紅土音詩 華師菁華

2012年5月16日，由上海之春國際音樂節組委會主辦，華東師范大學音樂系承辦的“2012夏良交響音樂作品音樂會”在賀綠汀音樂廳舉行。這場音樂會頗受業內人士的關注，原因之一在于這是夏良先生多年來辛勤耕耘、潛心創作，堅守追求的首次專場交響音樂會。這位83級上海音樂學院畢業生，從上音（本科）——云南（工作）——上音（研究生）——美國（深造）——香港（工作）——上音（音樂會），構成五部回旋曲式的創作之旅，厚積薄發，令業內同行期待。音樂會引人關注的另一原因是，由師范院校學生交響樂團演繹本校教師的現代交響樂專場在具有國際聲譽音樂節上的亮相實屬罕見。音樂會由旅德指揮家、華師大藝術學院前院長侯潤宇等執棒，共演出了六部作品，包括《慶典序曲》、《遠山》、小提琴協奏曲《幻想協奏曲》、為大提琴與弦樂隊而作《古林隨想》、《民俗組曲二首》和聲樂詩篇《無詞歌》。這支年輕樂團在對現代作品的接受力與駕馭力以及對作品整體風格的把握與拿捏可圈可點，局部音色也不乏驚喜之處，譬如弦樂音色的細膩處理、整體結構的飽滿與平衡感等。夏良先生認為：“樂隊的演奏幾乎完整地表達了我的音響期待。”當晚音樂會賓朋滿座，華東師范大學校長俞立中、上海音樂學院院長許舒亞、副院長徐孟東、楊燕迪及溫德青、葉國輝、孫國忠等作曲家與知名教授，還有上海音協領導與國內大批音樂界同行和愛樂者共同臨賞了這場音樂會。

一、情系“紅土”的大自然禮贊與生命關懷

音樂會的主題以“紅土”為名，畫龍點睛，勾勒出夏先生藝術創作追求的內核。紅土是云南的標符，云南紅土高原彩虹般絢爛的色彩，自然、溫厚、奇妙而氣勢恢弘，它賦予生長于這片紅土地上的作曲家以源源不斷的創作靈感，夏先生說：“這種情依附于紅土之中，就像血與肉的關系，我要寫出這片土地的色彩與生命。”為小提琴與管弦樂隊而作的《幻想協奏曲》（1983）以紅土高原地區所流傳的民間音樂為素材，如彝族舞曲“阿細跳月”，苗族“飛歌”，以及火把節的舞蹈場面等，表現“自然、質樸、歡樂”的人文精神。作品中對民間素材的運用，注重保留其原汁原昧的核心音調與節奏，如彝族歌曲中的三音音調Do-Mi-Sol，與很有特點的5/4節拍，形成輕捷跳蕩的動感旋律，以及苗族飛歌的大三度音程與活潑的3/4拍的節奏律動等；但在音樂內容與材料的發展上又突破原始民歌和特定民族音調的限制，比如全曲主部主題的三次再現，其線性旋律在音調、弦法、著色上富于靈動的變化，恰如登高遠眺廣衰延綿的紅土地，錦繡織卷，由紅色鋪延梳理出的曲線層次分明、色彩斑斕。《幻想協奏曲》的音響效果給人以強烈的生活氣息與親和力，觸手可及的民俗、鄉情充斥其間，將中國民族民間音樂中蘊含的本民族音樂文化精髓和閃耀的人類智慧光芒進行了現代交融。這首作品作為夏良先生的本科畢業作品，轟動一時，曾榮獲全國作曲比賽的頭獎，并由當時蜚聲國際的小提琴演奏家林昭亮先生在臺灣、香港、日本等地進行了巡演，2010年該作品的新版入選中國當代作曲家曲庫。《幻想協奏曲》在賦予當時這位年輕作曲家創作聲譽之外，也悄然內化為他一生情系紅土、關注自然與生命人文的創作主線。

為大提琴與弦樂隊而作的《古林隨想》，總體風格旨在借原始森林的古樸蒼翠表達大自然悠長旺盛的生命力。由大提琴奏出的旋律氣韻悠長，音幅遼闊，音色細膩潤澤，在樂隊凝重渾厚的音響襯托下，顯得深沉而溫暖，令人遐想到云南西雙版納原始森林的百年古藤，千年老樹，還有千秋的落葉，極富滄桑感，承載著厚重的歷史。再如《遠山》（為交響樂隊而作），曲目介紹這樣寫道：“這是一片遙遠而神秘的土地，有雄奇多姿、蒼翠挺拔的大山。土著山民以特有的風俗，表達它們對大自然恩賜的禮贊：那悠遠的笛聲、古老的民謠、粗獷豪放的號角、神秘的祭舞、佳節的慶典……”。這首作品與前兩首作品的不同之處是，在追求音樂語言的人文特征的同時，融入符合現代人的審美要求，在音樂語言、作曲技法、結構布局上顯得更為復雜理性。在技法上，自由十二音音調特征、富有動感的節奏變化、頻繁的節拍及速度切換，及調性游移等手法，都賦予這首作品更多的現代氣息。整場音樂會折射出對人文精神的美學追求，即，視天地自然為生命，寄情“紅土”所傳達出的質樸感，表達關愛自然、關愛生命的人文呼喚，通過運用理性表現感性的音樂思維，使音樂充滿能夠通達人民大眾心靈的藝術力量。

二、寄寓民間風俗畫面的交響音詩敘事

音詩，又稱為“管弦樂的詩”，意指將音樂之外的詩意畫面傳遞給聽眾，引導聽眾按照作曲家所設計的標題“寓意”來獲得對作品的聽感體驗。交響詩的標題可以來自一首詩、一本小說、一幅畫或一種自然景象等，作曲家選擇怎樣的標題“故事”或“畫面”，與他的生活經歷、審美情趣是緊密相關的，而選擇怎樣的音樂話語有效地表達特定的標題內涵，則顯現作曲家的創作功力與個性化的藝術修為。自李斯特以來，交響詩這一單樂章的管弦樂體裁形式一直是作曲家們施展才華的重要創作實驗地，歷史上許多作曲家在該領域辛勤耕耘，留下名垂青史的佳作精品，如柏遼茲的《羅馬狂歡節序曲》、穆索爾斯基《荒山之夜》、理查·斯特勞斯的《查拉圖斯特拉如是說》、雷比茨基的《羅馬之松》、勛伯格的《升華之夜》等。中國作曲家在交響詩領域的探索肇始于上世紀30年代，代表性作品如江文也的《汩羅沉流》、辛滬光的《嘎達梅林》、杜鳴心的《秋思》、朱踐耳的《百年滄桑》等。從夏良先生音樂會的曲目來看，對交響詩是情有獨鐘的，音樂會的六首作品顯然有意以“音詩”為線索，串聯起以濃郁民間風俗為標題意境的交響“詩畫”，在國內當下音樂會專場演出中尚不多見。

六部交響詩對“民俗生活”的刻畫在意境與旨趣上各有不同。《幻想協奏曲》、《民俗組曲二首》、《慶典序曲》以描繪少數民族豐富多姿的現實生活為“寫生”畫面，因此，作曲家強調對民俗精神活動典型特質、性格、意境的具象刻畫。這種寫法在音樂的表達上常常較多引用民間音調、通過特殊演奏技法的音色模擬來渲染特定場景，或采用民間的音樂體裁形式等。如《幻想協奏曲》中，為展現云南神奇紅土地上的歡樂、粗狂與奔放的生活圖景，作品以廣為熟知的彝族舞曲“阿細跳月”為主部主題，并穿插以自然純樸的原生態“苗族情歌”與豪放激越的“大三弦舞”等情境畫面，形成ABA¹CA²這樣回返往復又富于幻想式變化的宏觀結構。管弦樂在結構細節的著色更追求神行俱在，如在第二插部開始處用巴松管、黑管與雙簧管依次疊置進入的音色線條，類似“三弦舞”中男子所彈撥的大、中、小各式三弦和高、中、低不同音色竹笛，在豎琴琶音伴奏下營造出柔和清澈的月色山村，隨后小提琴獨奏聲部在D/d交替調上奏出委婉抒情的旋律，似少女在林中梳妝青絲，又故意磨蹭時間，隨著弦樂聲部的節奏逐步拉緊，木管、打擊樂和著節奏開始紛紛加入，此時草坪上的男女列隊開始擊掌歡歌、踏火彈跳，熱烈而奔放，這或許就是“踏火跳月”的來源。交響詩《遠山》、《古林隨想》、《無詞歌》則關注畫面的抽象“寫意”。中國畫的寫意重在“遷想妙得”、“緣物寄情”，“物我交融”、“神遇而跡化”，通過對自然萬物的深邃體察，在心中積成的一種意識、一種精神和凝煉的感情，然后借助筆墨舒散而出。《遠山》中，雖同是描寫紅土山民的風俗人情，卻聽不到熟悉的民間音調，也較少調性色彩。作品中半音化主導動機的貫穿發展，更注重在空間相位上的無形傳遞、碰撞和蔓延，那些聽上去有些“粗糙”的音色或許更貼近山的粗獷質感與原始本質。音樂會的最后一首聲樂詩篇《無詞歌>中，所有的語言文字都化為虛無縹緲的默想，音樂在大片的靜謐和綿宕中如書畫里的墨色由遠而近，漸次滲透、潤澤開去。第一段，由木管清冷的純色漸漸過渡到弦樂暖色，然后木管與弦樂散漫疊加成混合色，稍稍實現力量的聚積，后又歸于清虛渺遠。第二段，人聲與豎琴悄然進入，保持在pp--mp的力度中，織體空曠舒放，虛韌中浮映幾絲色彩。第三段，樂隊聚斂力量，涌向高潮，音樂沉穩、祥和，綻放溫暖的光澤。這六部交響詩從具象到抽象的刻畫，豐富地展現從濃郁熱烈與恬淡素雅的人間詩畫。而音樂會以華麗的《慶典序曲》開篇，與沉思的（無詞歌》收尾的曲目安排，則不難窺見作曲家從風華正茂，歷經歲月積淀，并逐步臻于化境之音樂創作的心路歷程。

三、關于現代交響音樂創作的“可聽性”思考

從斯特拉文斯基的《春之祭>以來，那種協和的和音，優美的旋律，與可觸摸的樂曲組織結構等早已為各種不協和、非樂音、泛調性、無調性及令人“耳暈目眩”的音響所替代。雖說當代作曲家與聽眾在可聽性問題上已有所認識：沒有音樂是協和的也沒有音樂是不協和的。其實從巴赫到勛伯格沒有一位作曲家不被同時代人指責為不協和，只是評判價值標準的不一而已。然而，不管如何，音樂藝術因協和產生的美感問題卻是現代音樂無論怎樣都回避不了的。當代作曲家如勛伯格、施托克豪森、芬尼豪等在作曲技法創新上的巨大貢獻令人折服，然而我們同時也看到，現代音樂作品與聽眾（包括很大比例的專業聽眾）的距離也日益拉大。音樂怎樣才能可聽？這如同現代文學作品中的“可讀性”與美術領域的“可視性”一樣，成為當代音樂創作中的難題。

聽罷夏良先生的音樂會并研讀其總譜后，筆者對作曲家的審美定位與音樂語言風格有了較多的認識。如作曲家所言：“希望現代音樂有更好的可聽性，讓廣大觀眾易于接受。”對手夏先生而言，心中始終裝著聽眾，直面大眾審美習慣與情趣，表現可感知的音響畫面是至關重要的。從創作觀念上，夏良先生的音樂在尊重前衛音樂觀念的同時，始終堅守浪漫主義的基色（如“音詩”中的優美旋律、協和和聲及充滿表現力的弦樂音色等），以務實的心態和清醒的思考對待各種觀念與技法。這在當前談及調性與旋律而“色變”的噪音音樂時代，夏先生的這臺音樂會頗有“反其道而行之”的果敢與自信，雖有保守與傳統之批評，但他的音樂贏得聽眾卻是不爭的事實。

（責任編輯 榮英濤）