威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求

威爾第，即朱塞佩·威爾第，在歌劇藝術領域被譽為意大利歌劇之王，其創作了多部至今仍廣受贊譽的歌劇作品，而這些歌劇作品中的美聲唱法具有極高的審美內涵和藝術價值。通過分析威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求，有利于更加深人地探究其歌劇藝術精髓，為后續的歌劇創作提供靈感。

一、威爾第歌劇概述

威爾第的歌劇作品以其深情的旋律、深刻的戲劇性以及對人性的深刻洞察而著稱。他在歌劇創作中巧妙運用了華爾茲、馬祖卡舞曲等音樂技巧和風格元素，使得他的歌劇作品不僅有豐富的變化，也展現了極高的創意水平。威爾第本身較為注重對傳統意大利歌劇旋律的改進和創新，借此使得作品的旋律更為簡潔、有個性、有吸引力，同時威爾第歌劇還在結構上進行了創新變革，引入了更多幕間音樂、場景切換和情節引導等手法，改變了傳統的三幕式結構，由此賦予了歌劇更強的連貫性和戲劇張力，所以，威爾第歌劇不僅在當時廣受好評，而且在今天仍然是世界各地歌劇院經常上演的經典劇目，為歌劇藝術領域帶來了深遠的影響1]

按照時間順序來看，威爾第有三個歌劇創作階段，這三個階段創作的歌劇作品存在一定的差異。第一創作階段以青年意大利黨的革命活動為背景，此時的威爾第歌劇內核圍繞愛國主義思想、民族獨立意識展開，作品包括《圣女貞德》《麥克白》等；第二創作階段，威爾第逐步擺脫正歌劇隆重、浮夸的影響，開始注重刻畫人性沖突，作品包括《弄臣》《假面舞會》等；第三創作階段，威爾第歌劇內容則從悲劇轉向喜劇，內容上開始注重永恒人性的主體表現，作品包括《法爾塔斯夫》等。

二、美聲唱法概述

美聲唱法起源于15一16世紀的意大利文藝復興時期。為了滿足大劇院中無擴音設備下的玲聽需求，歌唱者對唱法進行了一系列的改良和優化，最終形成了聲音圓潤飽滿、共鳴強烈、能夠遠距離傳播的美聲唱法[2]。這種美聲唱法主要強調喉嚨的打開和聲音的共鳴，并可以通過充分利用胸腔、咽腔、鼻腔和頭腔等共鳴腔體讓聲音在腔體內得到充分共振，從而使得聲音更加優美、傳播距離更遠。整體來看，美聲唱法比較注重呼吸技巧的運用，并可以借助胸腹式聯合呼吸法讓歌唱保持充足的氣息支持，增強了聲音的穩定性和力量。此外，美聲唱法中音與音之間的平滑連接，也讓旋律線條流暢自然，使得所發出的聲音更加優美]。

自美聲唱法誕生以來，隨著文藝復興時期意大利群眾對藝術的要求不斷提高，其在技藝體系上逐漸完善，并表現出了音色優美、富于變化、聲音飽滿、表現力強的優勢，讓其在18—19世紀達到了全盛時期4。

就目前來看，美聲唱法對聲部的區分比較精細，包括男高音、男中音、男低音、女高音等多種類型，同時還要求演唱者根據作品的需要調整聲音的強弱變化，這使得美聲唱法可以更好地服務于劇情的推進，且更具表現力。現如今，美聲唱法在全球范圍內被廣泛認可和應用，并在歌劇、清唱劇等大型聲樂作品中成為不可或缺的組成部分，對多種音樂形式產生了積極的影響[5]

三、威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求分析

（一）音色輝煌

威爾第歌劇為了更好地展現出角色的情感，表現出戲劇性的舞臺效果，開始追求音色輝煌的美聲唱法，尤其是在第一創作階段，威爾第歌劇中的愛國主義激情讓歌劇對美聲唱法的要求不再局限于男高音的“半聲”或“純頭聲”，而是開始要求實現一種將“胸聲”往上帶的“輝煌唱法”，這種唱法相較于“半聲”或“純頭聲”更加豐滿、更具男性氣概，而且在聽覺上聲響更有力，使得歌劇整體更具戲劇性的表現力。在此背景下，威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求聚焦于在高音中融入更多的胸聲，以及更強大的氣息支持，這讓美聲歌唱達到輝煌、英武、挺拔的效果，例如，《游吟詩人》中曼林柯的男高音詠嘆調《柴堆上火焰熊熊》就使用了輝煌唱法，要求美聲唱法具有充足的胸腔共鳴，且要使用強勁有力的氣息支持音色，同時需要從胸口噴發而出，之后在小字三組的C上結束全曲，將情緒推向高潮。

從細節上來看，音色輝煌對美聲唱法的藝術要求，強調硬起音在演唱高音或重音上的應用，塑造了美聲唱法的戲性激情表現力，讓聽眾能夠感受到歌唱者吐字清晰堅定、發聲果斷有力，增強了威爾第歌劇中富于戰斗力、號召性樂句的表現力。在此過程中，胸聲的運用使得美聲唱法能夠產出更為豐滿、洪亮的高音，使得美聲更加鏗鏘有力、慷慨激昂。從結構上來看，配合輝煌唱法的節奏也更為剛勁，使得歌劇中的音樂更加緊湊、有力，增強了戲劇效果。此外，剛勁的節奏，配合聲音的共鳴與集中，還讓美聲唱法的聲音更具力量與韌性，進一步強化了美聲唱法的表現力。

（二）男聲激昂有力

從角色上來看，威爾第歌劇中的核心人物主要以男性為主，這使得藝術對男聲美聲唱法的要求更側重于英雄主義的表現。而為了更好地表現出這種英雄主義，就需要讓男聲的美聲唱法更加激昂有力，這使得男聲激昂有力逐漸成為威爾第歌劇對美聲唱法的重要藝術要求。在這種藝術要求下，威爾第歌劇中的英雄主義男聲往往剛勁有力，渾厚飽滿，同時在音域內更傾向于保持統一和連貫，使得高音區的明亮及低音區的渾厚均能展現出強大的聲音力量和音樂表現力。在此過程中，為了獲得更加豐滿、洪亮的聲音，威爾第歌劇所運用的美聲唱法中更為注重胸腔共鳴，且需要及時、合理地調整呼吸和發聲位置，讓聲音在胸腔內可以得到充分共振，由此才能產生雄渾激越的音色效果，最終達到威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求。

從旋律上來看，威爾第歌劇中常見一些短小精悍、具有戰斗性和號召性的旋律，因此，為了確保歌唱這些旋律時男聲能夠達到激昂有力的效果，還需要在美聲唱法中增加硬起音的使用，并要求演唱者在起音時要有爆發力，突出音樂的棱角和剛勁的力度，借此表現出英雄人物的果敢和堅毅，讓美聲歌唱表現更具戲劇性和感染力。例如，《厄爾南尼》中的第一幕第二場，希爾瓦詠嘆調《多么不幸，我竟會輕信》的美聲唱法就使用了硬起音，塑造出了激昂有力的男聲，表現了主人公的憤怒情緒。

此外，美聲唱法應用還需要保持強大的氣息支持，使得高音圓潤連貫、明亮集中，表現出韌性和金屬感，最終達到一個不暗不硬、不虛不散、激昂有力的效果，從而塑造一個英雄主義的中心人物，滿足威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求。

（三）唱法多樣

在威爾第歌劇中，為了更好地刻畫不同的人物展現出其相應的特點，通常會采用多樣性的美聲唱法，這讓歌劇中的人物形象更加復雜浪漫，從而增強歌劇的表現力。而在威爾第歌劇以前，不同的人物均采用動人的美聲唱法，所以，多樣性的唱法也可以被定位為威爾第歌劇對美聲唱法特殊的藝術要求。

威爾第歌劇中美聲唱法會根據角色的性格特征、情感狀態以及社會地位等因素的不同而有所變化，如在歌劇《弄臣》中，駝背弄臣里戈萊托的音色被刻畫得尖刻而復雜，體現了他外表丑陋卻深愛女兒的矛盾性格；而在歌劇《茶花女》中，薇奧萊塔的音色則充滿了哀怨與無奈，反映了她為了愛情而犧牲自我的悲慘命運。

在唱法的變化上，威爾第歌劇中的音色不僅與人物性格緊密關聯，還與劇情發展密切相關，而且會隨著情節的推進和人物關系變化展現出變化性，這使得美聲唱法更具劇情表現力，極大地豐富了美聲唱法的內涵，增強了歌劇的吸引力。此外，威爾第歌劇中還會靈活應用戲劇女高音、抒情女高音和花腔女高音，由此刻畫出情緒多變、情感強烈的人物形象，這使得歌劇中的人物情節更加生動感人，極大地增強了美聲唱法的表現力和感染力。

整體來看，多樣的唱法作為威爾第歌劇對美聲唱法的重要藝術要求可以從聽覺上持續為聽眾帶來新鮮感，且能夠在很大程度上減少單一唱法導致的聽覺疲勞，讓聽眾始終聚焦于歌劇內容的展開，使得威爾第歌劇更具吸引力，同時也極大地提升了歌劇的聽覺審美價值，從而讓威爾第塑造出了更加立體、鮮明，且具有經久不散魅力的優質歌劇作品。

（四）風格朗誦宣敘

在第三個創作階段，威爾第歌劇更聚焦于表現現實主義。此時，威爾第歌劇對美聲唱法的藝術要求從旋律性轉變為了朗誦性、宣敘性，強調對歌劇思想性的刻畫，使歌劇內涵更深厚。而這種朗誦宣敘的藝術風格主要強調朗誦式、說話式的自然音調變化，一般常見于獨白、對話的演唱用于表現人物關系和劇情進展。在此背景下，威爾第歌劇對朗誦宣敘風格的追求，讓美聲唱法能夠更好地刻畫角色的情感狀態、性格特征以及劇情的推進，使得歌劇的內容、思想更加鮮明、突出，增加了歌劇的深度。在美聲唱法上，這種朗誦宣敘風格主要源于歌唱語言的表現。當情感基調為激昂慷慨時，需要歌唱者咬字清晰、有力，并要求吐字銼鏘有力、字頭噴口而出；當情感基調為內心刻畫時，則要求歌唱者咬字輕柔、細致，且要母音連貫。但無論哪種情況，均對歌唱者的咬字、吐字有嚴格要求。此外，在該創作階段的歌劇為了表現威爾第的思想性和現實主義內容，歌劇的字詞也比較密集，這使得歌劇對美聲唱法的朗誦宣敘藝術要求更高。

歌劇對美聲唱法的朗誦宣敘藝術要求主要表現在三個方面，即情感表達、劇情推進和角色塑造。其中，在情感表達上，宣敘調通常會以朗誦式的美聲唱法輸出，借此更直接、更真實地傳達角色的情感狀態，從而深人地刻畫角色的內心世界。在劇情推進上，宣敘調的美聲唱法則主要用于介紹劇情背景、交代人物關系、推動情節發展，可以為后續的表現做好鋪墊。在角色塑造方面，宣敘調中的語調、節奏和音色等音樂元素往往著重于表現不同角色的性格特征和形象特點，由此向聽眾展現每個角色的獨特性和個性魅力。

歌劇對美聲唱法的朗誦宣敘藝術要求不僅豐富了歌劇的音樂形式，還增強了歌劇的戲劇性和表現力，將歌劇的文學性和音樂性緊密結合在一起，使得歌劇作品更加生動、感人且富有藝術感染力。

（五）強調情感表達

在威爾第的歌劇中，情感表達是推動劇情發展、塑造人物形象和傳達作品思想內涵的關鍵要素，這使得強調情感表達成為歌劇對美聲唱法關鍵的藝術要求。在此背景下，歌劇演唱中所運用的美聲唱法需要配合精心設計的音樂旋律、節奏、和聲，并且側重運用合適的歌唱技巧刻畫角色的內心世界和情感變化，以塑造歌劇的戲劇性和感染力。在此過程中，美聲唱法尤其關注對音色和音量的精準調整，從而更為準確地傳達角色的情感狀態，如喜悅、悲傷、憤怒等。同時，美聲唱法也需要順應旋律和節奏的變化，并根據旋律的起伏和節奏的快慢對角色的情感波動做出相應的表現。此外，在美聲唱法中，也常采用花腔和裝飾音來豐富情感的表現力，進一步突出角色的情感特征。

從美聲唱法的難度來看，威爾第的歌劇中主人公的唱法往往需要更大的音量和力度去支撐，這在很大程度上突出了主人公的情感表達，有助于讓聽眾更準確地感受到歌劇所表達的思想情感及戲劇效果，深入優化了戲劇的藝術表達力。對于歌劇本身來說，增強美聲唱法的情感表達不僅可以豐富歌劇的音樂形式和表現力，還能促進歌劇文學性和音樂性的緊密結合，使歌劇作品更具有感染力。同時，威爾第對情感表達的探索和創新也為后來的歌劇作曲家提供了寶貴的經驗和啟示。

（六）歌唱服務于劇情

威爾第的歌劇中雖然歌唱是歌劇中最為重要的部分，但從整體來說仍是服務于劇情，所以，在美聲唱法上，威爾第歌劇不僅對演唱技巧有一定的藝術要求，還要求美聲唱法能夠有效地推動劇情的發展、塑造人物形象和傳達作品的思想內涵，這使得威爾第的歌劇更加聚焦于歌唱與劇情的緊密結合，并將美聲唱法作為劇情發展的重要組成部分。在歌劇中，很大一部分美聲唱法均用于揭示人物的內心世界和情感變化，借此可以讓觀眾更加深入地了解角色的思想、情感和動機，從而更深入地理解劇情的發展。此外，歌劇中的情節轉折和沖突也都依托于具體的美聲唱法表現，而這些美聲唱法不僅豐富了劇情的內容，還增強了戲劇性和感染力。在美聲唱法的應用中，威爾第還側重于利用各類美聲唱法的效果特點，塑造獨特的氛圍和情緒，讓聽眾更加沉浸于劇情中深刻地感受到劇情所傳達的情感。

四、結束語

威爾第歌劇具有極高的審美價值和內涵，其對美聲唱法的藝術要求，讓其歌劇更具表現力和感染力。在歌劇的美聲唱法上，威爾第進行的創新、塑造使得美聲唱法表現出了多樣性、關注情感、音色輝煌等諸多特色，讓威爾第歌劇具有更高的藝術風格識別度，這不僅為歌劇增添了魅力，也使得歌劇更具思想性和藝術深度。

參考文獻：

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（責任編輯：趙靜琪）