天方藝談

《星群II》（Constellation II）2022鋁 金箔，78.7 x 55.3 x 52.7 厘米31 x 21 3/4 x 20 3/4 英寸。喬治·康多，圖片：藝術家、豪瑟沃斯。攝影：Thomas Barratt

如今AI也能生成繪畫作品，2021年，一個名為Botto人工智能算法在拍賣會上憑借其生成的六件NFT藝術品賺取了大約130萬美元，包括近期備受熱議的ChatGDP，或許也能進行藝術市場分析……甚至科幻連續劇《西部世界》其實也發出了“機器人反噬人類”的警醒。

與其終日憂心忡忡“被替代、被消滅”，不如拿出藝術家的自信，藝術家Timon I說：“盡管AI也能完美地涵蓋你的風格，它永遠不會犯自己無法修復的錯誤。我認為這些錯誤是我們如何看待藝術家和機器之間的區別。”人類固然有區別于機器的獨特之處，如George Condo所說“人是奇怪的”。邦瀚斯亞洲區現代及當代藝術部主管關尚鵬（Marcello Kwan）也大膽想象未來人類與機械人的藝術對話座談會場景，大家也許會各持己見，爭論不休，這看似天馬行空，不過應該終究會有這一天的到來。

喬治·康多（George Condo）圖片：藝術家、豪瑟沃斯。攝影：Michael Avedon

豪瑟沃斯西好萊塢空間即日起正式開幕，開幕首展帶來美國著名藝術家喬治·康多（George Condo）的新作個展，這亦是康多近五年來再次在洛杉磯舉辦個展。

展覽標題“人是奇怪的”（People Are Strange）取自洛杉磯的傳奇樂隊The Doors 1967年的同名熱門歌曲。康多的油畫新作充滿著破碎的肖像與圖形。在這組大尺幅的作品中，康多繪制出層層縈繞的線、面與幾何形狀，構建出一個沖撞對抗的世界——它莊嚴又欣快，連續又混亂，美麗又丑陋，遵循邏輯又難以訴諸語言。

此次展出的作品于過去的一年半內創作于紐約。在這些重塑結構的畫作中，康多借由他對繪畫媒介的精準掌控，傳遞出深刻的矛盾，粗糲的線條與優美的片段在此并存——象征著現代生活中無處不在的分裂力量。關于展覽標題“人是奇怪的”，康多所指的是“我們時代的政治分化所造成的社會分裂。我在作品中有意地將支離破碎的片段并置，意在指出問題：究竟是人奇怪，或實際上政客才是奇怪的，導致人們變得不再像人、不再抱有幻想，且最終變得奇怪……甚至成了自己的陌生人？ ”

“人是奇怪的”是康多對身邊奇幻世界的印象，也由此捕捉了時間流逝所帶來的普世轉變，這也與人們在疫情期間共同經歷的時間停滯之感息息相關。

喬治·康多（George Condo），《轉變》（Transformation），2022，丙烯 油彩棒 金屬漆 亞麻布，228.6 x 647.7 厘米 / 90 x 255 英寸 喬治·康多，圖片：藝術家、豪瑟沃斯，攝影：Thomas Barratt （局部）

豪瑟沃斯在西好萊塢的全新空間位于一棟1930年代的西班牙殖民復興風格的建筑中，充滿著好萊塢黃金時代的氣息。展覽呈現了康多在創作尺幅與作畫過程中的最新探索。這組新作看似截然不同，卻通過變化讓這一主題串聯了起來：它們充分展現了時間性——它存在于層層拼疊的結構里，亦在人像的荒誕異想之中。每件作品都體現了自身的沖突：時而混亂無序、外表完整，反映出這個時代的分裂本質，并間接言及現今世界里時刻變化的分歧。康多認為自己能夠詮釋出時間難以言喻的影響，他曾道，“社會與人的變化，人人都能感受到，但只有畫家可以表現出來。”

巨幅三聯畫《轉變》（Transformation，2022）是展覽的核心作品之一，觀眾通過好萊塢圣莫尼卡大道前、畫廊空間的巨型玻璃櫥窗便能看到它。這件作品的狂熱能量，在鮮麗復雜的畫中場景回蕩。波浪狀的狂歡畫面，被畫布上彼此聚合又分離的人像所打斷。康多意指人們越來越孤立的傾向，隨后彼此疏遠，與社群和社會產生摩擦。而創作這樣一件作品所需的時間——包括繪制線條與顏色，以及剔除、增加、再重復該步驟的持續過程——比最終畫面表面所能看到的要耗費更多。因此，時間本身便成為了展覽的素材和主題之一。

喬治·康多（George Condo），《寶石綠與金色的漸變肖像》（Transitional Portrait in Turquoise and Gold），2022，丙烯 金屬漆 油彩棒 亞麻布，300.7 x 267.3 x 3.8 厘米 / 118 3/8 x 105 1/4 x 1 1/2 英寸 。喬治·康多，圖片：藝術家、豪瑟沃斯，攝影：Michael Avedon （局部）

喬治·康多（George Condo），《冰雪暴》（Snowstorm），2022，丙烯 金屬漆 油彩棒 亞麻布，208.3 x 213.4 厘米 / 82 x 84 英寸。喬治·康多，圖片：藝術家、豪瑟沃斯，攝影：Sarah Muehlbauer

喬治·康多（George Condo），驚魂記，2022年，布面油畫。228.6 x 215.9 厘米/90 x 85 英寸，攝影：Thomas Barratt

文學能以獨特的方式記載時間流逝、持續影響讀者，而康多受此啟發，創作出三幅巨大的女性繆斯肖像作品，形象高雅而神圣。每幅繆斯肖像都有一個主色調，以圖像的強度來傳達情緒。譬如在《寶石綠與金色的漸變肖像》（Transitional Portrait in Turquoise and Gold，2022）中，同一畫面內猶如一部縮時電影，從左到右描繪了生命過程中歲月的不復返。

喬治·康多說道：“諷刺的是，隨著年齡增長，我們的思想、心靈會變得更年輕，但我們的外表卻與內在截然不同。對觀者而言，這是悲劇與美麗的邂逅。”康多以繪畫記載時間性的嘗試，借由新雕塑作品《星群II》（Constellation II，2022）進一步擴展到三維形式。作品由位于紐約林肯中心（Lincoln Center），高達三米有余的巨型雕塑《聲群》（Constellation for Voices，2019）延伸而來，它們同樣具有一個多面的黃金頭部，集人類與外星人于一身——它們是不同形態的辯證調和。

《星群II》將不同角度與形態的元素拼貼在一起，最終得到的實物栩栩如生，讓人同時聯想起古代神靈與現代人類。《星群II》具有藝術家所指“空間、超凡和銀河般”的效果，向觀者表達了無限性與可變性，而不論好壞，它們都是人類現時的處境。

喬治·康多（George Condo），《我是人嗎？》（Am I Human ？）2022，油彩 亞麻布，215.9 x 228.6 厘米 / 85 x 90 英寸。喬治·康多，圖片：藝術家、豪瑟沃斯，攝影：Michael Avedon

喬治·康多（George Condo），蛇蝎美人，2022年，布面油畫。215.9 x 228.6 厘米/85 x 90 英寸，攝影：Thomas Barratt

豪瑟沃斯西好萊塢空間展覽同期，紐約摩根圖書館與博物館（Morgan Library & Museum）將呈現「心靈之門：喬治康多的素描」（Entrance to the Mind： Drawings by George Condo），展出28幅紙上作品，概述康多在過去45年的素描創作。在今年三月的歐洲，由迪迪埃·奧廷格（Didier Ottinger）策劃的康多個展「擬人」（Humanoids）在摩納哥新國家博物館帕洛瑪別墅（Nouveau Musée National de Monaco – Villa Paloma）舉辦。

喬治·康多1957年生于新罕布什爾州康科德（Concord），目前在紐約居住、工作。他在馬薩諸塞大學洛厄爾分校學習藝術史和音樂理論，之后移居紐約，擔任安迪·沃霍爾的印刷工。1985年，康多搬到巴黎，而后在歐洲生活了十年。

在這期間，康多開創了他的標志性風格“人工現實主義”（artificial realism），并初次涉足雕塑創作。他三米余高的金箔雕塑《聲群》最近剛被購入并永久贈予林肯表演藝術中心的大都會歌劇院（The Metropolitan Opera House）。康多已舉辦了多場個展，包括2016年在柏林國立博物館的貝加倫博物館（Museum Berggruen in Berlin）舉辦的「對峙」（Confrontation），康多的作品與其參考的藝術史經典作品并列展出，如塞尚、畢加索、馬蒂斯、克利、賈科梅蒂等。

2011至2012年，康多生涯中段的肖像畫研究展「心理狀態」（Mental States）在紐約新美術館、鹿特丹博伊曼斯·范伯寧美術館（Museum Boijmans Van Beuningen）、倫敦海沃德美術館、法蘭克福希爾恩美術館（Schirn Kunsthalle）巡回展出。此外，康多的作品還出現在許多國際雙年展上，包括2019年和2013年的威尼斯雙年展、2015年的第十三屆里昂雙年展、2014年第十屆光州雙年展，以及2010年和1987年的惠特尼雙年展等。

康多的作品也被許多知名公共機構收藏，包括巴黎蓬皮杜藝術中心、倫敦泰特現代美術館、洛杉磯布羅德博物館、紐約大都會藝術博物館、紐約現代藝術博物館、所羅門·R·古根海姆美術館、惠特尼美國藝術博物館等。

Timon I 攝于工作室， 圖片由Timon I提供

藝術家Timon I的作品內容基于他在明尼蘇達州和香港（這兩個截然不同的地方）的生活經歷。他將來自這兩個環境的事物組合在一起，去創造出一種平衡以及一種獨屬于他的舒適空間。“大多數時候，當我在城市中閑逛時，我的腦海就會自動浮現出一些圖像—— 邊走邊思考有助于我將想法視覺化。我的興趣在于，通過將想象力注入到我創作的畫面之中，逐漸將觀眾從熟悉的事物或被忽視的日常場景中帶領至我的創作視野。書本中的故事和真實的生活經歷也是我的主要靈感來源。我會用創作的方式轉述或抵消這些體驗給我帶來的意義和情感共鳴。”

此前，藝術家Timon I個展于美國VillageOneArt Gallery開幕，成立于2018年的VillageOneArt Gallery位于紐約切爾?，由前知名鳳凰衛視主持人Vivienne Yang與策展人Christy Qin共同創立。

VillageOneArt是一個促進多樣性和創造性的藝術空間，突出個性、想象力和藝術表達。 自成立以來，VillageOneArt一直致力于發掘全球最有潛力的當代藝術家，積極充當藝術家和公眾 之間的橋梁和紐帶，并策劃了多個反映當下時代精神的藝術項目。當代藝術作為文化對話的重要 組成部分，VillageOneArt堅信當代藝術為大眾提供了獨特的視?去看待當今時代和社會。通過展現豐富多樣的當代藝術表現形式，引發大眾對當前所處時代的思考與共鳴。VillageOneArt Gallery 負責人表示：“作為一家當代藝術畫廊，我們一直致力于挖掘有潛力的新興藝術家，為他們提供更多的機會去向世人呈現自己的作品，幫助他們在公共視野中留下美的痕跡。我們相信不管是對藝術家還是對大眾，都有著非常積極且深遠的影響。越來越多的年輕藝術家通過我們的宣傳出現在大眾視野中，以激勵他們去創作更優秀的作品，而欣賞作品的人群也會得到某種心靈上的慰藉亦或是生活上的啟發。Timon I就是這樣一位年輕且鮮活的藝術家，他的作品對圖像的角度，線條和色彩都有著及其微妙的把控，并對“空間”這一主題進行了深度的探索，令觀眾不自覺的沉浸在自然和家庭的廣闊奇妙空間中，呈現出一種異常和諧的視覺奇觀。

我們希望通過這次展覽，讓觀眾感知到現實世界中不一樣的風景與視角，在Timon I創造的空間中盡情感受美的存在。”

自畢業以來，Timon I的風格發生了很大變化。在他念研究生之前，一直在追求更具象的繪畫方式。然而隨著時間的推移，他發現自己作品中的人物的存在僅僅存在于我的舒適圈當中，他們限制了自己的表達。“所以我走出了我的舒適區，畫下了紙花之類的物體，創造了更多令人興奮的畫面。

現在作品的主題表達和畫面肌理以及圖像都成為了輔助我視覺化想法和情感的有利工具，它們不再是為了出于純粹的審美和可識別目的而存在。”隨著Timon I個人創作的增加，也逐漸于繪畫中加入更多符號和元素，作品更多地是關于讓Timon I激動的那些故事或想法的解釋。Timon I的作品充滿了故事性，不僅有對于人性的洞察，也有關乎時間空間的敘事性，他的第一夢想就是成為“小說家”。

我年輕時讀過很多不同的小說，對故事和神話很著迷，而且成為小說家是我的第一個夢想。長大后我發現自己有學習障礙，所以在組織和拼寫詞方面有困難。因此我改變了主意想成為一名視覺藝術家。可是當我創作繪畫時，故事仍然是我的主要靈感，畢竟誰不喜歡好故事？

我在努力完成整個銀河系漫游指南小說系列。至于音樂，而具有魔幻實驗性的大衛·鮑伊搖滾樂最近一直在我腦海中浮現。

我對舒適的理解是身在一個可以做自己而不受其他人影響的空間。至于生活上，因為我住在紐約，周圍總是有噪音，這令我想遠離物質和網絡的世界。

因此我通常會在畫上創造平靜和自己想象的環境，可以舒適地生活在我自己的腦海里。我覺得我這兩種“舒適”是有關聯的。然而，舒適的概念是相對的，舒適和挑戰可以共存。有時面對挑戰比留在自己的區域更舒服。它會激勵你并給你一個目標。

對，這種愉悅感是我熱愛繪畫的原因。我很喜歡那種完全專注，沒有感覺到時間，在整個世界中只有你與你的畫的感覺，就像跟自己的畫作進行對話。

對于一個年輕的畫家來說，這是一個奇怪的問題。與其他職業不同，畫家總是回顧過去的畫家并研究他們。所以在某種程度上，畫家與死者有著特殊的聯系。

然而，作為一個20多歲的畫家，死亡似乎遙不可及。我認為在某種程度上，我們創作藝術是因為對死亡的焦慮，而創作藝術是一種反抗死亡并證明我們死后存在的方式，就像古代穴居人在他們的墻上所做的那樣。

“大多數時候，當我在城市中閑逛時，我的腦海就會自動浮現出一些圖像—— 邊走邊思考有助于我將想法視覺化。我的興趣在于，通過將想象力注入到我創作的畫面之中，逐漸將觀眾從熟悉的事物或被忽視的日常場景中帶領至我的創作視野。”

時間的盡頭（細節圖），2022，布面油畫，127x254厘米，圖片由VillageOneArt提供

明天明天又明天（細節圖）2022，布面油畫，152.4x101.6厘米，圖片由VillageOneArt提供

柏拉圖洞穴的另一面（細節圖）。2022，布面油畫，162.6x116.8厘米。圖片由VillageOneArt提供

心如止水（細節圖）。2022，布面油畫，127x172.7厘米。圖片由VillageOneArt提供

光線和色彩，一直是Timon I繪畫的核心和要素。“這兩個元素共同創造了一種我想傳達的崇高甚至是超脫的感覺。”

對Timon I來說，獨處的繪畫過程是一種能讓自己感到專心致志的療愈媒介。Timon I的畫有時會給人一種孤獨的感覺，因為在陌生的環境中沒有人的存在。

這種感覺可能就像第一次獨自在山上徒步旅行一樣。Timon I看自己的畫其實并不覺得寂寞，但畫畫對他來說是一種孤獨的行為，“所以有時觀眾可能會從我的畫中共情到我的感受，并將這個詞與我的作品聯系起來。”

將人物放入畫作中是非常需要技巧的，因為人物可以立即成為畫面中的焦點。因此平衡人物和場景這件事才如此富有挑戰性。當我將一個人物放置在畫面中時，我通常會避免畫出人物面部或者只選擇畫身體的某一部分，這樣人們就會把這個人物看作為一個物體。我只在我認為需要有人在的時候才把人物放在畫面中去。

很多時候，我會在街上閑逛時拍照，后續在 photoshop 中重新繪制和編輯它們，以創造出一些新的情緒和構圖。我不需要獲得準確的參考，但我認為在正式著手下筆之前，準備好正確的調色板和構圖是必不可少的。

對我來說，AI 藝術是一個完全不同的藝術，就像蘋果和橙子。科技追求完美，但藝術并非如此。我的一位大學教授說，“風格就是你無法修復的錯誤。”盡管AI也能完美地涵蓋你的風格，它永遠不會犯自己無法修復的錯誤。我認為這些錯誤是我們如何看待藝術家和機器之間的區別。

我應該很快就消滅，也許問他殺我有什么意義？

我目前正在完成我的一系列城市和自然的項目。我的目標是創作 20 幅作品，目前為止我完成的數量是17幅。我之所以選擇20，是因為我對“英雄之旅”里提出的想法和概念很感興趣。我的前十幅作品均在夜間作畫，表現英雄旅途的開始與死亡；后十幅則創作于白天，表現英雄的蛻變與重生。

對于我的大部分畫作，我更喜歡更大的尺寸，比如 60 英寸。但其實對畫作比例的決定往往取決于我對構圖的考慮。我希望觀眾看到我的畫時就像透過窗戶看到一個不同的世界。因此當我靠近一塊大畫布時，我的目光喜歡上下移動，仿佛在現實中觀看的方式一樣。在我的作品中，一些物體會比現實中更大或更小，我會通過變換不同的比例去創造一個似有若無的世界。

叛逆者（3），2022，布面油畫，50.8x40.6厘米，圖片由VillageOneArt提供

Deborah ??Brown

邦瀚斯此前與藝術顧問公司艾藝（Arodite.）聯合呈獻“DEBORAH BROWN：靜影無聲”藝術展。展覽為期三周對公眾開放，帶來23幅出自美國當代藝術家Deborah Brown之最新布上及纖維板油畫作品。藝術家以自身成長生活的紐約及加州為主題，街景看似尋常，色彩卻異常斑斕奪目，光影亦格外利落分明，猶如置身不可思議的國度，帶領觀者體驗藝術家從平凡生活中所見之不凡。

Deborah Brown此系列作品取材自她與愛犬的散步日常，卻以極為強烈的色彩與光影作為藝術語言，配合律動輕快的筆觸，為尋常不過的街角帶來耳目一新的視覺體驗。畫中不見主角本人，而是以一道拖著小狗的細長斜影出現，更易讓觀眾代入其中，以第一身視角游歷城中大街小巷，見藝術家之所見，感其所感，體驗紐約布魯克林（藝術家現居地）以至加州南部（藝術家出身地）動人之處。

構圖上，被拉得長長的孤影，又與建筑物、樹木與地面等元素互相分割畫面，斑駁陸離，配上炫目的色彩與光影，則成為一幻異的抽象空間，激烈中見恬靜，孤獨中尚存溫暖。Deborah Brown 現于紐約布魯克林居住及工作。她以最高榮譽成績（summa cum laude， Phi Beta Kappa）畢業于耶魯大學，并在印第安納大學獲頒碩士學位。其作品早已被各地美術館及藏家收藏，包括波特蘭美術館（Portland Museum of Art）及邁阿密當代藝術學院博物館（ICA Miami）等。

Deborah Brown，朝向西方 2021 oil on Masonite。24x18inches

2008年，我在布魯克林的特魯特曼大街（Troutman Street）上發現了我的狗 Trout。我們已經一起生活15年，現在她是一只老狗了。當我們每天去散步時，為方便構畫，我會用手機拍攝街角景觀，這時我也會讓Trout稍停下來，她就會耐心地等著。構圖上，我多把自己放在Trout和拖帶旁邊的各個位置，從中湊出有趣的畫面。Trout個性溫柔寬容，既是我的同伴，亦是我這系列的創作伙伴。

相比我拍攝的景象，Trout似乎對街上的氣味和食物碎屑更感興趣。

正是！有時我會特寫描繪我們在壁畫及涂鴉牆上的影子。亦有些情況如《孤獨星球》中，我夸大了視角，幻想我們正沿著陡峭的大街穿過布魯克林，遠方便是曼哈頓。這其實是我家附近的真實景觀，但我以戲劇化的方式創作，透過不同的視角，呈現不一樣的情緒和感受。

我對四周所見的事物很著迷，會繼續從當中取材。我正在創作另一油畫系列，是以街頭小販和我家附近各種活動為題，但這次我和Trout的影子則不會出現其中。

邦瀚斯亞洲區現代及當代藝術部主管關尚鵬先生（Marcello Kwan）

“Deborah的作品總給予觀者濃濃的視覺享受。其筆下的奇光異彩固然巧妙，但與影子的對比才是畫龍點晴之處。我們站在畫前，便瞬即代入藝術家及其愛犬的第一身視角，有種不在場的存在感。身處之地看似是公共空間，經細心處理后，卻幻化成自身的私人世界。對比眼前一切色彩繽紛之景，她倆的影子顯得低調而安靜，卻溫存生命的熱度。我們特別鳴謝合作伙伴艾藝，令此次展覽得以成功舉行。”邦瀚斯亞洲區現代及當代藝術部主管關尚鵬（Marcello Kwan）表示。關尚鵬于拍賣及畫廊界坐擁逾二十年豐富經驗，加盟邦瀚斯前曾出任佳士得香港區副總裁、現代及當代藝術部資深專家暨拍賣主管一職，期間為晚間拍賣徵集明星拍品無數，同時策劃多場別出心裁的展售會。任職佳士得前，關先生亦曾主理香港知名畫廊漢雅軒。本期于關尚鵬先生的獨家專訪中，除了探討藝術，他也展開關于人工智能的大膽想象。

我小時候就是喜歡畫畫，是香港中文大學藝術系畢業的，就是因為喜歡畫畫才修讀藝術，讀書的時候也沒有考慮日后是否能夠賺錢和生活等問題。畢業之后我卻沒有成為一位藝術家，反而走向藝術商業這個范疇。我在漢雅軒（一家香港畫廊）工作時，中國當代藝術市場正冒起，認識了很多當時炙手可熱的藝術家，例如卓曉光和曾梵志等人。我雖然從事藝術工作已經20年，今天還是沒有放下一直埋在心中的創作愿望，或許時機還是未對上吧？

說實話，所謂的市場價值，有時候也不完全可用直覺辨別出來。當代藝術市場太復雜了，有太多新的規矩，跟一百年前的藝術不太一樣。

今天的當代藝術，很多是關于觀念，關于傳播性，關于如何把一個概念轉達給世界上最多的人。現代藝術時期距今才百年，其中代表人物畢加索，創作力驚人，更能開展新的藝術主義；但是也有許多藝術家的創作還是非常個人化。

他們的作品以自己內心世界出發，看起來心思有點平靜，其藝術力量卻在隱隱吐出，有時候這些才是最吸引我的。不過對于曾經受訓于學院及學習美術史的人而言，總能夠以綜合方法辨別有意思的新作品。辨別一個藝術家的好壞，不能只用幾件作品決定，有時候你會看到一些有意思的想法，但或因藝術家的經驗仍幼嫩，未能將之發揮最好，這是需要時間去觀察。一位藝術家能否真正成長開花結果，有時往往需要10年，或更長的時間驗證。

Deborah Brown。感恩節前夕 2022 oil on canvas60x48inches

我若要選擇一位藝術家作為展覽主角，最重要是他具有明顯的個人藝術特色。有時候我覺得創新這個詞語用得太泛濫，世界上很多創作其實也不是翻天覆地的創新。我更關心的是，這個藝術家的創作是否真誠，能否用最恰當的語言表達自己對世界、人生或事物的看法。近來我跟收藏家分享說，我喜歡那些老老實實，安安分分地繪畫出來的作品。即使沒有驚天地的內容，但帶有感情的筆觸，也可能已觸動我的注意力。去年我在邦瀚斯策展的兩個展覽都是跟藝術家直接溝通，對話都是在工作室、咖啡店和餐廳進行，過程非常愉快。大家能夠彼此建立信任和期望，是我在策展過程中感到最有意義的地方，也是非常難忘。

我認為藝術最寶貴之處，始終是作為個人思考的延伸。作品是代表自己的，它可以與別人無關，當然也可以因為某種原因影響很多人，這是不能一概而論的。當然，一般大眾或容易被新鮮刺激的新技法所吸引，但我還是很尊重那種純粹從藝術本身出發的創作，非為市場，亦非為收藏。可是今時今日，這種藝術家好像越來越少了，這亦是值得我們思考的。

今次的策展跟藝術顧問公司艾藝Arodite. 合作進行，我們先對藝術家進行挑選，最后找到Deborah的創作。我認為她的作品令人產生一種莫名的感動，也許就是畫中那一種孤寂感，在色彩斑斕的城市影像中，只見兩個孤單的身影，卻令我感到無限的溫暖。當中訴說著一種親密關系，是人類心理追求、渴望的情感。藝術家的創作經驗非常豐富，我們在選擇作品的過程中非常順利。

我相信任何人都會希望看懂一張畫，只不過有時候藝術不是用說明來理解的，如果用上太多文字或理性，作品就會顯得過于枯燥，亦失去視覺藝術本身的生命力和吸引力，所以我很享受能夠找到一些作品，若站在它面前觀看著，一不留神便會迷失自我，進入畫面中，成為畫中的一份子，這種經驗是非常難得的。就像你站在草間彌生“無限的網”油畫作品面前，嘗試注目1分鐘，你會明白我在說什么。

至于我們討論是否能夠打動一個人，這個當然要看不同觀眾的視覺及個人經驗，對于一些有飼養狗只的觀眾，也許他們能夠比我更投入地欣賞Deborah的作品吧？不過在旅行時用手機拍下自己在地面上細長的影子，也是我經常喜歡做的事情喔。

Deborah Brown 月光 2021 oil on canvas 70x80inches

當代藝術市場不斷在變化和進化，每天都有新的藝術家進入這個大家庭，為我們帶來很多新的想法和表現方式，我們必須保持開放的態度去接受不同的新作品，所以在我未來的策展方向上，我也希望可以達到這一方面的平衡。

不是因為需要單方面迎合不同年齡層的收藏家口味，有時候一些所謂潮流作品，也不一定是年輕藏家的專利，所以我覺得必須要用一個開放的心態去策展。

我有收藏一些作品，不過我傾向不會公開，這樣才可以避免有太過主觀引導，因為收藏可以是非常個人的事情，有些收藏家喜歡把作品都公諸于世，有些卻不然，也許我是后者吧？

Deborah Brown 水神 2023 oil on canvas 60x48inches

Deborah Brown 石門廊 2023 oil on canvas 48x48inches

收藏過程是一個旅程、是一個冒險，很多事情都是會改變的，但是也會有些是你計劃中的，不過我覺得沒有百分百的確定性，最后的結果往往給人意外，無論是喜是悲，都是一趟難忘的旅程。

所以，我往往建議收藏家在收藏每一件作品之前都要先多做不同研究，清楚自己正在購買什么，然后在旅程中把它視為自己的伙伴，共同進退，即使你要把它視為終身伴侶，又或者是一個過客，都心安理得，因為你知道自己是清楚理解為什么要收藏這件作品，而不是人云亦云，追逐潮流的尾巴。

人工智能即將會對人類造成翻天覆地的影響，這是無可置疑的。這個時候我們只能夠思考更多有關人類自身的價值，藝術也能被人工智能合成之后，我們如果作為藝術創作的話，就要更加努力去思考什么是代表人類，什么是人類還可以創造的。一定有這個部分的地方，這樣就是會把藝術推向兩個不同的方向。一方面可能是科技藝術的發展，另一方面是更加強化人手做出來的某種效果的作品。至于藝術市場的分析，因為人工智能掌握了大數據，的確他也能做到。不過有時候是否需要去購買一件作品，也不一定單純跟數字有關，也有更多其他人為因素，也許我還是用比較烏托邦的思考方式去面對吧？

我在想象，如果我是藝術家，有一個聰明的藝術機械人助理，我會請他幫我調出我喜歡的顏色，然后把調色盤交到我手上，讓我進行自己滿足的創作，然后請他把顏料和畫筆清理好，這樣我可以有更多時間和家人分享，有一個人工智能助理也不錯。然后我想以后每年也許會有人類與機械人的藝術對話座談會，大家也許會各持己見，爭論不休，這看似天馬行空，不過應該終究會有這一天的到來。那個時候我們人類團隊可真要好好努力。