關于鋼琴演奏中聲樂藝術指導研究

北村香織

摘 要：對于鋼琴家而言，演奏技巧大致可劃分為兩個方面。第一方面是作品彈奏時的手指技巧。按照什么樣速度盡可能準確無誤地完成樂段所包含音符的演奏？從樂曲的開頭到結尾能否毫無差錯地完成彈奏？換言之，即演奏的基本技巧。另一方面，無可置疑的是展現音樂特色，即按照不同時代把握作曲家的特點以正確理解作品樂句，以及通過樂曲的表達技巧、正確識譜、細膩的控制琴鍵的技巧不時對歌手進行支持和引導。不過，該領域很難有固定不變的標準可以把握，往往只能通過感覺空洞的語言進行總結。本文以德國藝術歌曲和歌劇伴奏為例，從文學理解的角度和聲樂伴奏中的角度去理解音響、音色和歌曲等，并以實踐鋼琴獨奏為目的，探討聲樂伴奏與鋼琴獨奏曲之間的關系與各自特色以及如何有機結合，將其反映到鋼琴獨奏的學習之中。

關鍵詞：德國藝術歌曲 歌劇伴奏 聲樂伴奏 鋼琴獨奏

“引人入勝的演奏”是什么樣的呢？當前音樂會百家齊放。在此背景下，無數演奏者和學習者日夜精進，為了追求更好地演奏而不斷努力。完美的演奏不可或缺的是通過了解作曲家的時代背景來深入理解作品的內在精神，以及在舞臺上能夠充分表達演奏家思想并支撐其思想所需具備的充分演奏技巧。鋼琴演奏者為了掌握鋼琴演奏技巧，從幼年開始就面對各種練習曲，目的是為完成作品而完成的練習教育。這種教育方式的結果導致了過分關注手指速度和控制琴鍵技巧的正確性，其結果使鋼琴彈奏變得枯燥無味，至少可以說忽略了極為重要的“表達每個樂句”的訓練。

鋼琴“進行表達訓練”究竟包括哪些內容呢？如何才能理解掌握呢？音樂家海頓最早的傳記作家Greisinger曾經借用海頓晚年的話說“無法忘記莫扎特的Klavier（羽管鍵琴，古鋼琴）的演奏，他的演奏非常震憾人心。”這是對莫扎特充滿豐富音階和琶音的鋼琴奏鳴曲和鋼琴協奏曲靈性的感受，如果我們將目光轉向莫扎特的其它作品，傾聽他的歌劇，傾聽《費加羅的婚禮》中的伴奏和詠嘆調亦或傾聽歌曲伴奏時，則變成了充滿輕柔流暢（cantabile）的美妙音樂。

此外，表現管弦樂豐富的音色也是鋼琴的特色之一。有時宛若弦樂器tutti（合奏）的輕快伴奏，有時又似高音雙簧管的悲傷旋律，這種特色只有鋼琴能夠通過控制琴鍵的技巧的方式結合身體和手腕的動作才能惟妙惟肖的表達出。這也是鋼琴演奏時十分重要的一項技巧。本文的目的是借鑒作者20多年的演奏和教學活動經驗，以及通過聲樂伴奏過程中的有效學習，嘗試將這種“富有歌唱性地”（cantabile）音色的可換性與“鋼琴獨奏”性有效的結合起來并加以運用。

一、“歌唱”與技巧

1.詩歌和音樂的邂逅

毋庸贅言，歌曲和歌劇的樂譜都包含歌詞。18世紀末期，受到以歌德和席勒等為中心掀起的文學革命和狂飆突進運動（Sturm und Drang）的影響，出現了許多具有抒情性和戲劇性的詩歌，當時的作曲家們受其激發并為之譜寫了一系列的聲樂作品，德國藝術歌曲便可溯源至此，將同時期的德國詩歌緊密結合，成為一種既有詩又有歌的相輔相成且融為一體的藝術結晶。

莫扎特的著名歌曲《紫羅蘭》的歌詞作者即為歌德。德國大詩人歌德和天才作曲家莫扎特在此實現了文學和音樂的邂逅，可以說這是德國藝術歌曲的開始。莫扎特在選擇歌曲歌詞時，注重的是其內容是否具有觸動自己內心的戲劇性，阿爾伯特·愛因斯坦也曾表達過類似觀點，莫扎特熱衷于歌劇作曲和創作了大量音樂會詠嘆調這些事實也證明了這一點。

如：這首歌曲究竟包含哪些戲劇性呢？

（1）有一朵可愛的紫羅蘭，

獨自生長在草地上，

它是一朵可愛的紫羅蘭。

那年輕的牧羊女，

輕輕走來活潑又愉快，

在草地上歌唱。

（2）啊！紫羅蘭它想，

我將成為世上最幸福的花，

在短短的生命中，

等心愛的人兒來摘下，

放在她的胸前，

啊！多么幸福的一剎那。

（3）啊！但是，啊！少女走來，

并沒有留意紫羅蘭，

卻從它身上走過！

它雖然被踐踏，

但還在快樂地想，

我到底由于你而死，

死在你腳下。

可憐的紫羅蘭，

多么癡情的紫羅蘭。

以上小段歌詞富含戲劇性內容。莫扎特采用歌曲的形式展開本詩的情節，并濃縮在短短的65小節里。

這段樂曲的行進主要由鋼琴演奏者來闡釋。

前奏表現的場景是春天的微風吹過寧靜的山間草地，紫羅蘭在溫暖陽光下靜靜地綻放。舞臺上的鋼琴演奏者必須在一瞬間將正全神貫注準備歌唱的演唱者和大廳里就座的聽眾以及（通過琴聲）引入大自然的山間草地。并且，像弱起小節的開頭那樣，營造出一種神秘的氣氛。

樂曲的旋律與歌手開始歌唱的一節的旋律完全相同，因此如果看到歌詞的內容，即可立即清楚地理解前奏的走向。

接著是牧羊女的登場，鋼琴伴奏使用十六分音符斷奏表現牧羊女的腳步。緊接著用相同的十六分音符連奏清晰表現牧羊女的歌聲，鋼琴演奏者必須在瞬間分別清楚地彈奏出這種差異。

4小節的鋼琴間奏，在低聲部采用古典主義中典型的阿爾貝蒂低音（Alberti Bass）表現牧羊女的腳步，右手的高聲部表現的是牧羊女輕快的哼唱，同時也表示場景的進展。

接下來在第二部分，紫羅蘭對少女的痛苦思念，以及無法實現的紫羅蘭的渴望，以g-moll的和聲與歌手的“Ach”同時開始。接著，在“wa¨re ich nur die scho¨nste Blume der Natur， ach， nur ein kleines Weilchen”（3～8小節），通過低音的F還原記號表達了紫羅蘭的痛苦愿望，在“Weilchen”，進一步落實到B-Dur（B大調）的V，未實現表達。（順便說一下，這里與之前的“Veilchen”押韻）瞬間停止的八分休止符，接著B-Dur（B大調）的V-I-V-I行進之后，紫羅蘭的痛苦愿望“ein Viertelstünden lang”通過g-moll（g小調）的V，在半休止狀態下痛苦而懇求地表達出。

四分休止符停止后，靜靜地拉開了最后場景的帷幕。主宰樂曲進展的是鋼琴演奏者。僅伴隨1小節sf的間奏后，歌手靜靜地開始歌唱“Ach， aber ach！”，鋼琴演奏者必須實際表現出牧羊少女靠近的腳步聲。并且在p的范圍內不失緊張感！極具沖擊性的場景——“und nicht in acht das Veilchen nahm， ertrat das arme Veilchen”（并沒有留意紫羅蘭，卻從它身上走過）讓歌手以吟誦的方式講述，鋼琴在此僅彈奏減七和聲。在“das arme Veilchen（可憐的紫羅蘭）”，戲劇性地引出帶符點的伴奏和歌唱的高潮。

延長符號的沖擊后，接著是sank（下沉）、starb（死去），在“und freunte sich noch”（而感到幸福），使用原來G-Dur（G大調）的屬和弦，表達出自己對生命的解脫與欣慰，在T-S-D-T分解和弦進展的基礎上，直到doch（然而）。鋼琴伴奏是典型的古典主義的分解和弦行進，聲音低沉并逐漸提高。這是在莫扎特的奏鳴曲中也能夠經常聽到的上升類樂句。歌德詩歌的戲劇性也到此結束。不過，莫扎特最后在此自行添加了強調高潮的“Das arme Veilchen！ es war ein herziges Veilchen！”兩句歌詞。最后一句與第1節前半部分的結尾屬于完全相同的樂句類型。鋼琴演奏者必須充分意識到這種戲劇性進行彈奏。（譜例3）

如此，以莫扎特的《紫羅蘭》為例，研究了詩歌和音樂的關系。如果理解詩歌的內容，則自然而然能夠清楚地把握該樂句的走向，有助于理解在何種氣氛下需要什么樣的音色。

莫扎特鋼琴奏鳴曲在有限的空間里排滿了許多的音階和琶音、半音階，在學習時，往往是僅關注不要錯過音符。因此如果僅關注這方面進行練習，則將變成沒有任何音樂氣息僅是手指練習的毫無感情的演奏。

導致毫無感情的演奏的原因是什么呢？那就是缺少樂句的劃分方法、表達方法。如何掌握學習方法可以去彌補這方面的內容呢？答案：利用歌曲和歌劇的伴奏理解樂句的方法，可以有效地進行這方面的練習。

2.Cantabile奏法 稱為“歌唱（表達）”

如莫扎特的歌曲《黃昏的感觸（Abendempfindung，K.，523）》。

這首歌曲的伴奏從開頭到結尾，都保持著legato（連奏）的效果，必須時常集中精力，留心注意樂句的歌唱，并且通過P實現了寂靜和細膩。這是處理樂句和琴鍵細膩控制的技巧結合的最好練習案例。從整體上來看，每1小節都劃有連音線。

那么，這首歌曲是如何進行劃分和歌唱呢？

前奏的2小節，必須集中精力平滑地演奏右手的八分音符。并且，每1小節都有結尾，左手的二分音符的8度在第3、4拍處分離，小節的后半部分僅為純粹的八分音符，必須用指尖彈奏完legato的樂句。

在接下來的第3小節，各拍的開頭都伴有旋律，所以使用拇指和食指，平滑地彈奏legato（連奏）。所有手指的動作均采用在保持接觸鍵盤的狀態下，控制琴鍵，這種的方法盡可能與使用手指按壓鍵盤并用手指尖感受鍵盤恢復時的沉重感相結合。

通觀整體，這首歌曲的伴奏需要非常細膩地進行琴鍵和手指控制，才能達到這種意境。此外這也是多種類型連音符號的最好練習。（譜例4）

這里，左手的情形也一樣。另外，在此為三度的行進，是作為間奏和向下一新樂句的過渡部分，如何發揮在這里是具有重要的作用，因此必須彈奏出上面的音。接下來的三度表現為與高聲部之間的二重奏。

在這里我們必需要說到注意事項：應該注意不要歌唱太過頭，延緩了Tempo（節拍）。如果延緩了節拍，則會影響歌手的樂句感。應該隨時保持樂聲流動的legato（連奏）、歌唱的legato（連奏）。歌曲伴奏完美的地方，雖然往往都是比較簡單的形式，但都切實地濃縮并表現了相應的音色和氣氛，所以是最好的學習教材。尤其，Mozart（莫扎特）的伴奏，可以通過它逐漸了解Mozart（莫扎特）鋼琴獨奏作品的特點。

3.使用鋼琴“講述”（分句和連斷記號）

在此，試著從歌劇唱段伴奏的角度，研究cantabile（輕柔流暢）的音色的學習方法。以下是Mozart（莫扎特）的《費加羅的婚禮》中費加羅的唱段“non piu andrai， farfallone amoroso”（你再不要做情郎）。在此段伴奏中聽到的音階和十六分音符的樂句，可以作為鋼琴奏鳴曲中樂句的劃分方法和表達方法的參考。

唱段的大致背景是，見異思遷的侍仆凱魯比諾甚至與伯爵夫人發生了曖昧，偶爾聽到此消息的伯爵非常憤怒，命令凱魯比諾前往遙遠的戰場服兵役。收到此命令的凱魯比諾情緒低落，費加羅則充滿諷刺意味地激勵他出征，此時由費加羅演唱的唱段。

樂曲整體上以符點的節奏和十六分音符的音階行進展開，鋼琴演奏者應該具備這種彈奏技巧和富有諷刺意味的表現能力。

第14小節的阿爾貝蒂低音（Alberti bass）和右手的回音輕快地融合，但需要練習正確保持左手的節奏。通過正確保持伴奏的節奏，可以最大限度地表現富有維也納古典派特點的旋律流動和Mozart音樂的緊張感。這種樂句類型在鋼琴奏鳴曲的任何地方都有可能出現。不過，許多學生因為過于注意右手的旋律，所以往往疏忽了左手伴奏的節奏、Tempo。在費加羅的這一唱段的伴奏中出現的間奏，彈奏時如果內心充滿諷刺意味和想象著管弦樂豐富的音色，則能夠更自如地進行彈奏。（譜例6a）。

對聲音的感覺印象是指對音樂持有目標，這對演奏來說是件非常重要的事情。這在鋼琴奏鳴曲K309的展開部和K310的展開部也能聽到，在舒緩樂章中更是經常聽到（例如K312的第二樂章等）。此時，如果帶著充分鳴響的管樂器的聲音想象，例如高音雙簧管和單簧管等的音色印象進行彈奏，則可以更加貼切地現達意境。

接下來右手的3度，如果結合“已經不再有啊，如此漂亮的羽翼（身上已無羽翼也不會再有人來觸摸）”這一歌詞的演唱，則此處的歌唱方法、抑揚頓挫的方法可以成為樂句表達方法的一種參考。歌手的演唱旋律和鋼琴的伴奏旋律宛若二重唱般行進。使用legato（連奏）連接3度高聲的基本彈奏技巧是一邊在指尖上施加壓力，一邊不用腕力地進行彈奏。如此，可以參考歌手的演唱方法，通過合奏，更加實際地學習到抑揚頓挫的legato（連奏）方法。（6b）

第17小節右手的十六分音符是第14小節的變形版。宛如表示盛裝打扮的光彩照人的貴婦人形象，不過必須在充滿喜劇色彩的氣氛中交織某種程度的諷刺意味，使用F輕快而又豐滿地進行彈奏。正適合練習Mozart “講述”的十六分音符（6c）。

從鋼琴奏鳴曲中聽到的十六分音符的較長排列，往往讓學生感到束手無策。不過，如果傾聽歌劇的旋律和管弦樂的伴奏，則可以發現實際上其中隱藏著許多意味。在伴奏中聽到的音階，因為有歌詞，所以樂句表達的走向非常清楚。是喜劇性的亦或帶有激情呢？還是悲劇性的呢？利用語言的抑揚頓挫來理解樂句，并時常進行鋼琴“講述”的還有音樂家Chopin（肖邦）。Chopin（肖邦）非常喜歡Bellini（貝利尼）的歌劇。這是美聲唱法，在鋼琴方面稱Legato （連奏）奏法。

第18小節左手右手的二重唱，也是結合演唱者抑揚頓挫的聲音進行表達（6d）。

第26小節有5個連續G-Dur（G大調）的下降音階。P、cresc.（漸強）、F一邊富于變化一邊感情豐富地進行彈奏，宛如表示7種裝扮變化般的內心活動。在此節中彈奏的管弦樂伴奏聲音可以當作參考。彈奏時應該注意輕快并且抑揚頓挫的表現，以及按一個一個樂句表現出歡欣雀躍般的躍動感。

鋼琴奏鳴曲中，這種下降型和音階的3連續反復形式，在所有的Allegro（快板）樂章中都可以聽到，不過最為著名的是K545的第一樂章的第5小節的音階，或者K309的第三樂章的第33小節的音階。在此，鋼琴學習者往往過于關注加快音階、手指彈奏的正確性，而忽略了“進行表達（歌唱）的音階”這一意識。不過，如果像這樣，使用歌劇伴奏的快速樂段，并在有歌詞的狀態下練習音階，則自然而然能夠理解樂句的抑揚頓挫和表達方法。這樣在音階上賦予了語言，可以傾聽“宛如正在講述的樂句”。還有，許多時候左手的伴奏大體上都是八分音符，所以如果嚴格保持伴奏的規律以及抑揚頓挫的Tempo與節奏，并且在該節奏上彈奏旋律，則可以表現出快速樂段中含有意義的音階。

此外，這種樂句的原本聲源是管弦樂，可能是管弦樂的tutti（合奏）、或者管樂器（長笛、雙簧管、單簧管、巴松管）的solo（獨奏），又或是小提琴和大提琴的solo（獨奏）。反復研究如何在鋼琴上實現這種音色，正是學習樂句表達方法的真實目標。

如此，Mozart歌劇作品中的許多樂句和連斷符號，許多時候都可以原樣作為鋼琴奏鳴曲中樂句表達方法的參考。聲音的切斷方法和斷音的長度、詠嘆調和管弦樂整體樂音的關系、歌唱部分旋律的處理、與管弦樂音色之間的關系等等，把握Mozart樂句的這些創作特點，離不開對Mozart歌劇作品的理解。“怎么樣進行歌唱”可以說是與讓樂器“怎樣進行講述”有關。

二、必要的鋼琴演奏能力

1.德國藝術歌曲和鋼琴獨奏在技巧方面的相似性

現在彈奏的許多鋼琴作品都是巴洛克風格的作品，還有古典派、浪漫派、國民樂派、后期浪漫派、印象派、近現代音樂流派等作品。不同的時代，以及同時代的作曲家之間，都具有各自的特點，必須結合音色和控制琴鍵的技巧方法、節奏的選擇方法等，細膩地把握并且彈奏出這種差異。

一位作曲家并非僅創作鋼琴作品。Chopin（肖邦）也并非僅創作鋼琴作品，他也創作了許多室內樂曲和歌曲。只有執著于聲樂作品創作的H.Wolf（沃爾夫）是個例外。鋼琴作品往往只是作曲家的一個側面，而非全部，尤其鋼琴學習者必須注意這一點。養成欣賞同一名作曲家其它音樂體裁作品的習慣，或者關注作曲家在同時期創作的其它作品，有利用更廣更深地理解作品的演奏。

音樂家Schumann（舒曼）在專注鋼琴作品創作的年輕時代，幾乎沒有創作什么歌曲。與克拉拉結婚后即1840年前后舒曼才開始創作了許多優秀的歌曲作品。不過，這可以說是他鋼琴作曲時代的延續，是更加集中的濃密的藝術表現形式。在僅有的數頁紙中，通過聲音濃縮了截取到的浪漫派風景，無論在聲樂，還是鋼琴聲部都一樣。

這是舒曼為詩人艾辛多夫（Eichendorff）詩歌譜寫的Liederkreis Op.39中的《美麗的異鄉》。鋼琴伴奏部分曲譜濃密，幾乎可以說是鋼琴獨奏作品。右手的第3、4、5手指負責旋律，左手的第3、4、5手指支持低音，左右手的第1、2手指負責內聲的伴奏，營造和弦的形象和色彩。這種形式在Schumann（舒曼）的鋼琴曲中隨處可見。

這是通過音樂家J.S.Bach（巴赫）那樣的多聲部聲音，營造更加強烈的色彩感和更加復雜微妙的聲音效果，并結合了浪漫派詩作的作曲技法。鋼琴演奏者尤其要求具備手指的獨立性，用雙手營造出聲音的立體感。此外，鋼琴演奏者需要具備應對和弦微妙變化的敏感性，以及進行耳朵分辨能力的訓練，并注意指尖的控制琴鍵的技巧和耳朵的相互作用，還有踏板的反應。

此間，中聲部表示沙沙的樹葉聲，同時還含有夜晚的神秘感。這種沙沙的樹葉聲和歌手的感動相互作用，終于在“es redet trunken die Ferne wie von künftigem groBem Glück.”處，迎來了最高潮。其后的后奏，由左右手的外聲，相互呼喚出充滿浪漫色彩的熱烈的旋律線。

音樂作品中充滿了對未來的期望，以及對自然的深深感動。鋼琴演奏者必須在后奏中充分表達此類情感。最初的開頭，盡可能朝下一小節的重點So涌來。接著左手的低音（Bass）線繼續，不過dim（漸弱），所以必須頻繁地變換Ped（踏板）。接著還是重復，第3個開頭右手的最高聲#re達到高潮，并在這種狀態下結束樂句，采用rit（漸慢），平息內心深深地感動。最后的琶音宛如慢慢地體味深沉的快樂。

整體上需要第4、5手指的獨立性和浪漫的表現能力、歌唱能力。還有，最為重要的是學習下述觸鍵方法，即左右手的第1、2手指的指根肌肉不用力，僅用手指按壓琴鍵。這樣彈奏出內聲的輕柔音質、外側的旋律線和低音，通過音色立體性地表現聲部間的音樂空間。

接下來的譜例10是Schumann（舒曼）的鋼琴獨奏曲《Faschingsschwank aus Wien（維也納狂歡節）》Op.26的第4曲“Intermezzo（間奏曲）”。

與先前的譜例9進行比較即可明白，這2首曲子非常相似。首先，在樂曲的形式方面，中聲部使用十六分音符的3連音伴奏，使用右手的第1、2、3手指彈奏，高聲部使用第4、5手指彈奏旋律。如此，右手需要掌握能夠使用一只手分別彈奏出旋律和伴奏的技術。左手伴奏的低音從底層支撐所有樂音。

第3、4、5手指彈奏出有點Tenuto（綿延）意味的音質，大力抑制琴鍵速度的同時，必須使用第1、2、3手指表現出輕快的宛如花邊般的3連音。

另外，這首樂曲是Schumann（舒曼）在創作Op.23的“Nachtstücke（夜曲）”前后譜寫的樂曲，原本“Intermezzo（間奏曲）”計劃是Op.23的“Nachtstücke”中的一部分。該首樂曲也是以“夜晚”為主題的曲子。

可見，舒曼的藝術歌曲伴奏與鋼琴獨奏曲的距離非常接近，常常需要很強的浪漫表現能力。上述兩首樂曲的區別可以說僅在于有無聲樂部分的加入。這與舒曼在年輕時立志做一名鋼琴家，后來又作為作曲家創作了許多鋼琴作品的人生道路分不開。還有，在他的身旁隨時有文學的存在。不僅是樂曲中的技巧，而且音樂的主題也相似，正是出于這個原因。舒曼在鋼琴曲中隨時意識到與文學之間的關系，在歌曲中又選譯浪漫派大詩人的精彩詩章。這樣，通過藝術歌曲的伴奏，能夠從另外的研究角度更加深刻地理解舒曼的鋼琴作品。

2.音響效果和音色

鋼琴這種樂器的藝術創造可能性非常大。使用一臺鋼琴就能夠營造出多種音效。如：管弦樂tutti（合奏）的聲音、弦樂的聲音、琴弦的節拍、撥奏的聲音、立體的聲音、雙簧管單旋律的厚重聲音、單簧管的音色、長笛的旋律、圓號豐富的聲音等。從單旋律到和弦的，鋼琴在音效上具有無限的可能性。在德國藝術歌曲的伴奏中，需要研究細膩的控制琴鍵的技巧方法;在歌劇的伴奏中，從輕柔的聲音到突出的銅管樂器等表現豐富的和弦聲音時，要注意追求手腕、身體動作和音色之間協調的關系，由此，針對上述聲音的敏感性，需要切實地的去磨練。有關此類聲音在Beethoven（貝多芬）、Mozart（莫扎特）的鋼琴奏鳴曲中也能夠頻繁聽到，可以成為研究鋼琴獨奏的樂音表現、樂句表達方法、豐富音色的線索。

《費加羅的婚禮》中伯爵夫人的唱段“Dove sono i vel momenti”（美麗的時刻在哪里），是使用吟誦方式演唱的詠嘆調。a-moll（a小調）的調性是否直接與莫扎特的鋼琴鳴曲K310的走向存在著某種聯系呢？可以發現在兩首樂曲中都彌漫著深深的嘆息。這是傾吐自己對丈夫變心的痛心、對自己目前境遇變化的慣怒和失望的呤誦。在管弦樂簡單的和弦進行中，及其與聲樂部分的配合同樣展現了許多典型的莫扎特的音樂要素。并且，Recitatibo（宣叔調）是帶樂音的對白，所以伴奏必須自然呼應該臺詞的抑揚頓挫和節奏，也就是說需要理解樂句的緩急。歌曲的行進和伴奏的效果，必須自然地相互呼應，融為一體。在吟唱間隙加入的伴奏，是決堤般地行進還是應該有間隔呢？同時加入的和弦，是豐富的聲音還是帶subito（急速）意味的弱音呢？

K310 a-moll奏鳴曲的開頭，左手伴奏中緊張的連續八分音符，讓人想起管弦樂的弦樂器聲音。這種弦樂的聲音，不允許有一個音的間隙，只是帶有緊張感地一味突進。左手一直放置在琴鍵上，使指尖產生緊張感，有規律且緊張地按下并利用琴鍵自帶的彈力自然反彈，反復如此而彈奏出的旋律正是莫扎特（Mozart）在其作品中展示的充滿激情的旋律。這首奏鳴曲是1778年7月莫扎特母親去世時期于巴黎創作的作品，因此充滿了悲劇性，并且從頭至尾都讓人聯想到管弦樂中弦樂的聲音。

第16小節八分音符的伴奏形式變成阿爾貝蒂低音（Alberti bass），因而增加了緊張感。管弦樂的低音弦樂器聲音，沒有一個節拍規整地在Tonika（主音）和Subdominant（次屬音）之間焦慮地來回鳴響。

22小節中右手的旋律應是單簧管，其間，左手的弦樂伴奏也帶有緊張感并使用P的強度來彈奏。單簧管的聲音從第28小節開始更加濃厚，因此如果以稍深沉的貼鍵方式彈奏，則可以奏出cantabile（富有歌唱性地）的濃郁音色，且富于變化。左手的樂句則是模仿弦樂的legato（連奏）奏法。

可見，古典派鋼琴曲的音色與管弦樂的聲音印象分不開。尤其， Mozart僅完成的戲劇音樂作品就有19部作品，加之歌劇的伴奏是管弦樂，所以從他的鋼琴作品中當然能夠聽到管弦樂的聲音。欣賞Mozart的歌劇作品，對于學習者來說是理所當然的事，不過，如果不實際學習伴奏，不在琴鍵上實際體驗其音色的本質和樂句的表達方法，則在演奏中很難聽出Mozart鋼琴作品的真髓。

結語

盡管能夠很有技巧性地彈奏鋼琴曲，但這只是學習過程中的一個階段，離作為一名演奏者登上舞臺上進行富有感染力的演奏還相當遙遠。演奏時的感染力是與對該作品樂句的研究深度有關。如果僅是每天在琴鍵上反復進行枯燥無味的練習，則無法獲得這種感染力。

聲樂伴奏往往都含有歌詞，所以是最適合當作理解樂曲、感受聲音氣氛、并使用鋼琴實際彈奏表達的學習訓練。另外，在歌劇伴奏中，通過傾聽管弦樂的聲音，可以培養對聲音立體感的敏感性，通過傾聽歌劇作品，還可以自然理解樂句的抑揚頓挫與流動。以自己指揮自己，訓練自我具備音樂的感受性，以及能夠分別彈奏出各個時代、各個作曲家的特點，也是非常重要的音樂表現技巧之一。

當然，要表現這些內容，除了純粹的演奏技術支持外別無他法。能夠彈奏和掌握排列的音階和半音價、3度和6度的彈奏技巧、和弦的彈奏方法等，無論是伴奏還是獨奏作品這些都是必需的基本技術，總之能夠彈奏是必需的前提。不僅是學習者，而且指導者也應該時常具有以更好地演奏為目標，綜合提高音樂感受性和演奏技巧這一意識。

因此，最為必要的是培養從多緯角度研究一個人的作品習慣與個性。從鋼琴作品中能夠了解到作曲家的思想。但是通過伴奏認知時，其感受是有所不同的。作為這種多角度研究的方法，應該在高校的音樂教育的同時，進一步引進和推廣“鋼琴演奏中聲樂藝術指導”作為專業音樂學院的必修學科。

注釋

①大宮真琴.鋼琴的歷史[M].音東之友社，1996.

②磯山雅.莫扎特[M].筑摩學藝文庫， 2014.

③西原稔.舒曼所有鋼琴作品的研究（下）[M].音東之友社，2013.

④Neal Zaslaw，森泰彥譯.莫扎特全部作品辭典[M].音樂之友社，2006.

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