戲曲演員的戲外嘗試
——我的相聲演出心得

■嚴福華

?

戲曲演員的戲外嘗試
——我的相聲演出心得

■嚴福華

做為一個戲曲演員，除了做好自己的本職工作以外，還應該從其他姊妹藝術門類中汲取豐富的營養，不斷充實自己。近些年來，由于社會大環境的變化，人民群眾對業余文化要求的提高，演出市場的需求的多樣化，劇團的演出往往不再是單一的傳統戲曲了，歌舞、相聲、小品等等藝術門類也逐漸搬上了傳統戲曲演員的舞臺。我是一名錫劇演員，但是因為工作的需要，在演戲之外，我還有機會接觸相聲表演。在這些年的演出中，我逐漸地感覺到，有表演相聲的經驗，對于我們的傳統戲曲表演，有一定的促進作用。在本文中，我想簡單談談對相聲表演的認識。

一、相聲表演的基本功

平時我們常說，相聲演員四門基本功課：說學逗唱。這種說法的來歷，我無從考證，大概是最初的相聲演員總結并流傳下來的，時至今日，這種說法不但被絕大多數的相聲演員奉為圭臬，一般觀眾也大都接受。依我看，這四門功課與其說是基本功，不如說是相聲表演的四種表現形式。那么要從事相聲表演，所需的基本功又是什么呢？換而言之，一個合格的相聲演員，又要掌握哪些基本技能呢？

侯寶林大師曾有過一番總結。據他說，一個相聲演員要具備十二項基本功，自從相聲進入劇場，登上舞臺以后，有些技藝，如白沙寫字，要錢等就已不再需要了。結合今天相聲表演的實際情況，我對相聲演員或相聲表演的基本功，有如下認識。

第一、相聲演員要有一定的文化基礎和較廣博的知識面。

相聲畢竟是一門藝術，他有一定的文化內涵，沒有一定的文化基礎，則無法理解相聲作品的內容和主題，更談不上表演。而相聲這種藝術形式，可以表現也應該表現豐富多彩的內容題材，若沒有較廣博的知識面，就不可能駕馭題材多樣化的相聲作品的表演。試想對戲曲一無所知的相聲演員，怎么能夠表演好戲曲題材的相聲呢？勢必造成如侯大師所說的“說糊涂相聲”的情況。所以很多相聲大師都有這樣的訓誡：“許你不使，但不許你不會”。

單群不擋，捧逗俱能。

相聲的表演形式，一般可分為單口（一個人表演）、對口（兩個人表演）、群口（三人及三人以上表演），還有多人表演的相聲劇。其中，單口，對口和群口相聲是相聲表演中的常見形式。所以一個相聲演員要具備從事這三種形式表演的基本功，才算得是一個合格的相聲演員。

有模仿表演的技能。

這一點是針對相聲中的“學”而言的。在一段相聲中，很可能需要表演不同的藝術形式，或者要塑造不同的人物形象，這就需要相聲演員要有模仿表演的技能了。

有控制現場的能力。

相聲是以現場的表演為主的。而現場的情況難以預測，觀眾群體也是極其復雜，所以要成功地表演完一段相聲，必須能夠控制住現場的情況，掌握觀眾的情緒，這樣才能把思維分散的觀眾帶入到欣賞相聲中來。

以上四點，就是我所認為的，在現時的相聲演出情況下，一個相聲演員從事相聲表演的所需訓練的基本功。

二、相聲表演的表現形式

我認為相聲表演的表現形式，其實就是馬季先生提出的兩句話，八個字，即“說學演唱，逗在其中”。

所謂的表現形式，應該可以理解為演繹作品內容的藝術手段。那么相聲所利用的藝術手段就是說學演唱，而逗樂則是貫穿于其間的藝術效果。

照我的理解，“說”就是說話，是以敘述和評論的方式為主，輔以倒口（用方言表演），貫口（誦說大段的臺詞），噴口等技藝的一種藝術表現形式。當然，相聲里的“說”是升華了平時的說話方式的，特別強調語氣和聲音的運用，并有一定的節奏感。比如捧哏演員常使的“嗯啊著是”，就要講究以不同的語氣來表達不同的內容。而貫口的技藝，就需要演員掌握一定的節奏。

“學”就是模仿。如果一個相聲演員能百分百的像其所模仿的對象，固然是最好。但是在實際情況看來，這是絕大部分演員所不可能做到的。所以就要抓住模仿對象的最主要特征，把它表現出來，讓觀眾能分辨出你學的是什么，那就可以了，正所謂“像不像，三分樣”。而“學”也要注意適度原則，不能為了模仿而模仿，一旦脫離了作品的主題和內容，“學”的濫了，就變成了個人技藝的無聊展示，對作品的演出效果只有害而無利。

“演”是表演，狹義的就是指演員的神態和動作。臉上的“喜怒哀樂驚恐懼”和舉手投足一招一式，都是表演。它可以配合著臺詞，可以提高表現力，加深觀眾對某處臺詞的理解。“演”這一項表現形式，最初并沒有在理論上被單獨的提出來重視。在相聲界，是馬季先生首倡之功。然而在有“南方相聲”之稱的上海獨角戲中，這是演員的一門重要功課。放在相聲里，其實同樣重要。

“唱”又分兩種，一是相聲里本門的唱法，也就是行話所稱的“門柳”（行話把唱稱為柳）；另一種則是學唱其他的藝術形式，如各種的戲曲、曲藝、歌曲等，這在行話中又稱為“雜柳”。這兩種唱法都很重要，但相聲畢竟是以說為主的一種藝術形式，過多的唱，是不應該在相聲表演中所提倡的。相聲前輩羅榮壽對相聲中的“唱”有獨到的見解，概括講是四個字：“精、巧、短、美”，也就是說，要“選其精華，用之巧妙，篇幅短小，唱得優美”。我贊同他的這種說法。

“說學演唱”雖是四種相對獨立的表現形式，但四者之間在很多情況下卻不是相互分離的，說和演，學和演，學和唱，唱和演等往往都是你中有我，我中有你，相輔相成的。四種表現形式共同作用，最終達到逗樂的效果，這就是“說學演唱，逗在其中”。

三、相聲表演中的捧逗關系

在相聲的三種常見的表演形式中，對口相聲所占的比例最重。所以對口相聲捧逗之間的關系歷來是相聲界最關注的話題，前輩演員每有論及，甚至在傳統相聲中還有以此為題的作品《論捧逗》（還有一種版本名為《八不咧》）。

提起捧逗關系，人們常說的一句話是“七分捧三分逗”。我認為這是一個很正確的理論，但關鍵是怎樣正確的理解和積極的落實。捧逗關系的三七開，并不指戲份兒的多少，而是指二者在一塊“活”（行話“段子，作品”的意思）中的作用輕重。在對口相聲中，捧哏演員是起著起承轉合作用的角色，他引領“活”的走向，烘托逗哏演員，掌控“活”的表演時間。可以說，一塊“活”的成功，是由捧逗雙方的默契合作，并以捧哏演員的出色引領而造成的。凡是有過逗哏經驗的演員，都得承認沒有一個好的捧哏演員，就不會有好的發揮。所以任何輕視捧哏演員的觀點，我認為都是錯誤的。曾經的事實是，一塊“活”中，捧哏演員大多是逗哏演員的長輩演員，或是比逗哏演員經驗豐富的老演員。比如侯寶林與郭啟儒的合作，郭啟儒就是侯寶林的師叔；姜昆與唐杰忠的合作，唐杰忠也是姜昆的師叔。這就是對“七分捧三分逗”的很好例證，值得我們的重視。

同樣的道理，都說：紅花還需綠葉配。在傳統戲曲舞臺上，大家也不能忽視那些配角演員，群眾演員，乃至龍套演員。一個戲曲演員，如果能演好演活一個配角，同樣能夠在一個戲里光彩奪目。對整臺戲來說，往往能起到妙筆生花，畫龍點睛的效果。

我們常說，藝術是相通的。我們每一位戲曲演員，如果不把眼光放遠放寬，而局限在自己所從事的劇種門類中，只能是固步自封、閉門造車，這樣只能使自己的藝術道路越走越窄。所以，我認為，一個好的戲曲演員，在做好本劇種的功課之余，還需要多聽，多看，多學，多聽其他姊妹劇種的唱腔以及音樂旋律，多看各個劇種的經典劇目，多學習其他的藝術門類。長此以往，往往能使我們觸類旁通。活到老，學到老。我們要在學習中，不斷的充實壯大自己，博采眾家之長，讓我們的傳統藝術再放異彩。