西方繪畫藝術形象“美”與“丑”的審美思辨

毛鴻達

摘 要：歷數西方美術史上眾多繪畫藝術經典作品，“美”與“丑”的藝術形象不勝枚舉。文章以藝術概念的發展變化為基礎，通過歸納西方美術史當中“美”的藝術形象的不同表現方式，對西方繪畫藝術形象“美”與“丑”的定義進行分析，并借以說明“對美的追求是藝術永恒不變的主題”這個觀點，以西方繪畫藝術形象為例，對藝術形象“美”與“丑”進行審美思辨。

關鍵詞：繪畫藝術;藝術形象;美;丑

課題項目：本文系2018年湖南省教育廳等有關省廳局科研一般項目“基于西方繪畫藝術中‘美與‘丑藝術形象的文化思辨”（18c1021），湘南學院校級科研項目“‘陽剛‘陰柔藝術風格流變與文化精神關系研究”（2016XJ12）的研究成果。

從原始社會至今，西方繪畫藝術經歷了種種風格的變遷，在漫長的發展歷程中，不變的是對藝術審美的追求。藝術審美的對象是什么？要回答這個問題，相信有一個詞毋庸置疑——“藝術形象”。藝術形象這個概念源于人類最早的藝術形式，例如象形文字，雖然它與現代文字一樣具備表意的功能，但無論從字面意義還是文字本身來看，不難發現其表意功能更多依賴于圖像和圖形。之后的藝術形式更無需多言，尤其是繪畫藝術，離不開與形象的直接關聯。因此，可以這樣認為：藝術的審美，審視的就是藝術形象的美感。然而隨著西方藝術的發展，“藝術的宗旨是表現美”這一觀念開始被質疑，或許是因為西方當代藝術太熱衷于表現個性，出現了太多不可名狀甚至“丑陋”的藝術形象，使得美逐漸被輕視。這不禁讓人疑惑，藝術形象當中的“美”與“丑”到底該如何定義和理解？難道藝術發展至今真的不再需要表現美了嗎？對此，我們可以以西方繪畫藝術為例，通過對藝術形象的“美”與“丑”的辨析來回答這些問題。

一、西方繪畫藝術形象中“美”的表現

要理解西方繪畫藝術形象中“美”的內涵，我們可以沿著西方美術史的路徑，嘗試分不同的歷史時期來理解西方繪畫藝術中的“美”。

原始藝術，除了一些巖洞壁畫，似乎當下再也找不到其他更多的繪畫作品。不過通過這些巖洞壁畫，我們可以理解原始人類所認為的“美”。以現代人的審美眼光來看，原始壁畫中那些動物和人類的形象未免過于簡單粗獷，然而當我們理解了原始人類的觀察方式，以及壁畫當中表達的那種對大自然的敬畏、對生命繁衍的向往和崇奉，就不難理解為什么壁畫中的動物那么龐大和強壯，人類本身卻被表現得單薄和瘦小。這樣的形象表達正符合了原始人類心中“美”的觀念。

古埃及繪畫藝術最令人著迷的還是畫中那些獨特的人物形象。古埃及藝術具有以“正面律”為首的藝術法則。許多人不理解古埃及繪畫中的人物形象為何如此，溫克爾曼這樣的美術史大家曾斷言當時的藝術家們只能描繪丑陋的人像。實際上古埃及藝術的創作目的并非是追求好看，側面的面部、正面的肩部和腿部、正面與側面結合的胸部和腰部，都是為了最大程度凸顯人物的體貌特征，這樣的形象才符合古埃及人的審美。

現今我們可見的古希臘、古羅馬繪畫藝術，主要表現為壁畫和瓶畫。古希臘藝術的人物形象有著相對固定的形態，波利克列特斯的《荷矛者》確定了頭身1∶7的比例，利西普斯創造了頭身比例1∶8的新標準，《米洛的維納斯》塑造了最為完美的S形體態，它們如此理想而寫實，這也是古羅馬藝術的特征，在古羅馬藝術人物形象中我們明顯可以看到古希臘藝術的身影，它們表現的是偉大而具有神性的美。

中世紀的繪畫藝術以及這個時期的建筑藝術和雕塑藝術，所表現的都是一種靜穆的、虔誠的美，不在乎逼真、寫實和特點的表現，只為用莊重的藝術形象將宗教的典故和教義向世人娓娓道來。

繪畫藝術是歐洲文藝復興藝術最經典的部分之一，充分地體現了歐洲文藝復興文化遺產的美感。薄伽丘在《十日談》當中盛贊喬托的藝術使得沉寂了幾個世紀的藝術重見光明，這句話簡潔而深刻地表明了文藝復興藝術最深刻的美——人性之美。馬薩喬的《逐出伊甸園》、達·芬奇的《蒙娜麗莎》和《最后的晚餐》、米開朗基羅的《大衛》、拉斐爾的圣母像以及北歐文藝復興眾多藝術形象之美都反映了文藝復興的精神。

通過對巴洛克到寫實主義繪畫作品中藝術形象的觀察，我們可以這樣認為：無論是巴洛克、洛可可，還是新古典主義、浪漫主義，抑或寫實主義，均是具有不同思想傾向的寫實藝術。巴洛克藝術的美是氣勢宏大的美，洛可可藝術表現的是精致奢華之美，新古典主義表現的是英雄主題的古典之美，浪漫主義則表現的是強調激情和想象的藝術之美，而寫實主義表現的是直面現實生活的美，它們賦予了西方繪畫藝術更為豐富的含義和藝術美感。

印象主義打開了西方現代藝術的大門，之前西方美術史上那些常見的題材似乎不再被印象主義以及之后的藝術家們所關注，畫面的內容情節似乎不再重要，取而代之的是大自然中絢麗的光色效果，或跟隨自己的眼睛，或將色彩的科學直接運用到畫面當中，或在畫面中以夸張的形象表現藝術家自己的人生觀與價值觀，用與以往截然不同的奔放跳躍的色彩表現生活當中最不起眼的事物。

二、對西方繪畫藝術形象“美”與“丑”的分析

在西方美術史的不同時期，有眾多精美的藝術形象，印證了藝術追求美、表現美的精神內涵。然而也存在一些奇怪荒誕甚至丑陋的藝術形象，它們也具有自身的藝術內涵。該以怎樣的角度去理解這些美與丑的藝術形象呢？憑借什么標準來定義藝術形象的“美”和“丑”呢？我們可以結合經典繪畫藝術形象分層次來分析。

第一，本身優雅而有美感的形象必然會讓人覺得美。例如英國風景畫家康斯坦布爾代表作之一的《埃塞克斯威文荷公園》，以精美細致的筆畫表現了埃塞克斯地區盛夏的優美景色，這些令人賞心悅目的畫面形象必然會給人以美感。與之相反，某些藝術形象甚至從外觀上都令人難以忍受，自然會產生“丑陋”之感，例如法薩諾《死于瘟疫的人》當中全身浮腫、滿身爛瘡的人物形象，實在讓人從心底產生丑陋甚至厭惡之感。第二，符合科學的比例和原理的形象會產生美感。例如新印象派代表藝術家修拉在他的代表作《大碗島星期天的下午》當中，運用科學的原理，將數量繁多的色點進行并置，當觀看者與畫面拉開一定的距離，畫面當中那些完整而又色彩紛呈的形象躍然眼前。反之違背了現實比例和原理的形象則很容易令人產生不適的丑陋之感，萊辛在《拉奧孔》當中闡述詩中的“丑”和繪畫中的“丑”時有這樣的描述：“這種丑是礙眼的，和我們對秩序與和諧的品位相沖突，會撩起厭惡之感。”斯圖加特藝術博物館所藏德國表現藝術家迪克斯的作品《沙龍》中，那些身形肥碩，頭身、五官比例失調的女人形象，無論如何也難以讓人聯想到美。第三，符合人類社會精神和道德標準的藝術形象，往往都會在人們心目當中產生美感。新古典主義大師大衛的代表作《賀拉斯兄弟的誓言》，表現賀拉斯三兄弟為了國家大義凜然赴死的藝術形象，作品所表現的英雄主義以及為國獻身的情結正符合法國資產階級大革命的精神，具有強烈的美感。反之如果畫面當中的形象違背道德倫常，則勢必因令人厭惡而產生丑陋之感，西班牙浪漫主義先驅戈雅的經典作品《農神吞噬其子》在西方美術史上以陰暗恐怖而聞名。畫面當中農神薩圖爾努斯正殘忍吞噬自己孩子，十指深陷其子的殘軀中，父食子的形象給觀者帶來不寒而栗的驚懼及丑惡感。第四，反映時代積極向上的主流精神的藝術形象，往往能產生巨大的美感。例如西方美術史上最為著名的肖像畫——達·芬奇的《蒙娜麗莎》，就是對歐洲文藝復興人文主義精神的詮釋，那經典的微笑和動態，散發著濃郁的人性意味，無論對于之后任何時代的人們來說，這經典的形象都洋溢著令人回味的美感。反之那些反映某個時代陰暗丑陋的社會現象的形象，讓人感到異常的丑陋。迪克斯的作品《大都會》中那些濃妝艷抹、低俗怪誕的舞女形象，表現的正是歐洲工業社會的陰暗面，與時代的積極精神相違背，丑不可言。

另外，從某種意義上來說，“美”與“丑”應該還是一對相對的概念，丑之所以為丑，是因為與美進行比較。與精致的形象相比，粗陋的形象則顯得比較丑;與積極的形象相比，消極的形象則成了粗鄙丑陋的角色。

三、對美的追求是藝術永恒不變的主題

任何一個時代，無論多少荒誕丑陋的形象充斥著藝術，都不能改變藝術的“審美品質”。藝術作品中那些個性表現，無非是一種不同的表達角度和方式。那些丑的藝術形象從表面上看確實給人以丑陋的感覺，似乎使得整個藝術作品都不再美觀。然而可否從更深的角度進行審視呢？正因為美與丑的相對性，當丑陋的形象被露骨地表現出來時，是否也是在暗示人們美應該是怎樣的呢？這些丑陋形象是為追求丑而表現丑嗎？難道不是為了襯托美、揭示美而表現丑嗎？這樣看來，無論是那些表現得異常美麗的形象，還是那些披著丑陋外衣的藝術形象，實際上都印證了“藝術是為了表現美而存在的”這個事實。

四、結語

藝術當中“美”的形象固然令人賞心悅目，然而“丑”的形象卻往往有著更為震撼人心的力量，就如同悲劇的美感往往大于喜劇，被稱為“戲劇之冠”一樣，是一種另類的、反面的“美”。正是因為二者的相輔相成、互相成就，藝術才真正具備了直達內心的力量。

參考文獻：

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作者單位：

湘南學院美術與設計學院