王公懿：筆墨等于零

王公懿在上世紀八十年代初期便已被同時代的藝壇所熟知，那組干凈爽快，快刀利白，極具東方意味的木制版畫《秋瑾》代表了一代青年的生命和激情，也代表了中國版畫的新氣象，并將那個時代的藝術創作，提升到可以面對歷史性和東方性的考慮的尺度之上。時至今日，這組畫仍然代表了中國版畫的高度，并成為中國現當代藝術歷史敘述的重要對象。此次展覽中，王公懿的一組創作于2001年至2002年間的水印木刻版畫《China·China》被安置在畫廊的小展廳中，與《秋瑾》面向社會疾呼的題材不同，這組作品呈現了王公懿后期版畫創作中的主題的變化，轉而更加關注創作時的本真狀態。

從2004年開始是王公懿創作上的一次高峰，新的實驗與題材層出不窮，令人驚艷。這幾年當中，她解開了許多身心上的束縛，思想上的桎梏，年輕時郁結的憤怒與悲痛也一點一點地溶化消失，回到她內在的本質本性，那愉悅自由和蓬勃的生命力很自然地流瀉在她的作品里。她于2005年偶然中開始用溫莎藍單色作畫，從此一發不可收拾，至今仍樂此不疲，忽而抽象、忽而山水、忽而花卉。每次看到她的作品，總是為其精微純粹的美所感動，頓時塵躁一空，進入清涼境；站在畫前，滿目澄藍，一紙清澈透明，令人想要深深吸一口氣。

以溫莎藍《音符》(2005)及《韻律》(2018)為例。蟬翼宣的紙質輕盈精致，紙上細細的螢白閃光點就像在陽光下薄薄閃動的蟬翼。藍色的水彩漸層，干凈透明溫柔。由于是熟宣，所以水的控制很重要，需要很慢、很均勻的上色。水彩慢慢干后，顏料里的膠質在邊緣“堆積”成一條細線，這是工筆畫的禁忌，但卻成了創作的新意。一層干后，再上第二層，產生第二條細線。如此一層一層重復的往上推、往上染，由深藍到淺藍，蒸蒸而上，形成重復與變化的韻律感。一道道舒展開闊的平行線像遠山、像海浪、像云靄、像風吹過的沙痕，像舒緩流動的氣息。上面的白色圖案，像鳥、像魚、像帆、像音符，這些可愛跳躍的符號是她在法國見到一幅石版印刷的古樂譜，上面的音符十分特別，她用相機記錄下來，巧妙的放在這幅作品。

吳冠中先生有一本文集叫《筆墨等於零》，是針對當時美術界以筆墨技法為作品優劣標準的批評。筆墨僅是工具，豈可舍本逐末，漠視整體大局。他認為一位藝術家應當尋找一切手段，不擇手段，以能貼切地表達內心的感受，而成為杰作，則其畫面所使用的任何手段，便具有點石成金的作用與價值。王公懿的溫莎藍系列即是最佳的例子。她用最少的元素、最簡單的方式捕捉了生命及自然界中又抽象、又具體的元素：水的漂浮、山的呼吸、氣息的流動、光的記憶、時間的過度；在重復與變化的藍色韻律中，表達了生命的基調與變奏、澄靜與吟詠、渾然與虛空，讓我們看見精煉、冷靜、如詩般的聲音。