淺析爵士演唱的表現手法

徐幸

摘要：爵士演唱的表現手法體現在對非洲音樂的節(jié)奏、美國即興演奏所添加的旋律及歐洲的和聲這三者的結合上，本文將對此作出簡要分析。

關鍵詞：爵士 ?演唱 ?表現手法

一、節(jié)奏

音樂中的節(jié)奏是指一種固定、有規(guī)則的節(jié)拍重復。對節(jié)奏的強調是爵士樂著重表現的手法，也可以說是其靈魂所在。而爵士演唱就是釋放其靈魂的一件最佳方式。

（一）節(jié)拍的特點

爵士演唱的節(jié)奏在節(jié)拍上多為4/4或2/4。爵士的4/4拍，四拍均為強拍，這在新奧爾良爵士、搖擺樂以及冷爵士等早期風格的音樂作品中就有體現，其音樂表現是：

4/4（或者均強） ?| ? ? ? ? ? ? ? ? | ? ? ? ? ? ? ? ? |

爵士演唱的2/4拍與古典音樂所不同的是，爵士演唱每小節(jié)有四拍并以第二拍和第四拍為強拍：

古典音樂的2/4 ? ? ?| ? ? ? ? ? ? ? ? | ? ? ? ? ? ? ? ? |

爵士演唱的2/4 ? ? ?| ? ? ? ? ? ? ? ? ?| ? ? ? ? ? ? ? ? ? |

這也是在爵士歌手演唱時用手打拍子為什么總是打在第二拍和第四拍的原因。跟隨音樂的節(jié)奏打拍并以第二拍和第四拍為強拍，整個歌曲的律動性就完全展現出來了。這也是爵士演唱的表現手法區(qū)別于其他音樂且最為不同的地方。

（二）切分節(jié)奏的使用

眾所周知，拉格泰姆對爵士樂有著重要而深遠的影響。拉格泰姆被稱為“ragtime”，其含義正是參差不齊的拍子的意思，再加上拉格泰姆善于運用錯綜復雜的切分音，也因此拉格泰姆被一些人認為是爵士樂的早期別名?！斑@種在特定的節(jié)拍里，旋律重音與和聲重音脫離強拍的分布方式叫做切分節(jié)奏” ①。脫離強拍并后移時，在拍子上就會體現出一種搖擺的感覺。搖擺感也成為了爵士樂的一個重要因素。在爵士演唱中，對于這種切分節(jié)奏的把握要很準確。美國歌手諾拉瓊斯演唱的歌曲《是我的人》（Be my somebody）中，可見切分節(jié)奏型的運用。對于這種跨小節(jié)式的連續(xù)切分節(jié)奏型經常把之前的的節(jié)奏變成整小節(jié)的移位，造成一種不穩(wěn)定的游移感。這種聽覺上輕重顛倒的矛盾沖突運用，完美體現了爵士演唱最與眾不同的吸引力和耐人尋味的獨特魅力。

二、旋律

（一）布魯斯音階的運用

我們都知道布魯斯音階源于非洲，被早期的爵士樂所吸收（見圖1）：

圖1：

布魯斯音階一般降三級和降七級，但是這種半音又實際上還不到半音。布魯斯的這種特有音調在鋼琴上不能直接的體現，所以往往鋼琴演奏者都是同時彈奏E和降E或者B和降B兩個琴鍵才能得到這種效果。而其他的如弦樂的演奏者則是通過推弦的方式使音略高，從而幫助完成這種類似跑調的感覺。爵士歌手在演唱時對這些降音經常采用用一些彎音、顫音的處理方法，并在演唱的過程中大多采用深情的呢喃、低聲傾訴的表現手法，從而在聽覺上形成一種暗淡的、憂郁悲傷的感情色彩。

（二）模進的運用

最初爵士樂對于模進的使用并不是很多，后來越來越多的爵士大師們開始廣泛的運用并使其成為當今爵士樂慣用的一個表現手法。模進的運用給爵士歌手的即興演唱帶來了更多的啟發(fā)空間和創(chuàng)作靈感。

模進分為節(jié)奏模進和旋律模進兩種形式。節(jié)奏模進不一定在音高上進行重復，卻一定是保持對一定節(jié)奏型的重復，路易斯·阿姆斯特朗在專輯《比他更火熱》（Hotter than that）的演唱就體現了這種模進結構形式。旋律模進就是保留原有的節(jié)奏型，在同一樂句上演唱出不同的音高。這個也是爵士歌手在即興演唱時經常使用的，代表性作品如艾拉？菲茨杰拉德演唱的《黑色咖啡》（Black Coffee）模進的運用使爵士歌手在即興演唱時，對歌曲的處理更加具有連貫性和完整性。

（三）三連音的運用

很多爵士歌曲都大量的使用了三連音的節(jié)奏型。三連音的運用從聽覺上極易形成一種輕快、流暢想跟著搖擺的感覺，對于這種搖擺感的演繹是爵士演唱最常用的表現手法。在早期的爵士歌曲中，如我們所熟知的爵士樂大師路易斯·阿姆斯特朗演唱的《多么美好的一天》（What A Wonderful World）?！拔铱匆姳叹G的樹和嫣紅的玫瑰，它們?yōu)槲议_放。我心中想著，多么完美的世界……”隨著悠揚、明快的三連音節(jié)奏的展開，路易斯·阿姆斯特用他沙啞、憨厚的嗓音把歌曲想要傳達的那種對生活無限憧憬和美好向往的樸實情感詮釋的尤為到位。整首歌曲的節(jié)奏連貫舒暢，給人一種隨著節(jié)奏想與之搖擺的幸福感覺，從聽覺上給我們帶來無盡的享受。

三、和弦

爵士樂在和弦上的運用大多都是以七和弦為主。爵士樂中最常見的就是大小七和弦以及屬和弦，我們經常見到的爵士樂和弦進行是Ⅰ-Ⅵ-Ⅱ-Ⅴ的走向。相對于流行音樂來說，爵士樂的和弦色彩更加豐富。爵士樂常常通過一些和弦擴展音（九音、十一音、十三音）和替代和弦來制造出色彩絢爛的和聲效果。但是往往也有很多的爵士樂手更喜歡把復雜的和弦簡單化——運用最少的和弦、更多的發(fā)揮空間來進行即興創(chuàng)作。如邁爾斯戴維斯演奏的樂曲《So what》（那么，是什么）只有兩個和弦。這種變化使得爵士演奏者們的即興演奏手法從最初單純的和聲轉向對音階、調性等更多方面的思考。這也恰恰體現了爵士演唱僅靠記譜法是無法精確記錄的，口口相傳也是學習爵士演唱一直承襲的傳統(tǒng)。由此可見，多聽爵士大師們演唱的音樂作品是學習爵士演唱的一個重要途徑。

我們可以看出，“你應該訓練自己的耳朵和手指而不是眼睛。古典音樂是耳朵和眼睛的音樂，而爵士樂完全是耳朵的音樂。當不用看譜時爵士樂手能發(fā)揮的最好，他們將所有的東西都完美地內化于心中，從而不再需要音樂。就像Parker說的‘記住這些變化，然后忘掉他們”。即興的運用是爵士樂最重要的一個表現手法。即興的演唱方式也成為了爵士演唱最與眾不同的特點。

注釋：

① [美]保羅.O.W坦納、戴維·W.梅吉爾、莫里斯·杰羅：《爵士樂》，任達敏、梁方敏譯，北京：人民音樂出版社，2010年，第367頁。