鋼琴表演藝術的美學感悟

摘 要：通過查閱相關資料，發現有關于美學的研究大多側重于音樂的本體與二度創作的理論探討，缺乏與實際演奏的結合。為此，筆者結合個人專業背景，從音樂本體出發，借助音樂美學的部分視角，探討了其與二度創作的關系。通過分析音樂家巴赫、貝多芬、李斯特的經典作品，闡明了創作背景與審美內涵對演奏的指導作用，并探討了如何通過建立音色審美來促進演奏的深化，強調了理論與實踐的緊密結合。

關鍵詞：音樂本體；二度創作；審美內涵；音色審美

中圖分類號：J624 文獻標識碼：A 文章編號：2096-7357（2025）03-00-03

一、本體與二度創作的關系

音樂本體指的是音樂作品的原始形態，包括作曲家創作的樂譜、旋律、和聲、節奏等元素。二度創作則是指在音樂本體的基礎上，由演奏者、指揮家、錄音工程師等藝術家進行的再創作。二度創作涉及對音樂作品的解釋、演繹和表現，它賦予了音樂作品新的生命和表現形式。二度創作者通過自己的理解、情感和技巧，將音樂本體中的抽象符號轉化為具體的聽覺體驗，使得每一次的演出或錄音都有可能呈現出獨特的藝術風貌[1]。因此，音樂本體與二度創作之間存在著密切的聯系，它們共同構成了音樂作品的完整呈現。

筆者結合所學專業，仔細思考了一番學習作品的順序，發現每次都是先了解作品的創作背景、作曲家的經歷以及所屬時期的整體風格，在尊重音樂本體的基礎上，通過一次次不斷練習，先做到完整流暢的演奏，再把自己對作品的理解和感悟融入演奏中，形成較為完整的演奏。而在作品成型之后，會存在階段性變化，或許因為某次登臺時瞬間的心境而產生新的處理方式，也或許因為舞臺場景的大小，而改變了踏板的使用方式，這些都屬于二度創作，既有刻意而為，也有突然興起。

二、創作背景對演奏風格的提示

（一）把握創作背景的重要性

藝術總有相通之處，不論是繪畫作品還是音樂作品，了解它的創作背景對于理解作品本身具有至關重要的作用。它不僅能夠幫助我們更好地把握作曲家的創作意圖和情感表達，還可以讓我們知道作品是在什么情境下誕生的，它反映了那個時代的特征，以及作曲家個人的生活經歷如何影響了他的創作[2]。這些信息有助于我們更全面地欣賞、了解并演繹好音樂作品，甚至能夠激發我們對音樂的深層次思考和情感共鳴。

由于作曲家所處的時代不同，制琴技術也不同，形成了音樂中不同的織體與風格。例如，巴洛克時期著名的作曲家巴赫，他的管風琴音樂風格宏偉、莊重、深刻，蘊含了虔誠專注、沉思冥想的氣質，尤其是他的賦格曲，用嚴密的外部形式表現了豐富的內心世界[3]。在演奏巴赫的作品時，要模仿古鋼琴的聲音，可以將整條手臂當作一個暢通無阻的管道，力量像血液一樣沒有任何阻礙地在內部流淌，而手腕則成為這根管道的閥門，當力量需要通過時，我們保持閥門是打開、放松的狀態，再通過指尖的支撐到琴鍵，這樣彈出來的聲音是飽滿的、穿透人心的。

由此可見，把握作品的創作背景，無疑為我們的演奏提供了線索和支撐，有助于更好地還原作品的本體，演奏出更加契合的音樂風格與特征。

（二）演奏具有個人審美的音樂

在掌握作品創作背景的基礎上，演奏者應大量學習音樂理論，掌握基本的和聲、旋律和節奏等知識，并不斷練習演奏技巧。每個演奏者都希望在演奏作品時有所創新，創造出與他人不同的處理方式，哪怕只是一小段，也希望能打上自己獨特的烙印。許多音樂作品是前輩音樂家在他們的時代創作的，而我們身處新時代，制琴技術也在不斷進步，能夠創造的聲音變化越來越多，表現的空間也越來越廣。因此，我們需要思考，在樂曲的表達上還可以如何進一步精進。

演奏具有個人審美的音樂，意味著在尊重原作的基礎上進行創新。要做到這一點，首先需要對音樂有深刻的理解和感受，其次要敢于不斷地實驗和創新，不怕犯錯，因為每一次嘗試都有可能成為你獨特風格的一部分。同時，要保持開放的心態，接受新的音樂理念和技巧，這有助于個人音樂的不斷進化。多與他人合作，交流思想和技巧，也能讓音樂更加豐富多元。通過這些方法，我們可以逐漸形成自己獨特的音樂審美，并在演奏中展現出來。

三、審美內涵對演奏方式的提示

音樂的審美內涵是指音樂作品所蘊含的美學價值和審美意義，它包括音樂的旋律、節奏、和聲、結構、表現手法以及所傳達的情感和思想。音樂審美內涵的深度和廣度，往往取決于作曲家的創作意圖、音樂風格、文化背景以及聽眾的個人經驗與情感共鳴[4]。音樂審美內涵的體驗和理解，是音樂欣賞者與作品之間互動的結果，它能夠激發聽眾的想象力，引發情感共鳴，甚至能夠啟迪思考和靈魂的升華。

維也納古典樂派偉大的作曲家貝多芬，在他早期的奏鳴曲OP.10 NO.1中，聆聽主部與副部的對比，可以感受到其中蘊含的戲劇性，主部的主題開始是附點節奏的、強有力的上行分解和弦，拋出疑問式語氣，隨后用弱拍子的抒情旋律來作答，后又回到具有動力型的附點節奏來結束主部。主部主題結構較長、內部材料豐富、對比鮮明，富有張力。

這樣的戲劇性變化對比在他的奏鳴曲OP.10 NO.3中，也有體現（見譜例1），作品以音階式的八度級進上行開始，將人的心境帶入廣闊的田園中，隨后進入溫柔、靈動的抒情片段，左手是輕柔的分解和弦伴奏音型[5]。

后在第31小節出現了sf的力度記號（見譜例2），演奏時要彈出教堂里管風琴般的宏偉氣勢，而在樂曲進行到第70小節（見譜例3），標注了pp的力度記號，采用了復調的寫作方法，與前面的恢宏氣勢不同，這里更像是遠方傳來的鐘聲一般，演奏時應該充滿想象力，每個聲部都應具有自己的特色，清晰可辨。

貝多芬作品中體現的審美內涵，從客觀上來看，是他在經歷了法國大革命失敗、拿破侖稱帝事件后，深刻地意識到啟蒙運動所高喊的“自由、平等、博愛”無法真正實現，一切幻想都化為了灰燼，理想的破滅和現實生活的殘酷，使得他內心更加悲憤、孤苦、憂郁，這些情緒在中后期的作品中大肆宣泄[6]。從主觀上來看，貝多芬晚年深受病痛折磨，受到身體和精神的雙重打擊。也正是因為這些內外部因素，讓他的作品展現出了更強的英雄性、悲劇性、反抗性，在繼承了巴赫等前人風格的基礎上，不斷創新，樂曲結構更為龐大、自由，在奏鳴曲中應用復調的寫作技法。所以在演奏貝多芬的作品時，要具備豐富的情感體驗，安排好段落布局，演奏出立體、宏偉、充滿戲劇性變化的聲音。

四、音色審美的構建

音樂是從心到心的藝術，其目的主要在于審美，“音者，生人心者也，情動于中，故形于聲。”音樂是藝術家情感、意識、信念以及生活態度的產物，每個人都是不同的，而相似的音樂審美能將兩個完全不認識的人連在一起，產生深層次的審美共鳴、情感共鳴。然而，想做到這一點，就必須擁有過硬的演奏技術，才能將想要表達的情感注入作品中，演奏出變化萬千的音色。

19世紀浪漫主義時期偉大的作曲家李斯特，致力于對鋼琴演奏技術的拓展與創新，深度挖掘了鋼琴的表現力，其作品音域之寬、和聲之豐富、配器之絢爛、技術之艱辛，力圖用一臺鋼琴演奏出樂隊的效果，將鋼琴演奏技術提升到了前所未有的高度[7]。在他的練習曲中，《十二首超級練習曲》融合了多種鋼琴演奏技法，在《狩獵》中，難點是主題旋律的和弦化，聲部的加厚與疊加，音響效果華麗、宏偉，演奏者采用了急速音階、大跳技術、交替演奏等技術，下面我們簡單分析部分技術片段。

（一）和弦大跳技術

和弦大跳技術是《狩獵》這首作品中出現最多的技術，作品一開始便出現了左手極低音區的八度大跳，右手以模仿的形式在高聲部出現，雙手交替演奏，厚重的低聲部泛起了巨大的聲浪。從第7小節開始（見譜例4），在和弦大跳中融入了快速且短小的音階跑動，通過觀察譜例，不難發現，這里雙手需要從分開較遠的距離迅速移到中間演奏快速的音階，后立刻從中間分開，準確地找到高低兩個不同的和弦，可見其技術之高超。

（二）交替演奏技術

交替演奏技術也是李斯特常用的技術之一，可以在較短的時間內覆蓋大片音域，節奏感較強，如譜例5所示的這個段落中，在低音區出現了大規模的雙手交替演奏，每個音符時值短促，具有很強的推動性。

除了單音交替演奏技術以外，李斯特還運用了雙手和弦交替演奏技術，增加了音響效果，使用了很多變化音在內，對于演奏者來說，把這一段彈得精準且宏偉是非常具有挑戰性的（見譜例6）。

（三）復調技術

復調技術是李斯特在中部段落用到的技術，如譜例7所示，右手由兩個聲部構成，在突出高聲部旋律的同時，還需將下方十六分音符的伴奏聲部演奏得細膩、流動[8]。

通過對李斯特《狩獵》這首作品技術難點的分析，我們可以了解到，鋼琴作為一個百變樂器，通過完美的技術支撐，能達到樂隊的效果，在演奏李斯特很多作品時，前期應該解決好技術難題，后期應該將它想象成樂隊在演奏，將個人審美情感融入作品中，同時提升音色的豐富性。

參考文獻：

[1]鄭興三.論鋼琴演奏的美學原則[J].中國音樂學，1996，（04）：99-115.

[2]鄭興三.論鋼琴演奏的思維模式[J].中央音樂學院學報，1996，（02）：59-66.

[3]周亦斌.J.S巴赫鋼琴作品演奏詮釋[D].湖南師范大學，2014.

[4]周為民.鋼琴演奏藝術的美學思考[J].中國音樂，2010，（04）：266-268.

[5]張樂心.有關音樂接受差異性及成因的探討——以傅雷對貝多芬的接受為例[J].星海音樂學院學報，2012，（04）：115-121.

[6]楊爽.鋼琴演奏中的三重認知模式——以貝多芬鋼琴奏鳴曲為例[J].中國音樂，2007，（04）：259-262.

[7]張麗.創新者的豐碑——緬懷匈牙利鋼琴大師李斯特[J].音樂創作，2013，（05）：158-160.

[8]丁好.論鋼琴觸鍵技術的發展[J].黃鐘（中國.武漢音樂學院學報），2005，（01）：118-125.

作者簡介：徐樂（1999-），女，內蒙古烏蘭察布人，碩士在讀，從事音樂表演研究。