奏家與聽眾之間，最佳交流方式是：演奏家一旦開始演奏，便忘記聽眾的存在，只有當演奏者專注于音樂時，才可達到最佳的音樂表現效果。

音樂感知；心理調控

演奏者為音樂創造提供了更多色彩的潛能。靈感并非天賜的禮物，亦不會在機械的練習后，奢望靈感會在登臺的那一刻突然降臨。不應只為音樂之美陶醉，而應努力探索她美的起因，明了其法則及內涵，理性領悟后，演繹時合理調控情緒，才會迸發靈感的火花。

一、音樂藝術的感知

世上沒有完全標準的音樂思路，音樂演奏亦然。關于演奏一首樂曲的方式，須經過多種可能的表現手法，充分做到后才可決定，到底應采用哪一種。樂句的表達和層次的平衡有許多種手法。音樂的表現方式就像一個萬花筒，但需要選擇一種而舍棄其他。

作曲家是具有兩元性的創作角色，在音樂中，思想與情感是不可分離的，理智與直覺同樣也密不可分，所有這些要素成為一體，通過透徹的觀察了解到一部作品的結構。愛因斯坦說，宇宙最無法解釋的現象就是它是可以解釋的。音樂最無法解釋的現象就是它的可解釋性。每次分析樂譜之后，總有一些因素是無法理解的，這正是音樂超脫的特性。

演奏者只能見到完整的成品，因此必須尋找重新將整體分解為細節的途徑，即使作曲家創作時依賴于潛意識的本能，在思潮洶涌之際寫成，演奏者仍需運用理智、理解力和觀察力，以便能有意識的去再創造潛意識的精神。倘若演奏者單憑直覺，可能會有全然不同的結果。如果演奏者能夠以理性的觀察，來證實自己對作品的直覺，就表示演奏者沿用了源于作曲家的創意與形式，如此便可以避免主觀錯誤地解釋作品。

當演奏者接觸到觀眾，往往會帶來新的因素，它可能激發靈感，也或者會帶來不安，因為演奏者轉移了自己的習慣性練習和建立自信的獨處狀態。演奏者在再創造的過程中，相當于譜寫一首新的作品，能夠將它們先分解再組合起來——總是會有一種創造性的過程能夠協助演奏者透視作曲家的世界。

二、合奏的魅力

合奏的基礎來自于相互聆聽，當只有一個人獨奏，像鋼琴一類的樂器時，每一個手或者每一個手指都必須聽到另一個手或者手指，不能單獨地彈奏。一旦與他人合奏，例如小提琴或者歌唱家，音樂的表現基礎便來自于合作者。傾聽，是比一般聽見要更為主動的過程，不僅要保持自身的演奏，同時又須聽到同伴，并不是一件容易的事情。

一個聲部如何決定另一個聲部的動態或靜態呢？不同聲部的重要性或次要性，是否可以由某種等級制度來決定呢？倘若如此，那么是由合奏樂器中的絕對力量來決定，還是由樂句的重要性來決定呢？倘若是前者，那么每一件樂器就需要不間斷的全力演奏，因此，可以得知，是音樂內容決定了力度上的等級關系，再決定由某一件或某一組樂器占主要地位，因此，不同樂器或聲部之間，應建立起一種正確的平衡狀態以突顯音樂的訊息，并反映出各個聲部或樂器之間的相互關系。這將會給演奏者一個總體的重量感，將會影響演奏者的速度。例如：正在運動的物體的重量決定它運動的速度。

一個優秀的音樂詮釋者，所要具備的重要特征，是要能維持各聲部或者樂器間的層次平衡。真正的平衡狀態是每一個聲部都可以聽到且出現的恰如其分。每個聲部或樂器必須發音清晰才能與其它聲部相互作用。不同的聲部可能以不同方式相互受到影響，例如：經過角色自我的轉換或經由其他聲部的接觸后，不同聲部的位置并不影響整體。即：每個聲部必須保留其特色，與其它聲部接觸會無止境的產生更多的獨特性，且無需為此而喪失自己的特性。

樂器之間的合作，積極性與原動力來自于演奏者，這種合作結合了隊員之間的溫馨人際關系，其重要性非比尋常，在普通團體中，很少見到如此專業氛圍和對卓越品質的追求，會感覺到每個人不僅要顯示他們的光輝歷史，還有對音樂的專注，以此來達到樂隊演奏可能的最高境界，這是非常激勵人心的。

三、感受力調控演奏狀態

作為演奏者，應充分理解音樂的法則和成分。莎士比亞曾將技能定義為理性，靈感是在理性思考之后，才會到來。作為演奏者，需要心無二用，因為與聽眾最好的交流首先是通過自身的音樂交流來達到的。

倘若試圖以哲學來理解音樂，會發現包含三個范疇：物理的、先驗的以及心理的。物理的——是因為音樂作品只能以物理的聲音來呈現且必須符合聲學原理；先驗的——由于能表達超實體的意境，表現力如詩歌一般能聽到靜寂；心理的——音樂作品中不同的因素有著不同的作用，和聲、結構和節奏是密切相關的。

音樂的演奏取決與音樂之間的平衡，音樂的表現和每個技術的難點是無法分開的，樂譜上的速度是基本要素，難度更大的是整個樂章的表情、旋律線條、分句法和激情。倘若樂感、句法和表情在手指靈活性的技術問題解決之后在加入，就太晚了，它們必須融為一體。如果機械式的練習，音樂的原意就有可能被更改。

內心聽到聲音和樂句的進行、對音樂強烈的感受力及與音樂之間的互動，是演奏家最重要的素質，也是一種無法傳授的素質。一位演奏家在演奏中的熱烈程度，決定了他偉大與否。假設：鋼琴家要彈奏一個突強音（Sforzando），又不希望聽上去突兀粗糙，就需要停靠在這個音上。如果無法達到這種音樂效果，那么便僅僅是帶來手指上的痛感。鋼琴家對于鍵盤傳達音樂的強烈感受力，會傳遞到聽眾身上，并為他們所體會。

音樂中具有無限特質，作為演奏者要深入體會，將有限的力量創造出無限幻象。在研究音樂時，需要得知某一樂句是否在技術上較難控制或者會使得演奏者由于過于激動將理解力和理智棄之一邊。作為一位演奏家，需要將品味與直覺、思考與分析充分結，所有詮釋都必須盡可能自然。演奏者必須在音樂中尋找天真、鮮活和純正的表情，與矯揉造作截然不同——接觸一件藝術作品最開始階段，應天真質樸。下一個較為復雜的階段，是思考作曲家的創作手法及如何通過分析觀察來掌握它。接下來，進入理性的第三階段，對作品有更進一步的理解，一種具有藝術的天真單純。天真，并非幼稚，就像善感并不意味著傷感。在音樂演奏藝術中，天真的成分極為重要。

四、結語

沒有一種演奏代表了路的盡頭，因為它是另一種全新演奏的開始。它是從前所有演奏成果的積累，也是下一段演奏的前奏。每一次演奏都必須使演奏者從中獲得進一步的了解。對演奏家來說。重要的不只是靠直覺和潛意識來研究一首作品，而必須觀察、消化作曲家創作作品時采用的不同因素。從而在演繹作品時進行心理調控，真正發掘再創造的方式?！?/p>

[1]樊禾心.鋼琴教學論.上海音樂出版社,2007.

[2]林華.音樂審美與民族心理.上海音樂學院出版社,2010.

[3]雷吉娜·斯門江卡.如何演奏肖邦.中國文聯出版社,2009.