美國博物館建筑及其空間設計的演變

張瀚予ZHANG Hanyu

中央美術學院，北京100102（Central Academy of Fine Arts，100102 Beijing）

美國博物館建筑及其空間設計的演變

張瀚予ZHANG Hanyu

中央美術學院，北京100102（Central Academy of Fine Arts，100102 Beijing）

在兩百多年的歷史發展中，美國博物館建筑設計整體呈現著一些明顯的變化。早期博物館設計承襲了歐洲公共機構的風格，在外部樣式上具有鮮明的古典特征，內部空間則在統一風格的基礎上，注重展示空間的分配與布局。20世紀30年代之后，越來越多的博物館設計成了建筑師以及博物館個體風格的特別表達，內部空間更講究流動、開放與靈活，并且強調必須削弱室內裝飾以使展示空間盡可能減少對于展品的干擾。近些年來，美國博物館出現了為展品提供“語境”并營造出特殊的展示環境、推廣可持續設計理念的追求與趨勢。

博物館設計；神廟；個性；空間

美國最早的博物館于19世紀問世。二戰之后，美國進入了一段可以被稱之為“博物館潮”的時期。20世紀50-80年代，美國新建的博物館面積超過了90萬平方米，這幾乎相當于14個盧浮宮的空間［1］。在同一時段，沒有其他國家或地區的博物館發展速度能與之媲美。盡管一些博物館學者和文化研究學者認為美國的“博物館潮”結束于20世紀的70或80年代，新的博物館依然在美國各地持續出現，與此同時，不少老牌博物館也在積極尋找資金、為自身的改擴建工程做準備。僅2012年一年，博物館建設工程（新館或改建擴建）給私營企業帶來的經濟效益大約是13.53億美元（約合90億元人民幣）①。2015年春，惠特尼美國藝術博物館（Whitney Museum of American Art，New York）剛搬進由意大利建筑師倫佐·皮亞諾（Renzo Piano）設計的新館，這也是當今紐約市最大的無柱展廳。經過協商，位于曼哈頓上東區的惠特尼美國藝術博物館舊館在以后的時間里都將提供給大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art，New York）所使用②。

一、美國早期博物館設計

1. 古典風格：建筑師個人風格的消解

對國家發展抱有責任感的美國人，在19世紀晚期到20世紀初期對博物館的建設投入了巨額的資金、耗費了巨大的精力。這些投入直接推動了美國最早一批博物館的建立，包括芝加哥藝術學院（Art Institute of Chicago，1879年成立，1893年搬入新建筑）、大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art，1870年成立，1902年搬入新建筑）、波士頓藝術博物館（Museum of Fine Arts， Boston，1876年開放，1909年搬入新建筑）等（見圖1）。

圖1　波士頓藝術博物館③

從博物館的設計來看，采用的是古典主義（Beaux Arts）樣式，使用類似于希臘或羅馬神廟的樣式，似乎是要為這個新興國家的文化和藝術貼上歷史的標簽。因此可以用如下的詞組形容當時美國博物館的建筑風格：體量宏大，氣質莊嚴，結構對稱，色彩素雅。

與當下博物館的設計相比，美國早期博物館的建筑設計很難辨識出建筑師的個人風格。當人們看到這些博物館的外觀時，幾乎無法分辨出風格和特點上的明顯不同，或者說，無法區分出是哪位設計師的作品。或許可以說，對于那時的博物館事業的贊助人和管理者來說，更重要的事情是要建立起一座座具有權威性的博物館，它們能夠代表美國這個日漸興起的國家的光輝形象，同時又能與歐洲的文化傳統和歷史保持著緊密關聯，并不需要一個個獨特的博物館建筑設計以表達機構自身的特點，更不需要以此來吸引公眾的關注及評論。

以波士頓藝術博物館為例。波士頓藝術博物館創建之初是在科普利廣場（Copley Square）的一座建筑中，并對公眾開放了33年的時間。1899年，博物館購買了沿用至今的土地。1903年-1906年，博物館開始對未來博物館的建筑進行規劃工作：管理層向博物館各個部門征集了詳盡的空間使用需求和相關報告；邀請建筑顧問以及建筑師；委任了博物館建筑設計師蓋伊·洛維爾（Guy Lowell）全盤負責；派遣相關人員赴歐洲調研、考察博物館建筑；乃至在實際地點建造了一棟實驗性建筑，等等。經過多次討論研究之后，終于在1907年完成了設計并開工建設，1909年完工（見圖2）。盡管這一介紹比較啰嗦，但博物館建筑從平面上看近似于中文的“兌”字，即被多個過道連接但卻是由相互獨立的展示區域所組成；博物館主體建筑共分兩層。從外觀上看，符合當時美國新古典主義建筑風格的所有特征；整個建筑使用的是淺色的石材；建筑正中間入口處擁有三角形山墻和具有垂直線條、頂部并帶裝飾花紋的柱廊；盡管沒有使用多層臺階將整體建筑的高度抬高，但博物館呈現的則是莊重、宏大的氛圍。

因為其機構的運營和管理，因為其歷史，或因為其經典永恒的設計，美國這些早期的博物館如今已成為最重要、最能吸引公眾前往參觀的特別場所。只是不同于后來問世的各具風格特征的新博物館建筑——如果不專門閱讀美國這些早期博物館建筑設計的相關資料，如今就很少有人能夠準確指出它們的設計師以及各自特別的設計理念。

圖2　1906年繪制的波士頓藝術博物館平面圖③

2. 內部空間：注重展示空間的布局與分配

美國早期博物館的內部空間設計，特別注重展示空間的布局與分配。波士頓藝術博物館1924年的一份簡報曾經提到博物館館長塞繆爾·沃倫（Samuel D. Warren）在1907年確定的博物館三條設計原則：“1）從平面圖上看，每個部門（領域）在結構上都設計成為相互獨立的空間，分別擁有明確界定的流線；2）從立面圖上看，一層是主要的展覽樓層，然后上面一層是倉儲和學習樓層；3）在兩個樓層的每個房間中都保證有充足的光線”［2］（見圖3）。博物館早在規劃階段就對內部空間的設計進行過幾次修改。

圖3　經數次修改后的波士頓藝術博物館內部空間布局③

由前兩條可見，此時的博物館內部空間的設計是相當注重知識體系的建構和分類的。在這一階段，博物館希望成為一個能夠認真履行公眾教育職能的機構，因此，完整的知識體系和清晰的知識分類是博物館內部空間需要滿足的、最重要的依據。

然而，博物館的內部空間還包含更多的構成元素，如博物館的教育空間（工作室、多功能空間等）、為觀眾提供便利和服務的公共空間（餐廳或咖啡廳、休息區等）。即便是博物館的收藏空間，也細分為臨時藏品、永久藏品、修復、驅蟲、裝裱或準備等不同的空間。考慮到博物館的日常使用，這些不同的空間早在博物館設計的最初階段就進行過認真規劃。不過，早期的博物館設計并沒有關照到這些方面，而主要強調的是博物館的展示空間。甚至可以說，這些博物館的內部空間設計也是符合神廟特征的：給觀眾一個仰望神圣藏品的空間，便利性、舒適性、娛樂性、互動性等這些被今天的博物館人非常重視的特征并沒有放在特別考慮的范圍之中。

盡管早期博物館的內部空間非常注重知識體系的完整性和分類的明確性，但其風格卻依然與建筑外觀一樣是一個統一的、而不是根據博物館藏品的知識分類而分別進行的設計。例如，如果一個人走進那個時代的博物館展廳，很容易發現每個展廳的空間設計全是一個模式，而不會體驗到針對一個展廳的主題及作品內涵進行單獨的設計。

這一現象在近年來發生了巨大變化。因為越來越多的博物館學者和博物館管理者認為，博物館應該為其收藏的、來自各種文化和歷史背景的作品建立接近原生地的“語境（Context）”。博物館的藏品都是在某個特定的歷史時代和文化背景中、出于特定的目的、由某個（些）人創作出來的。而現有博物館收藏和展示體系，將作品置于某種人為的線索和空間之中，大多數作品也就脫離了創作之時所處的環境（如被展示在大都會藝術博物館中的中國山西廣勝下寺主殿壁畫）。畢竟，博物館所收藏的作品，除了個體的審美和歷史價值之外，也反映了作品與人、作品與環境、人與環境等各種關系。建立有效的環境背景，可以幫助公眾更好地理解這些背后的多層次的關系，并體味作品原本的意義。作為一座并非天生就與作品有著原生關系的機構，博物館恰恰缺乏這樣的環境。

“我剛剛花了幾乎一天的時間在烏菲齊博物館（Uffizi Gallery）參觀，這里有著世界最偉大的油畫收藏之一，我想在這里學習十四到十五世紀意大利圣壇裝飾畫。許多圣壇裝飾畫被一起展示在有著明亮光線和白色墻面的漂亮展廳中。當我離開博物館后，我去了不遠處的一個教堂去看另外一個圣壇裝飾畫。在我的眼睛試著適應黑暗的光線時，我瞥見了油畫，由蠟燭和透過彩色玻璃彌散開來的柔光所照亮。空氣中是香料散發的微微香氣，低聲細語的禱告者站在我身邊。一位老年女性在圣壇裝飾畫前跪下并嚴肅認真地禱告。”［3］

由此段話語可見，對于觀眾而言，博物館所提供的系統性知識與作品處于原生態環境中所給予的體驗和感受是非常不同的。因此，博物館統一設計的室內環境與針對特定藏品而設計的環境（還原）也必然具備不同的意義。當然，對于很多19世紀以來的藝術品來說，藝術家在創作之初就已經明確了作品的未來是需要在博物館的空間中進行展示的。在當代藝術中，很多作品甚至就是為特定的博物館空間創作出來的。

二、20世紀30年代以來的美國博物館設計

如前所述，20世紀30年代以前，美國藝術博物館的設計基本襲用了歐洲的模式和風格，這與美國藝術的發展節奏其實也是一致的。在19世紀以及更早的時期，美國藝術界基本上是在向歐洲學習，是在尋找自身文化源流的路徑上行走的。而在世紀之交的拐點，隨著歐洲現代藝術在美國被介紹給公眾（如1913年“軍械庫展覽”的舉辦）和美國自身的國家經濟和文化發展，越來越多的美國藝術家和建筑師開始發問：什么是美國藝術？什么是美國風格？也就是從那個時期開始，“向歐洲學習”調整為“尋找自我”。

1943年，密斯·凡·德·羅（Ludwig Mies van der Rohe）針對自己的“一座小城市的博物館（Museum for a Small City）”項目寫道：“首要的問題是，要將博物館建立成為一個提供愉悅的中心，而不是一個埋葬藝術的地方。在這個項目中，藝術作品和生活社區之間的壁壘通過一個展示雕塑作品的花園而消除了…… 建筑空間，因此可以被想象成為，是一個可被定義的空間而非是一個限制性的空間”④。密斯的理念與筆者之前提及的20世紀以前的博物館設計理念截然不同。曾經分外注重博物館知識體系和分類的室內空間被認為是“埋葬藝術的地方”，因為那種展覽空間是靜態的、固定的、缺乏對話機制的。博物館應該與外部世界、環境、公眾建立起各種層次的相互滲透、相互交流的關系。

1.從中立到個性表達，從神廟到白盒子

20世紀30年代以來的美國博物館設計呈現著非常明顯的兩個特征。一是從建筑設計上看，新出現的博物館建筑越來越像是城市或地區生活中的獨特坐標。博物館曾經以自己所收藏的名家名作或重要物品而自豪，盡管它們之間從外表上看是非常的相似。但是后來的博物館設計看起來就像是一件巨大的雕塑品，本身也可以成為博物館的名片。重要的是，與早期博物館華麗、古典、如同神廟般的風格相比，這些博物館的設計常常不能再給予人們那種想要使用氣勢“鎮住”其中藏品的感受。相反，在個性鮮明的外形之下，博物館對展示于其中的藝術品提供了盡可能少的“旁白”。

1939年完成的紐約現代藝術博物館（Museum of Modern Art）建筑（博物館于1929年成立），開啟了博物館建筑設計中的“現代主義風格”。菲利普·古德溫（Philip Goodwin）和愛德華·杜雷爾·斯東（Edward Durrell Stone）這兩位當時并不知名的建筑師為現代藝術博物館進行了設計。博物館選址于曼哈頓西53街（West 53rd Street），這是一條東西向的小街，并非曼哈頓重要的街道。博物館的設計風格簡約，沒有宏大的建筑體和古典的建筑裝飾。它就像是一個靜靜等待經過它的公眾隨時出入的地方，不需要進入博物館大堂之后而心懷仰視和敬畏之情。隨著時間的變化，博物館也經歷了一些改建擴建工程。比如50年代，由曾任博物館建筑和設計策展人、并深受密斯·凡·德·羅影響的建筑師菲利普·約翰遜（Philip Johnson）就為博物館設計了一個深受觀眾所喜愛的花園。

1943年，弗蘭克·洛伊德·賴特（Frank Lloyd Wright）應邀設計紐約古根海姆博物館（Solomon R. Guggenheim Museum， New York），由于設計方案反復修改、加之主要贊助人所羅門·古根海姆去世（1949年）等多種原因，十年后博物館才正式建成。不過，白色、螺旋形狀的博物館設計甫一面世就成了紐約的地標之一。古根海姆博物館位于曼哈頓非常重要的第五大道，與華麗、古典的大都會藝術博物館相距不遠（見圖4）。

圖4　 建設中的紐約古根海姆博物館⑤

此后，伴隨著“博物館潮”的到來，越來越多個性鮮明的博物館設計出現在美國，比如蓋蒂博物館（The J. Paul Getty Museum， Los Angeles）、新美術館（New Museum， New York）、丹佛藝術博物館（Denver Art Museum， Denver）、薩爾瓦多·達利博物館（The Dali Museum， St. Petersburg）、搖滾名人堂和博物館（Rock and Roll Hall of Fame，Cleveland），等等。這些博物館的設計如同一件件展示著的藝術品，分布于美國大大小小的城市或鄉村，持續吸引著觀眾前往參觀、欣賞博物館建筑本身以及其中的作品。

2.從獨立、明確的子空間到流動的空間：知識分類的變化

從博物館的內部空間來看，20世紀30年代以來的博物館開始采取更加靈活、開放、流動的內部空間分配。博物館是一個為公眾提供學習內容的場所，但或許，知識不應該再是一成不變和具有權威的面孔了。在理論上，博物館從一個精英式的機構變成一個更加親民、大眾化的地方（盡管精英主義在博物館中一直存在）。博物館希望將更多的空間騰出作為“課堂”以探討知識的可能性，并且直接與觀眾實行對話。在歐洲有越來越多的聲音呼吁博物館在撰寫展品說明時要放棄那種篤定的、權威的態度，是要讓每一位觀看作品的個體觀眾也能夠有自我生產知識、認真反思的可能與空間。

紐約現代藝術博物館的展示空間實際上就是一個開放的廣場，在其中，可以根據展覽主題及內容使用可移動的展墻來構建或改變博物館的展廳。而對古根海姆博物館而言，整個博物館的展示廳就是一條不間斷的、螺旋上升（或下降，取決于行走的起點和方向）的坡道。盡管在其間也有從坡道一側延伸出去的展廳，但可以說博物館的展廳是流動的和完整的，卻不再存在相互獨立的子空間了（見圖5）。

圖5　紐約古根海姆博物館內部⑤

3.新技術成了增強觀眾體驗的工具

曾經的博物館參觀體驗，主要是以觀看的形式實施的。然而，單純的觀看形式缺少對話，就不容易邀請觀眾真正投入其中。如今諸如“hands-on activity（動手體驗）”、“interactive activity（互動體驗）”這樣的理念在大多數美國博物館得到了高度的重視。比如，紐約現代藝術博物館將一些名作的復制品和部分真跡組織成可供觀眾“學習”及收藏的形式，以強化他們的體驗；眾多博物館已經完成或正在進行數字化建設，并通過實體博物館之外的途徑向更多公眾提供學習的資源。隨著新技術的不斷進步，博物館也擁有了更多提升觀眾體驗的機會。

位于紐約的庫珀·休伊特史密森設計博物館（Cooper-Hewitt， Smithsonian Design Museum，New York）是目前美國唯一一座以設計為主題的博物館。盡管博物館坐落于具有厚重歷史文化的地區，但其中卻添置了一些非常前沿的參觀體驗。不久之前，該館為壁紙收藏設計了一個“浸入式展廳（Immersing Room）”，為參觀者提供了更加真實的臨場體驗。觀眾在這個展廳中可以自由選擇博物館所收藏的壁紙，并將其投射到四周的墻壁上，于是整個展廳似乎真的貼上了此款壁紙——這無疑是非常理想的觀賞和體驗方式。此外，作為一座設計博物館，庫珀·休伊特還為觀眾提供了“過程實驗室（Process Lab）”。在這里，觀眾可以體驗為解決日常生活中的問題而進行設計的過程⑥（見圖6）。

圖6　庫珀·休伊特史密森設計博物館為所收藏的壁紙設計的“浸入式展廳”⑦

四、結語

對博物館而言，是功能重要還是形式重要？人們到底需要什么樣的博物館建筑？

現實中，博物館的形式（或建筑設計）往往被當作博物館規劃的核心，可以說，很多新建立的博物館在最初開始規劃時，首先做的事情就是邀請建筑師進行建筑設計工作，然后才考慮具體收藏哪些內容、要實行怎樣的展覽或教育項目（即博物館的主題內容）。有些時候，的確是形式成了博物館開放之后最核心、最吸引觀眾眼球的內容。1983年到1989年完成的俄亥俄州立大學衛克斯那藝術中心（Wexner Center for the Arts，Ohio State University）在開放之前還沒有任何藝術作品［4］，但由于建筑師彼得·艾森曼（Peter Eisenman）、理查德·特洛特（Richard Trott）和景觀設計師勞瑞·歐林（Laurie Olin）共同設計的博物館面世之后迅速引起轟動；1997年，古根海姆博物館在西班牙城市畢爾巴鄂開設了一座分館，分館由美國建筑師弗蘭克·蓋里（Frank Gehry）設計。這座博物館在開館時也沒有自己的收藏品，這是因為所有的展覽內容是由紐約的總部決定的。然而，這座宛如巨型金屬雕塑品的建筑本身，就吸引了無數觀眾前往。對于古根海姆畢爾巴鄂分館來說，是博物館建筑的樣式而非館中的收藏品吸引觀眾走進博物館，從而改變了一座城市的面貌的。可以肯定，注重建筑本身的設計并不意味著忽視博物館在功能和使用方面的考量，相反，功能才是博物館進行規劃之時最要優先考慮的內容。

除了文前提及的美國博物館基本的設計特色之外，在新的博物館規劃中還呈現著愈加“綠色”的趨勢。比如，達利博物館在進行規劃、設計時就采用了多元化的綠色設計理念：設置雨水過濾和凈化系統，減少不可再生材料的使用，安裝太陽能，注重博物館室內的環境質量，等等。

即使是在一百多年前，波士頓藝術博物館在構思自己的建筑物時，就曾反復強調：“怎樣才能使博物館被最好地利用起來，不僅是在現在，而是在無限的未來？”［5］

注釋

① 數字來源于美國博物館同盟網頁（原美國博物館協會，近年來由American Association of Museums更名為American Alliance of Museums），http：//www.aam-us.org.

② 有關惠特尼美國藝術博物館新館的更多信息，可參見http：//whitney.org/About/NewBuilding .

③圖片版權：波士頓藝術博物館.

④ Museum of Modern Art， http：//press.moma. org/wp-content/files_mf/sectiontexts.pdf.

⑤圖片版權：紐約古根海姆博物館.

⑥ Cooper Hewitt Process Lab， http：// www.cooperhewitt.org/events/currentexhibitions/process-lab/.

⑦圖片版權：庫珀·休伊特史密森設計博物館.

［1］ Karl E. Meyer， The Art Museum： Power，Money， Ethics. New York， 1979， P13.

［2］ Benjamin Ives Gilman， The Museum Design as Tested by Experience， Museum of Fine Arts Bulletin， Vol.22， No.133 （Oct. 1924）， P40.

［3］ Anne D'Alleva， How to Write Art History（2nd Edition）， Laurence Kind Publishing Ltd， 2010， P59.

［4］ Jayne Merkel， The Museum as Artifact， The Wilson Quarterly， Vol.26， No.1， （Winter，2002）， P67. ［5］Benjamin Ives Gilman， The Museum Design as Tested by Experience，Museum of Fine Arts Bulletin，Vol.22，No.133 （Oct. 1924）， P40.

On the Evolution of American Museum Architecture and its Space Design

Over the past two hundred years， the architectural design of American museums has shown some signifi cant changes. The designs of early museum buildings followed the style of European public institutions， presenting obvious classical features in the exterior design；meanwhile applying a unifi ed style in the interior space， and focusing more on the layout and allocation of exhibition galleries. After the 1930s， more and more museum designs became the expression of personal styles of museums and architects. In the interior space， museums are more likely to adopt a dynamic， open and fl exible design， and to advocate reducing interior decoration to decrease the interference in the exhibits. In recent years， many museums in the United States prefer to provide “context” for the exhibits and to design special exhibition environment； moreover， many museums started promoting the concept of sustainable design.

Museum Design； Temple； Personality；Space

J0-03

A

10.3963/j.issn.2095-0705.2016.05.002（0006-07）

2016-08-26

張瀚予，博士，中央美術學院藝術管理和教育學院講師。