寫意花鳥畫創作的實踐與思考

摘 要：中國藝術的長河中，寫意花鳥畫獨樹一幟，有著悠久的歷史。自五代的花鳥畫家黃筌、徐熙并起以來，素有“黃家富貴，徐家野逸”的說法。黃、徐兩大流派分別在宮廷畫院內發展：前者畫作精細，手藝高明，勾金填粉，色彩鮮明，整體給人富麗堂皇的感覺；后者則在畫院之外生存，以水墨為主，放情筆墨，畫中有詩，幾筆盡顯心中物象。由此，形成了院體畫和文人畫的區分。寫意花鳥畫也在這個時期快速發展起來，并一直延續到今天，傲立于藝壇。

關鍵詞：寫意花鳥畫；臨摹；寫生；經營位置；水走墨留

中圖分類號：J204 文獻標識碼：A 文章編號：2096-7357（2024）22-000-03

寫意花鳥畫注重精神表現，筆墨氣魄宏大，形象概括，以表現畫家真實情感意境為主。它不受時間、空間、物體、光影、色彩、透視等諸多因素的影響，汲取中國傳統文化的精髓，達到道法自然，天人合一的最高境界。寫意花鳥畫的發展以林良、陳淳、徐渭、朱耷、金儂、華嵒、蒲華、任伯年、吳昌碩為代表，以及現代的齊白石、徐悲鴻、潘天壽等名家巨匠。寫意花鳥畫的創作需要具備幾項傳統功底，一是扎實的傳統文化功底，二是良好的書法功底，三是獨特的審美意識，三者缺一不可。此外，還需要精良的工具，紙、筆、墨、硯。一個成熟的寫意畫家必須經過不斷的臨摹優秀傳統名作、寫生收集創作素材、精心構思創作構圖，最后再進行創作，完成作品。

一、“臨摹”：構建對寫意花鳥畫之“神韻”的理解

國畫與西畫不一樣，國畫的學習歷來是以師帶徒的形式，充分對歷代經典名畫進行分析理解，然后進行臨摹。國畫創作必須經過臨摹這一關。一幅好的寫意花鳥畫，要有“神韻”，形象神似，寓意深刻，構圖新穎，筆墨情趣恰到好處，同時畫面生動完整，題款適當，印章得法，能喚起觀賞者的共鳴。要臨摹好一幅作品，必須先靜心觀看原畫作，從整體畫面分析構圖、筆法、筆墨層次和色彩的搭配，然后分析所用的紙張，最后研究其風格流派。

歷代寫意國畫創作中，名家對紙張的要求很是嚴格，必須分清紙張的性質。例如，齊白石平時喜歡用薄一點的生宣紙作寫意花鳥畫，厚的生宣紙則比較少用，當客人要求用厚紙時，齊白石會加收潤筆費。這從中不難看出，使用薄的生宣紙作畫更容易達到筆墨淋漓、氣韻生動的效果。薄紙吸收水分快，墨色容易快速暈開，水墨效果明顯；而厚的生宣紙吸水量大，墨色滲透較慢，要達到“力透紙背”的效果則必須具備深厚的筆墨功底。一般來說，畫大寫意時使用薄紙更為合適，畫小寫意則可以用厚紙。畫傳統寫意花鳥畫，以書入畫居多，這樣用筆十分穩健，線條也顯得古拙。要達到爐火純青的境界，平時就應該多加練習。

在寫意花鳥畫的創作中，使用傳統墨條現磨的墨更為理想。古人有“磨墨如病夫推礳”的說法，強調磨墨時要輕柔而不費氣。用手握住墨條的上端，在硯面上重按輕推，這樣磨出來的墨色更為細膩，且能更好地掌握墨的濃淡變化適合作畫。寫意國畫創作所用的顏色應沉穩而不失亮麗，傳統原礦顏料是最佳選擇。如今市面上常見的軟管狀顏料質量一般，顏色不夠穩定，缺乏厚重感。在臨摹時，先要深入理解原作的筆墨走勢與畫面安排，做到胸有成竹，才能大膽落筆，注意線條之間的呼應。例如，現代寫意花鳥畫家潘天壽就曾說：“作畫要大膽下筆，小心收拾。”這句話給我們后來的繪畫者以啟示。寫意畫要有氣魄，落筆如神，每一點一畫都要能夠表達情感，一氣呵成地完成畫作。完成一幅作品后，要靜下心來觀察，發現問題后仔細分析原因，確定補救方法，重新起筆繪畫作品，經過多次練習，技藝必然會進步。

在臨摹古代名畫時，特別要注意古人對畫面上的神氣意韻的追求，特別是寫意畫中，必須做到形神兼備，體現畫面的韻味和意境，以表達畫家的內心世界和精神情感。我們不應追求筆頭上的技巧，更應在技法之外尋求意境的表現。

作畫時，抓住寫意畫的特點，雖然筆墨在紙上飛舞，但若精神內涵不足，意境便顯淺薄。應利用筆墨的自然韻味，巧用構圖，同時推測古人在創作這幅畫時的心境，力求還原，達到與古人對話、心靈相通的境界。

二、“寫生”：在方法論的基礎上培養“情景合一”的意識

“寫生”這一術語，目前的一般看法認為是為創作打基礎和積累素材的手段。從方法上講，它需要面對對象進行直接描寫[1]。古代畫家創作時，多在院中或屋內進行，寫生則需要多觀察自然物象。他們常常先到大自然中觀察真實的花卉和鳥類，然后再返回畫室46K/Tdq/im/gBe4lhoPPpQ==內進行創作。而現在寫生是在現場直接對著景物花鳥進行繪畫，這種寫生方法與古人的方式有著明顯不同。現代畫家通常采用這種對景直接寫生的方法，通過仔細觀察花卉的形狀、結構和顏色變化，以及鳥的外形特征和動態變化，認真描繪并記錄素材。一朵花一只鳥，畫家需要用心去描繪。

在寫生過程中，畫家可以直接在宣紙上進行創作，現場捕捉花卉、鳥、蟲的特點和形態，這樣有利于鍛煉畫家的敏銳視覺和筆墨技巧，訓練他們在自然景觀中抓重點、懂取舍。畫家將第一眼的感覺直接用繪畫作品表現出來，通過反復練習和總結，能夠將現實中的花鳥與畫家內心深處的花鳥融合，產生感人的意境。寫生不僅能記錄下花鳥的具體形象，還能豐富素材，為以后的國畫創作奠定堅實基礎。

畫家在寫生時，可以形象地記錄景象的整體風貌，也可以只抓重點進行概括性的速寫。在花鳥寫生中，需要注意觀察花卉在不同時間段的變化。例如，睡蓮花朵早上盛開，到了中午則逐漸收閉，晚上就完全合攏。而畫鳥時則要留意鳥的爪子變化、頭的轉向和翅膀的張合，仔細觀察這些生動的瞬間，將其記錄下來，經過不斷積累，日后便可運用到創作中。

此外，寫生也需要抓住景物的精神面貌和意境。畫寫意花鳥畫的難點就是很難表現出一幅畫的意境。小幅畫能表現出大意境，這不是一件簡單的事情，很有難度，但有經驗的畫家還是有一些解決問題的小竅門。古人畫一折枝花卉就能成為一幅有情有境的好作品，這正是因為古人對客觀存在的花卉觀察細微，同時將自己的意識情感融入花卉物景中。古人將花開花落、月圓月缺與人的情感結合，賦予了一幅沒有生命的畫作以有生命的感情色彩。有些畫家對外部世界很敏感，當他們欣賞花卉時，如牡丹花，花型大、花瓣厚重、顏色艷麗，象征著富貴、吉祥，有王者之風，代表著健康旺盛。然而，現實中的牡丹花并非永遠美麗綻放，也會隨時間推移而凋謝。當畫家看到一株牡丹在風雨中凋零，任由風雨吹打時，又是另一番景象了。花開花落是自然現象，觀察久了，會有意想不到的效果。因此，寫生不僅是對景物的描繪，還要有情有境，把握好所見的自我觀感，然后將其畫下來，這樣積累多了自然就會豐富。

三、“構圖”：從現實與藝術作品出發，尋根溯源

國畫的創作中，構圖極其重要。構圖也叫“經營位置”“章法”。“在畫面構圖時，要力求賓主顯明，疏密錯落，前后貫穿，還要注意全局的嚴整、疏朗、新穎、活氣，要極力避免沖塞、煩瑣、板實、重疊、對稱、均勻、松散、空薄”[2]。

構圖方法有兩個主要途徑。一是“尋根”，就是要深入生活面對實物景象，觀察拾取需要的景物，從中尋找構圖規律，發現構圖的新形式。我們要不斷地認識生活，從生活中發現更具生命力和創造性的構圖，從而避免落入陳舊俗套。例如，清代畫家石濤說“搜盡奇峰打草稿”。二是“溯源”，即學習和借鑒古人或者現代優秀的構圖形式與方法，通過臨摹歷代名家巨作，從中了解和熟悉一些成熟的構圖方法和規律，學習借鑒并多練習畫些小構圖。通過不斷實踐，在生活中去發現美、描繪美，就能出陳入新，掌握好構圖的規律，從而不斷創造出新的構圖。

構圖是一門藝術科學，充分體現了矛盾對立再到和諧統一的規律。懂得了這一構圖規律并經過實踐驗證，我們就能有效地創造出更新穎、更有個性的構圖樣式。矛盾對立的規律是客觀存在的，中華傳統文化中的“太極”理論正是對矛盾對立又和諧統一這一科學規律的詮釋。

構圖有可以遵循的普遍性準則。這些普遍性準則在古代就被發現并運用至今。例如，賓主呼應；虛實相生；開合起結；縱橫曲直；疏密松緊；以齊求正。

四、“創作”：畫家綜合素質的實踐及考察

創作一幅優秀的畫作，畫家需要具備純熟的繪畫技巧，以及扎實的臨摹與寫生功底。同時，畫家多年來在各個方面修養和積累也是不可或缺的。這些要素共同作用，才能在創作中產生具有深厚思想內涵的作品[3]。

寫意花鳥畫的創作中，畫家常常通過抒發個人情感來表達對物象的感受。情感的真切與景物的感觸相結合，能夠激發出創作的欲望。以景抒情，良好的心境能夠在畫面上得以體現。例如，美協的李潤老師曾創作過一幅寫意國畫，畫中簡單描繪了一枝梅花，卻傳達出梅花枝干的錚錚傲骨與潔白無瑕的花朵。畫面展現了清凈純潔又散發著生機勃勃的生命力。李潤老師提到，這枝梅花的靈感來源于一次采風經歷：在東明村，盡管梅花尚未開放，他卻在偶然間遇到兩個當地小女孩，她們從小路走過來，其中一個手里還拿著今年開出的第一枝梅花。這個瞬間觸動了畫家，讓他想起了南北朝詩人陸凱的一句詩“江南無所有，聊贈一枝梅”，并迅速拿筆將這梅花畫了下來，成了他的一幅佳作。

著名畫家黃賓虹的經歷同樣值得一提。在游覽青城山時，他無意間發現傍晚時分的青城山與白天截然不同。柔光下朦朧的青城山更適合入畫。柔和的光線讓山體顯得厚重而雄偉，意境深遠。受此啟發，黃賓虹在之后的創作中開始運用濃黑重墨，畫面顯得豐厚潤澤，墨色沉穩意境深遠。

_{tON6rMLzW6YngjqmaUpueekMgB5FLFlseOBkxcw7Voo=}在寫意花鳥畫的創作中，對材料和工具要求極高。首先是紙張。寫意畫通常使用生宣紙，著名畫家潘天壽為了追求更高的表現效果，多次前往徽州涇縣宣紙廠訂購專門的宣紙，以適應自己的創作風格。好的寫意畫宣紙必須具備以下幾個條件：其一，它需要均勻吸收水墨，使得墨色不會過快暈化，以達到“水走墨留”的效果；其二，紙張要能經得起反復的皴擦，稻草和檀皮的配料必須適當，以確保墨色不發灰；其三，紙張應光潔、溫潤、平整且均勻，不能有破損，厚薄要符合要求。

其次是墨。當有了適合的紙張和好的構思就可以進入創作。用墨條慢慢地在硯臺上研磨，這時可以讓心靜下來，構思畫面，考慮如何下筆。寫意畫的用墨也很有講究：其一，首選要有一定年代的墨條為上，明清時期出產的墨條最適宜，但一般很難獲得，然后是20世紀60年代、70年代上海墨廠生產的油煙墨條。這些有年份的墨條經過陳放發生反應，使得里面的膠與墨煤充分融合，墨質緊密堅實如石，經久耐用；其二，墨色油黑發亮，層次豐富，墨條硬朗不含雜質，磨感溫潤細膩，氣味芳香。

再次是筆。古人對于筆的要求是很高的：其一，筆鋒有尖，好的毛筆要求毛料有鋒穎，按照毛料的自然屬性濕水后，筆毛就會自然攏合在一起，形成一個尖錐形狀，毛筆能收尖有鋒就說明這筆毛料好，做筆工夫也是好的，這樣畫線條就能得心應手，變化多端，更有精神；其二，鋒毛要齊，要求濕水后筆頭捏扁了筆鋒尖處是平齊的形狀，有殘缺不平齊的不是好毛筆；其三，筆頭要圓，筆頭外形要飽滿圓潤，不能有凹陷殘破，這樣的筆用起來能使筆畫飽滿精神；其四，筆鋒要健，健就是毛筆有一定腰力，筆毛的韌度好，能按得下，挺得起，這也是好毛料的特點，有好毛料，這筆就經久耐用。

最后是硯。畫家對于硯臺的要求自古以來就很高。古人對硯臺的要求近乎苛刻，專業老師對硯有追求的，要求能下墨如風，發墨如油，墨色黑亮清透，就要使用端硯的老坑和好的坑仔及上等麻子硯，以及歙硯的眉子、金星以及水弦等。畫畫用硯以實用為主，不需要很花哨的雕刻裝飾。

寫意花鳥畫在創作時可以多方嘗試，運用不同的載體進行創作。比如，用皮紙進行創作。皮紙紙性半生半熟，有的甚至達到八九分熟。創作時最好使用手工純料的紙，不要用機器代工的紙或加入其他填充料的紙。用皮紙畫寫意花鳥畫難度很大，因其紙性特點使得筆墨畫上去后墨色洇不開去，畫一筆顯一筆。如果這一筆的筆力稍遜，就會立刻顯露出來，有了敗筆，這個創作就不能算是一個成功的作品。在皮紙上完成創作，需要畫家有很高的控筆能力，每一筆都要有出處，這樣才能做到筆筆相生，筆斷意連，首尾呼應，構成一幅完整的畫作。

此外，可以在生絹上創作。生絹上作畫是最難控制的。要在生絹上創作出好作品，需要對生絹的性質十分了解。因為絹是編織出來的，有織線紋路，而且是生的屬性，筆墨畫上去會立即快速地向四周洇散開來，洇漬形狀很不規矩，筆墨效果很難控制。因此，畫家要有心理準備，對水墨的走向和速度有個預估，否則一畫下去就可能成了一片墨豬、漬成一片，無法補救。所以畫者要心中有數，隨機應變，用自身的修養成就一幅創作。例如，著名畫家吳昌碩說：“小技拾人者則易，創造者則難。”

因此，藝術不是一成不變的，需要有創新。寫意花鳥畫的創作也要在繼承傳統的同時有所創新。正如石濤所說：“筆墨當隨時代”。藝術的發展是藝術家成長時代的藝術思想的感召，藝術家要站立在時代之峰，引領時代潮流。在這個百花齊放、藝壇精彩紛呈的時代，各種流派的藝術各領風騷。寫意花鳥畫的創作要在繼承傳統的基礎上進行創新，不能隨波逐流，脫離傳統做無根之萍的創新。例如，齊白石就在繼承傳統的基礎上進行創新。他在畫荷花時，大膽地運用中國傳統文化的內涵進行創新，用黑色的水墨大筆意寫出荷葉，再以單純紅顏色畫上荷花，創造出一幅黑葉紅花的寫意國畫。我們要“博覽眾彩”多方面吸取營養，取其他藝術的精華進行寫意花鳥畫的創新，以時代精神為引領，不負時代的召喚，創作出更好的寫意花鳥畫。

參考文獻：

[1]孫其峰.孫其峰講書畫速寫默寫小構圖[M].天津：天津古籍出版社，2020.

[2]郭怡，邵昌弟.郭味蕖花鳥畫技法[M].北京：人民美術出版社，1993.

[3]于光華.放縱理性寫意花鳥畫教學講座[M].石家莊：河北美術出版社，2002.

作者簡介：黃秋平（1970-），男，廣東潮州人，潮州市文化館副館長，群文副研究館員，從事群文研究、書畫藝術研究。