翻轉臺灣電影

蘇惠昭

長久以來，臺灣電影的光環多屬于導演，唯獨李烈因制片身份登上臺面。

2011年尚未結束，臺灣媒體已歡慶年度臺灣片票房上看15億元(新臺幣，下同)，從《殺手歐陽盆栽》、《翻滾吧!阿信》、《那些年，我們一起追的女孩》，到《賽德克·巴萊》，一再改寫票房新紀錄……

《艋舺》成功后，坊間媒體下了一個很猛的標題：“李烈把臺灣片帶向營銷新紀元”；她的“電影教母”地位隱然成形。

繼去年獲頒為金馬獎“年度杰出臺灣電影工作者”，今年李烈又成為文化獎創意獎得主。她憑什么以專業制片的角色，連續拿下兩項重量級獎項?

概括來說，她“革新本土電影制作，以大眾電影打開臺灣文化創意產業的投資前景。”

《囧男孩》的異想世界

從充滿童趣的《囧男孩》、大成本的幫派電影《艋舺》，到小品故事《翻滾吧!阿信》，李烈看劇本的眼光精準，在這波臺灣新電影浪潮中占據重要位置。

當時李烈監制的《囧男孩》在《海角七號》初升溫時上檔，以包含營銷費用在內的1400萬成本，靠著6000人次的大量試片傳出口碑，開出3600萬元的票房。對于《海角》創下的臺灣片影史票房數字，影評人聞天祥曾表示，臺灣要再出現一部《海角七號》，“恐怕比恐龍出土更難”。

《海角》也許是奇跡，但《囧男孩》不是。2007年，當年輕導演楊雅(吉吉)帶著該片劇本來找李烈時，她已在電視制作界練劍多年，并以《MR.COM之死》拿下4項金鐘獎。李烈練劍，為的就是等待拍電影的時機，她不是那種把夢想掛在嘴邊的人。

但她想拍什么電影?

“我想拍好看的電影，任何題材、類型都可能，沒有設限。”似乎沒有比這個更簡單，也更復雜的答案了。

那一年，春江水微暖，《練習曲》、《盛夏光年》、《刺青》都開出1000萬元基本盤以上的票房，《刺青》甚至沖到5000萬元。李烈“感受到一種脫胎換骨的萌動，結冰有松動的感覺，可以投入的時機到了。”而擺在面前的《囧男孩》，讓她邊看邊哭，她決定賭一賭，監制人生的第一部電影，“這樣的機會只有一次，也可能是我人生中最后的一次戰斗。”

李烈的“賭”，是先把最壞的狀況想好。沒卡司，沒話題，李烈知道《囧男孩》是一部一不小心就會失敗的片子。

“我算過，就算賠光，就是1000萬，但不可能賠光嘛。我還可以去打工、接案子，頂多七八年就可以把債還清。”

底線設定，就撩下去了。缺少父母關愛的兩個頑皮孩子，透過幻想抵抗寂寞心靈的故事，片中的騙子一號、騙子二號，是李烈千挑萬選出來的孩子，就因為做過演員，在看劇本和選角，她磨練出精準的眼光，這兩個孩子的超自然演技也果然成了全片的靈魂；后來的故事則化成一則傳奇，為了籌措資金，李烈跟身邊每一個能借錢的朋友借錢，到最后，戲拍到只剩下1／4，能怎么辦?她沒有房子，只好拿媽媽的房子去抵押。

她賭贏了，取得了制作《艋舺》的通行證。

從“導演制”到“制片制”

制片是一門李烈沒有修過的課，但她太熟悉這個環境，懂得把問題一一拆解，也知道什么問題問什么人，一切從頭學起。臺灣沒有電影工業，很多人把責任推給“導演制”，一切以導演為中心；而制片的功能除了找錢、想辦法省錢，就是打理行政庶務，但李烈并不想做這樣的制片。

她希望全方位參與一部電影，進而把本土電影帶向“制片制”，從判斷劇本、發展劇本、選角、演員訓練、籌措資金、控管預算到規劃營銷。“每一個環節制片都要有概念，都要能夠指出對或不對。”而只要是為了電影好，能夠為電影加分的事，她都做，特別在與導演溝通這一塊。

“就像看著自己的孩子一天天的長成。”她描述自己的工作，“每天要面對大大小小：紛紛擾擾的問題與困難，而你要做的，就是解決所有問題與困難。”

臺灣電影沒落太久了，李烈很清楚，當務之急就是拍出讓觀眾愿意買票進戲院的片子，讓市場活過來，而事實已證明“導演制”行不通。導演是創作者、藝術家，電影是他的作品，他寶貝他的每一個鏡頭，不忍割舍，因此有盲點，無法理智地跳出來，但作品中的某一塊，可能是敗筆，拿掉就-完美了。

《艋舺》攻下春節檔期

刻劃臺北萬華黑幫兄弟情誼的電影《艋胛》是一部“一定賣錢”的大片，但電影要賣座的條件很高。

首先，它要有好看的故事。有電影研究者曾歸納1999-2004年10部票房超過10億美元的好萊塢電影，得出一“米達斯(Midas)公式”(米達斯是希臘神話里點石成金的國王)，洋洋灑灑9大條，包括“以兒童或青春期少年為主角”、“劇情如童話，軟弱或無能的少年歷經艱難、蛻變，成為找到人生方向的成人”、“沖突場面”、“圓滿結局”、“演員尚未有大明星身價”等。

除了結局，《艋舺》充分運用了“米達斯公式”，李烈更進一步做到，先談下春節檔期。春節檔期是中外大片必爭的黃金檔期，過去幾年只有港星周星馳有此優勢與魅力。

美商華納兄弟公司臺灣分公司總經理石偉明明白告訴李烈：“要讓觀眾有‘哇的感覺。”為了這一聲“哇”，李烈丈量《艋舺》的尺寸，知道它必須完全的商業操作，必須有老少咸宜的商業卡司(阮經天、趙又廷、馬如龍)和商業宣傳手法。

商業規格換算成數字，就是7000萬的制作成本，再加2000萬的宣傳發行費。由于投資龐大，只準成功不許失敗，李烈冷酷而精準地控制拍攝時間，不惜讓自己化身為導演鈕承澤背后的一把刀，她同時經營官方網站培養觀眾，定時“喂”新聞給媒體。

《艋舺》和《囧男孩》的宣傳策略完全不同，上片前只做一次媒體試片，戲拍得轟轟烈烈，內容又高度神秘，引出“非看不可”的期待。

《艋胛》成功突圍，不但擠進春節檔期，還寫下首日票房1800萬元的佳績，6天全臺票房破億的紀錄，情勢大異于《海角七號》撐到第三星期才成為票房冠軍。當時李烈估算，這股氣勢再延續下去，《艋舯》少則3億，甚至有可能打破《海角七號》的紀錄，沒想到后來被疾風野火一般的盜版打敗，票房燒到2.6億元戛然而止。

臺灣片太久沒被盜版了，《艋舺》萬萬沒料到，缺乏防護措施，以致有華人的地區就有盜版，這是一個用上億元買來的教訓。“這個疏失，犧牲了《艋胛》，但成就后面其他的臺灣電影。”

臺灣片營銷新紀元

每一部電影都是一個冒險，一次操盤成功不代表未來仍會成功，就算好萊塢，10部片子也只有一到兩部賺錢。但《海角七號》和《艋胛》之后，電影人對臺灣電影有了新的想象，臺灣電影可以“很好看”，而且賣錢，把基本盤的魔咒甩得遠遠的。

然而，相較之下，好萊塢電影志在“贏得全人類”，但李烈并不認為臺灣電影有“走向全世界”的能耐，“不是我只想拍給臺灣人看，而是人家不要看臺灣電影，甚至包括大陸。”

在這樣的現實下，“血統純正的臺灣電影”是李烈唯一的考慮，這樣的電影絕不是大片，“即使《艋舺》成功，我也不可能一直做大片，臺灣市場

一年有一兩部大片就飽和了，要存活，就要做中小型的片子。”

《泰坦尼克號》、《阿凡達》贏得了全世界票房，但無論從市場面或感情面，李烈只聚焦在“贏得全臺灣”，用本土的元素講臺灣人的故事，她的第三部片《翻滾吧!阿信》也是如此。

《翻滾吧!阿信》是導演林育賢哥哥的真實人生，男主角阿信立志在體操界闖出好成績，

導演林育賢帶著《翻滾吧!阿信》第33版劇本來到李烈面前，又是另一個讓李烈感動的劇本。“你想用多少錢做?”李烈問。“2000萬。”林育賢說。

為什么是2000萬?因為林育賢已經被拒絕到怕了，他之前尋求的“金主”動輒砍到1800萬、1500萬，李烈卻是第一個拉高制作成本的投資人，“把錢壓這么低，能看嗎?該多少錢就多少，一部該3000萬的片子壓到2000萬，傷害太大了!”

至于誰來飾演片中那位靠體操改變人生的主角?彭于晏是李烈和林育賢的共識。飾演阿信的彭于晏苦練體操中高難度的單杠、跳馬等動作，毅力驚人。

《艋舺》時李烈就想用彭于晏，可他沒有片中阮經天的陰郁、趙又廷的陽光，也沒有風小岳的土臺味，太子幫5人沒一個合適他。而飾演體操選手阿信，彭于晏得面對嚴峻的挑戰，他要從跑步、倒立和重量訓練開始，接下來是單杠、雙杠、雙環、跳馬、鞍馬、地板動作、前空翻后空翻，他必須練就體操基本動作并鍛煉出體操選手寬厚的上半身，否則無法說服觀眾。

在真正的阿信教練指導下，彭于晏苦練3個月后脫胎換骨，體脂肪降到6％，還可以說上一串聽不出ABe口音的閩南語，這也成為電影的“爆點”之一；彭于晏的表現也得到金馬獎評審的肯定，入圍最佳男主角。

“臺灣一直有具潛力變成明星的藝人，但環境太壞，偶像劇是一個對表演沒有幫助的戰場，講話都還講不清楚就上場。”要演李烈的片子，不管這位藝人有多紅，都要通過3個月的表演訓練。

翻滾吧！臺灣電影

“有些電影之所以能長駐在我們的記憶中，是因為它讓我們看見自己如何過日子，我們的希望與恐懼，我們的渴望與挫敗，我們的企盼與挫折，我們的愛與恨。”電影學者霍華蘇伯在《電影的魔力》一書中說。

《海角七號》擊中了社會的集體情緒，給予很大程度的心靈慰藉；《翻滾吧!阿信》則訴求所有在人生中翻滾的臺灣人，曾經迷途過的你我。

人人都需要一個翻身的機會，李烈翻轉了她的人生，成為臺灣電影的王牌制片，她投資大片的膽識，更讓臺灣電影有了全新格局。

(編輯／唐馨)