英美經典影片翻拍中的審美向度

張佳

經典影片翻拍是一個將作品進行本土化和當下化轉變的過程，也有人認為，經典翻拍是一個把過去的東西用另外一種情感解讀出來的情懷。從理論角度來說，電影“翻拍”是指對已有的相同題材、相近故事的進行再次創作的行為。新世紀以來，互聯網及新媒體的迅猛發展大大加速了全球化的進程，越來越多的優秀影視作品進入創作者的視野，在目前電影工業化制作大潮的背景之下，許多高難度的電影語言得以實現，這就為導演的想象力打開了更大的空間，也使經典影片有了重拍的更大的技術支持。近年來，英美影片市場有一股經典翻拍的風潮，一批公眾熟悉的經典影片在新影視科技手段、新的導演視野、新的演員群體之下，以全新的面貌再放異彩。新一代導演們不拘泥于原作發生的地理位置和人物原本特征，在尊重歷史的基礎上加入新的理念，使當年深入人心的經典作品，在新的時代背景下煥發出神采，成功地勾起許多人的青春回憶。被翻拍的經典電影一般具有較高的知名度和藝術價值，在翻拍過程中，導演會將經典影片作為表達自己藝術見解的一個載體，也會將經典作品放置于影視產業的大環境與當下的人文環境中去思考與創新，并積極大膽地表明自己帶有現代意識的藝術主張。于是，就出現了不同的翻拍風格和效果，體現著導演多元化的審美傾向。

一、《泰坦尼克號》的翻拍：敘事風格的強勢扭轉

1912年4月15日，英國白星輪船公司耗資7500萬英鎊打造的豪華客輪泰坦尼克號在北大西洋沉沒后，這場驚人的海難就成了各種文學樣式的創作主題。據統計，直接以這起海難為背景的電影不下8部，這其中，知名度最高的當屬1957年英國導演羅伊·沃德·貝克執導的《冰海沉船》。《冰海沉船》是一部寫實性極強的、記錄在一種極特殊背景下的眾生狀態的故事影片，片中沒有轟轟烈烈的愛情故事，卻有著在生死關頭令人贊嘆的種種細節：那泡在水中給孩子講故事的母親、在船傾覆時面對人群布道的牧師、那躺在床上緊緊擁抱在一起老夫妻，還有那一直在堅持演奏的樂隊和站在時鐘前與大船一起沉沒的設計師。因此，這部連色彩都沒有的黑白片，以完全寫實的審美傾向占據著教科書般的經典地位，一直成為數十年里“泰坦尼克號”題材的名作。

1997年，一部翻拍自泰坦尼克海難、由卡梅隆執導的《泰坦尼克號》美國影片引發了空前絕后的熱潮，創造了票房18億美元創世紀錄。《泰坦尼克號》保存了時間和空間上的真實感，也盡量以高科技手段還原那艘巨輪的面貌。但在敘事手法上，卻將《冰海沉船》的宏大敘事扭轉為鮮艷奪目的個體敘事。于是，鮮活的人物形象出現在《泰坦尼克號》這個絕美的舞臺上，在盡力還原的大船華麗而精致的樓梯與船艙里，一個富家女與窮畫家的虛構情節不僅賺足了公眾的眼淚，更建立起了頭等艙與三等艙之間不同人群之間的聯系，在這種關聯之下展現的人性的丑與美，卻正是《冰海沉船》等一系列紀實故事影片所不具備的。《泰坦尼克號》雖然保留了《冰海沉船》中的很多細節，如三等艙中的蘇格蘭舞蹈、冰山碎片乘客們被當成足球在甲板上踢來踢去。但整部電影的所有精力卻放在了男女主角的愛情故事上，于是原有的種種寫實情節被剝離，觀眾隨著時空的轉換、浪漫的愛情、地獄式的災難，生死的變化，感受著卡梅隆的電影主題：即用一場愛情淡化階層差異，用一種激情淡化生離死別。《泰坦尼克號》呈現的是愛情與災難捆綁營銷的典范，也是所有的災難大背景和愛情小視角雙向聯動的典范。

二、《霧都孤兒》的翻拍：耀眼的人性光輝

英國作家查爾斯·狄更斯的《霧都孤兒》也是一部多次搬上銀幕的經典之作，自1912年以來，這部經典小說曾以《霧都孤兒》《奧里弗》《孤雛淚》《小子闖天涯》等多種名字，改編成包括電影、動畫片、音樂劇等在內20多個版本。其中，1948版由英國導演羅曼·波蘭斯基執導的《霧都孤兒》是知名度最高的經典制作。該影片完全尊重狄更斯的批判現實主義風格，主人公奧利弗在孤兒院長大后歷盡辛酸逃到了倫敦，又在大街上偶遇富翁羅勃特，將他領回家去撫養。不料，羅勃特家的窮親戚孟斯追究奧利弗的身世時發現原來他是羅勃特的外孫，為謀奪羅勃特家的家產，孟斯和賊首彼利勾結，企圖謀害奧利弗，但最終奧利弗獲救，與外公重聚。很顯然，1948版《霧都孤兒》的主題和狄更斯原作的主題一致，寫的是一個苦難兒童的傳奇經歷，結局中的奧里弗回歸的也是他自己的家庭，收獲的是他原本應當擁有的親情。1948版的《霧都孤兒》最大的亮點是還原了19世紀30年代英國倫敦貧民區的風貌，所以該片曾被導演定位于“讓青少年接受一次現實的再教育”，表達的是一個在艱難之中生存下來的生命的成長歷程。

時隔57年后的2005年，72歲的英國著名導演羅曼·波蘭斯基在完成《鋼琴師》之后，決定要給孩子們翻拍《霧都孤兒》。2005版的《霧都孤兒》在故事情節上完全尊重原著，甚至在演員形象上也與1948版的人物造型非常接近，如貧民院里胖得如圓球一般的院長、長著鷹鉤鼻子的法根，長著腮絡胡須的富商羅勃特和他家的胖保姆，其造型與1948版《霧都孤兒》達到了高度一致。但2005版的《霧都孤兒》在主題表達上有了重大的突破，原本出現在1948版《霧都孤兒》開頭的那段年青母親在貧民院產下奧里弗的苦情戲完全被刪除，因此刪除了奧里弗與羅勃特血源關系，刪除了奧里弗與孟斯的財產之爭。當這層血源之情被剝離之后，奧里弗與富翁羅勃特之間的關系就成了真正的人文關懷，就有更加崇高的價值。所以取代1948版《霧都孤兒》中悲情戲的是一些充滿人文意義的細節：當小偷們要去羅勃特家偷竊時，奧里弗寧可自己受傷也不肯讓羅勃特受損失；當賊首法根被投入牢中后，奧里弗堅決要去牢里探望他。影片結束于奧里弗走出牢房坐車而去的背景上，漸行漸遠之中，觀眾聽得到老法根的嚎叫，也聽到小奧里弗的啜泣。

三、《海蒂》的翻拍：再現阿爾卑斯山和國寶少女的風采

瑞士著名作家約翰娜·施皮里小說《海蒂》，自從發表以來就成為暢銷不衰的經典兒童文學作品，那位可愛、善良、樂觀的阿爾卑斯少女更是瑞士的國寶，所以先后有以《海蒂》《小海蒂》《海蒂和的爺爺》《來自阿爾卑斯山的少女》的名字改編的電影和動畫片。其中最經典的當屬1937年美國福克斯公司拍攝、由秀蘭·鄧波兒主演的《海蒂》。1937年的《海蒂》基本遵照小說的主要情節，描寫一位8歲的、帶著迷人微笑的小姑娘海蒂在和性情孤僻、獨自住在山上的爺爺的生活中，憑著她的善良樂觀友好，融化了爺爺心中的堅冰，將爺爺拉回到山下人群中，又用精神力量治愈了不能行走的克拉拉的腿疾，歷盡曲折之后，最終和爺爺重返山中。很顯然，1937版的《海蒂》中，展現海蒂的個人影響力是影片的重點，秀蘭·鄧波兒塑造的海蒂更像一個小斗士，她雖然身處逆境甚至是險境之中，卻一直樂觀向上，積極地爭取自己想要的生活。所以，1937版的《海蒂》基本上是一部“寫人”的情景劇，導演把海蒂大多戲份都安排在室內，比如那場兒童“木鞋舞”的表演，還有在圣誕節上的演唱，以及雪夜里和爺爺逃脫警察的抓捕的橋段，基本上走的秀蘭·鄧波兒一貫的“小精靈打敗大人”的路線，是典型的秀蘭·鄧波爾式的表演套路。

時隔78年之后，德國導演阿蘭·葛斯彭納再次翻拍了《海蒂》（2015）。這一次，阿蘭·葛斯彭納把鏡頭對準了位于歐洲中南部的阿爾卑斯山，使之成為2015版《海蒂》中不可缺少的重要時空標志。如同《音樂之聲》《靈犬雪莉》等與阿爾卑斯山相關的經典電影一樣，2015版的《海蒂》（也譯作《來自阿爾卑斯山的少女》）的故事都是環繞著這座雄偉的山峰展開，導演的目的在于引領公眾，讓公眾再次領略到這座雄偉山峰的壯麗景色以及生活在山中的可愛的人們。出現在2015版《海蒂》鏡頭中的阿爾卑斯山，一年四季的美景變化萬千，山中的小海蒂像一只小野獸一樣赤足行走于青油油的草地上，清晨她用清冽的泉水擦洗面龐，再用大木勺喝上一碗剛擠出來的羊奶，然后隨著牧童去山上放牧。微風拂過，青草和野花輕輕搖晃，雄鷹在藍天上展翅翱翔，旱獺鉆出洞口東張西望，成群羊只在山上悠閑地吃草。黃昏時分海蒂回到爺爺的小木屋，睡在柔軟的干草里，透過窗戶可以看到漫天的星辰和劃過的流星。海蒂和爺爺坐著雪撬飛駛下山的情景，宛如經典童話里的仙境，導演就是想要告訴觀眾：有著無窮魅力的阿爾卑斯山，才應當是孩子們成長的樂園。

于是，海蒂和克拉拉的友誼花朵盛開在阿爾卑斯的藍天白云之下，這位小女孩一如既往地帶著她無法抗拒的美麗笑容，帶著她堅忍不拔的成長力量，釋放著治愈人心的正能量。小海蒂的乖巧伶俐和阿爾卑斯山的絕美雪山就是一套最豐富的電影話語，使那些看過太多的詭譎另類的懸念片的觀眾，仿佛聞到來自阿爾卑斯山的青草和泥土的芬芳，看到了阿爾卑斯山上的云舒云卷，其味道之清新、其風格之唯美難以忘懷。所以盡管《海蒂》的劇情直白簡潔，人物性格單一明確，一開篇就能猜中故事的發展和人物的結局，但對于美好的事物的期待與偏愛，對于和城市生活完全相反的自由快樂的成長，給人帶來的美好和溫暖和向往。兩個不同背景的孩子的相遇，似乎是兩個不同世界的碰撞與交叉，從此以后，兩個人的世界都在大大地擴容，兩個人的內心都變得寬廣美好。那個期待翱翔的女孩，終會走出自己的狹小封閉的天地，那個喜歡寫故事的女孩，也創造了最美的情節，使她本身就是一個動人的故事。

舊事物是件很奇怪的東西，因為它洋溢著美好的回憶，所以才讓人依依難舍，頻頻回首。一代又一代人在時間的洪流里不停向前，曾經如此親切的情感，凝結成一個個永恒的故事，如何換一種新的形式展示出來，也許會更有魅力。在3D當道，特效盛行的當下，經典電影重現銀幕時，攜帶著新技術的運用和更加新銳的主題空間，帶給經典電影以全新的生命力。所以，翻拍經典的魅力所在，除了體會影片所處時代的風貌之外，更能引起對當下生活的思考。因此，如何用當代意識對老題材進行新解讀，如何站在巨人肩膀上向上攀登，這實際上也是對原創力更大的挑戰。