首開秒罄新秀 吳季璁曬出實驗“國畫”

此次巴塞爾藝術展香港展會攜手來自32個國家及地區的248間頂尖藝廊，包括28間全新藝廊，其中有來自美洲及歐洲的藝廊，以及來自東方的新生代畫廊，呈現油畫、雕塑、繪畫、裝置藝術、攝影、錄像及數碼作品。在這場藝術界的“滿漢全席”上，收藏家想要搶占一席必須“快、狠、準”。世界畫廊（Galerie du Monde）總監楊永金說本次是參展巴塞爾藝術展六屆以來，首次在展會首日就Sold out，本期，我們為你帶來這位備受各國收藏家關注的鮮肉藝術家——吳季璁。

巴塞爾藝術展

巴塞爾是巴塞爾藝術展的起步點，亦是藝術展的成功典范。多個世紀以來緊守文化重鎮的名聲。巴塞爾擁有37家國際著名國營博物館和私人博物館，收藏不少世界知名作品。展會期間多個博物館舉行特別展覽及活動，讓藝廊和與會者有更多體驗交流的機會。

1970年第一屆巴塞爾藝術展于瑞士巴塞爾舉行，其位于瑞士、德國，與法國的邊界，獨特地理位置加上其世界級博物館、劇場、音樂廳，被譽為是歐洲的文化重鎮。巴塞爾藝術展在瑞士巴塞爾博覽館（Messe Basel，Messeplatz）舉行。一號展館在1999年落成，由瑞士建筑師及藝術收藏家Theo Hotz設計，二號展館是當地地標性建筑，于上世紀50年代落成，由Hans Hoffmann設計。展會期間市內各藝術基構及私人藝術團體同期舉辦各項藝術展覽及文化活動，成就巴塞爾藝術展地區性地位。

巴塞爾展會設有八個展覽專區：藝廊薈萃（Galleries）、策展專題（Feature）、藝創宣言（Statements）、限量編制（Edition）、意象無限（Unlimited）、城藝之旅（Parcours）、光映現場（Film）、藝文出版（Magazines）。與會者可感受到多面性的現代與當代藝術，展出的作品包括繪畫、雕塑、經典攝影，以至超大型規模作品、專人策展項目、與城市互動的創作，在市內多個歷史性地點可以看到。

巴塞爾藝術展主要展示和銷售當代藝術，于1970年在瑞士創辦，2002年于美國邁阿密舉行首展，2013年登陸香港，掀開亞洲藝術市場的新一頁。該藝術展現在每年分別于巴塞爾、邁阿密和香港三地舉行，被認為是最具代表眭的國際藝術博覽會。

吳季璁 不負陽光不負“氰”

在繽彩紛呈的各大藝廊之間，世界畫廊（Galerie du Monde）的展廳顯得格外素凈，一幅看似國畫山水的《氰山集之二十四》已占據藝廊門前，沿著幽靜的拐角進入，是獨枝《小品之六菊》影像作品、再一座挺立的“氰山”，最終進入神秘的心臟——微觀“鐵絲網”肌理視界，這是一位青年新實驗藝術家——吳季璁的個展。創新的當代語言與中國傳統山水畫的結合，讓眾多收藏家眼前一亮，世界畫廊總監楊永金表示“我們每年都參加巴塞爾藝術展香港展會，這是第一次在開幕當晚2小時內就售罄，吳季璁的六件‘氰山集系列作品被來自不同地域（亞洲、歐洲、美洲）、不同年齡段（30-60歲）的收藏家收購。吳季璁的影像裝置藝術在臺灣頗受矚目，我們也留意了他很久，他一直在探尋各種創新手法表達中國傳統國畫的美感，最近吳季璁在柏林建立工作室，創作狀態很穩定。因此，我們這次會以吳季璁的個展為主，沒想到在展覽首日就如此大受歡迎。”

將光走過的痕跡留下

此系列攝影作品為傳統中國山水畫“皴法”技法的重新詮釋。運用氰版攝影作品的原理將涂怖感光藥劑的宣紙揉皺后曝曬于陽光下，記錄紙張在曝光后所產生的視覺效果。氰版攝影佐以作為留白的空白宣紙層層拼貼；這實驗性的作品視覺上仿若峻嶺深山和洶涌藍海，建構出宛如山水又似風景畫的攝影蒙太奇。

讓小品精致流動

錄像《煙林圖》與《小品》作品以探討傳統中國山水繪畫與流動影像之間的關系，試圖描述其中流變不定、交錯與暖昧的狀態。《小品》的靈感，可以溯至法國巴比松畫派。讀中學時，巴比松畫派畫家科洛的名作到臺北展覽，吳季璁覺得那分明是一幅水墨畫。拍《小品》的時候，他一直想著那幅畫，“一開始煙霧彌漫，形成更多留白，是東方的意境與想象，慢慢地樹木浮現，就像巴比松畫派描繪的楓丹白露的森林。二者中間沒有絕對的界限。”在他看來，巴比松畫派藝術家的生活方式以及他們與自然的關系，跟東方文化接近，他們對自然神秘感的想象，與東方文化也有內在關聯。

對話 吳季璁

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吳季璁自幼學習傳統繪畫，就讀于臺北藝術大學期間開始專注于多媒體影像和裝置藝術，山水在他眼中從來不是為了再現一時一地的景色，而是文人創造的想象空間。“文人藝術的傳統就是追求個人自由，山水畫可居可觀可游，非常有想象力，根植在日常又抽離出來，甚至有某種沉迷，非常吸引我。”在展會現場吳季璁帶我們步入他的奇妙藝術世界。

P：你什么時候開始用氰版技法做實驗藝術的？當初為什么會有這種想法？

吳季璁：我最初于2012年的《皴法習作》系列使用氰版創作，創作動機始于對數位攝影的不滿足。數位攝影透過后制和輸出，可以做任何影像創作，看似方便但其實只有一種方式做攝影。于是我回頭尋找更原始、古老的攝影技術一具有高度的開放性，也可以結合各種材質，于是開始了氰版直接攝影（無相機攝影）的實驗，把氰版藥劑涂怖在宣紙上，再揉皺紙張放到陽光下感光，記錄紙張上皺褶紋理的光影。我尤其感興趣它在日光下曝曬的過程，充滿隨機不可控制的變化，這種手法同時也回到攝影最原始的概念——記錄光線，以光做畫。

P：比如《氰山集之二十四》的創作時間需要多久？

吳季璁：《氰山集之二十四》花了約三個月的制作時間，從《皴法習作》發展成《氰山集》的拼貼技法是為了融合實驗攝影與繪畫語言，也嘗試更大尺幅氰版攝影的可能性。其挑戰在于畫面遠觀是個開闊完整的構圖，近觀則希望能做到處處都是景，可觀可游可居，重新詮釋傳統繪畫的美學和意境。

P：一層一層地鋪陳著畫面時，你內心會有預設嗎？還是有的效果是隨機意想不到的？

吳季璁：每件《氰山集》都是順應著相紙上隨機的皺褶紋理去發展，透過微觀去想像、置身其中，再藉由拼貼相紙和空白宣紙的過程中型塑留白的空間和云霧流水，把我對于這些隨機的光影與皺摺的想像慢慢具體化。這樣的隨機和不可控制性是此系列創作的核心概念，所以每件作品各不相同。

P：哪位中國水墨畫藝術家對你啟發最大？

吳季璁：歷代都有我喜歡的水墨畫家，不過最讓我覺得有啟發性的是黃賓虹和林風眠。他們鉆研、傳承藝術傳統，同時開放地吸收西方新知，用其開闊的胸懷視野啟發后進，對社會發展和文化傳承有高度的使命感，這樣的文^精神讓我景仰目頗有共鳴。

P：在你的作品中，無論是《氰山集》還是影像作品《菊》，都似乎有對“時光意義”的思考，讓觀者依當前的“效果”可以尋思到創作的過程，陽光的日曬過程，或是生命變化的過程，你是否也在嘗試著尋找一種體現藝術品生命時光維度的方式，讓藝術品的呈現不局限于當下？

吳季璁：確實時間一直是我創作中關鍵的元素。我從小學習傳統東西方的繪畫，但過于技術性的訓練，欠缺思考上的啟發，進入大學時對繪畫創作的興趣早已消磨殆盡。所以我的創作開始于錄像和機械裝置等……思考時間性的媒體是當初突破傳統藝術框架的關鍵，讓我對藝術創作的可能性有更開闊的想象。新媒體藝術的多元實驗和觀念辯證，成為我研究方法的核心，開啟不同的視野回顧傳統，也越來越意識到東方有其獨特的宇宙觀和時間觀，讓我十分著迷。

比如傳統山水的時空是非常唯心而充滿個人情懷的，不同于西方風景繪畫的再現自然。過去文人受儒家教育，必須出仕任官服務社會，所以文人藝術成為抒發個人情感和自由的出口，而山水正是描繪他們想像寄情的另—個世界，超脫于我們所處的現實。

有趣的是，這和我們時代著迷于媒體創造的虛擬世界，不謀而合。

P：最后，請談談藝術的未來可能？

吳季璁：或許我只能從自己的創作脈絡去談我所期許的未來發展。從傳統的藝術養成到新媒體的創作，我一直有感于東西文化間的拉扯、傳統與現當代藝術之間的斷裂，這其實也是亞洲文化藝術百年來發展的基調。而歐美主導的當代藝術世界在高度全球化下，更加速區域文化差異的消失，走向趨同而均質。所以這八九年來，我思考的中心在于怎么樣的藝術實踐，能去開啟更兼容多元的可能性，讓各地特有的區域文化藝術得以延續發展。

吳季璁

1981年出生于臺北，2004年畢業于國立臺北藝術大學美術系。致力于攝影、錄像、裝置、油畫與舞臺設計，其作品透過不同媒材，關注于影像本質的創作及討論。他曾獲臺北美術獎優秀獎（2003年）、波蘭媒體藝術雙年展（WRO）藝術雜志藝評與編輯獎（2013年），并入圍英國世界藝術獎（Artes Mundi，2006年）、英國保誠當代藝術獎（Prudential Eve Awards，2015年）。此外，他亦涉足藝術創作與品牌的合作，如Dior（2013年）與勞斯萊斯（2014年）。他亦積極參與劇場的舞臺設計，作品包括一當代舞團《身體輿圖》，首度發表于臺北國家戲劇院的《舞蹈秋天》（2012年）。

世界畫廊（Galerie du Monde）

于1974年在香港成立，創立40年以來專注呈獻蜚聲國際的中國藝術家所創作的現代及當代藝術品。畫廊亦著重培養及推廣新一代年輕中國藝術家.策劃不同主題的個展及群展。展覽作品涵蓋架上繪畫、雕塑、混合媒介、攝影，裝置及影像等。世界畫廊（Galerie du Monde）于2014年為慶祝40週年，精心策劃GDM項目以進一步支持來自不同地理區域更多元的藝術家，提供其于本地區以外更廣泛的展覽機會。