不服從的身體

楊聃

“時尚是關于互換、共享和引用，

而不是占有。”

一場跟身體有關的展覽

3月中下旬，在英格蘭北部的赫普沃斯美術館（Hepworth Wakefield），喬納森·安德森策劃的為期三個月的展覽“不服從的身體”（Disobedient bodies）在時尚圈和藝術圈的共同關注下開幕了。它將時裝與藝術作品并置，方式還有點挑逗、玩味或者說是挑釁。這場展覽花了安德森將近兩年的時間準備，對一個“年產量”有12個系列的服裝設計師來說，已經非常有效率了。

安德森在開幕演講中提到自己的一場頓悟。2006年V&A博物館的那場時尚繆斯“安娜·皮亞姬的時尚學”（Anna Piaggi Fashion-ology）展覽，讓他發現服裝可以是一種藝術的表達和雕塑的實現。“如果我的展覽能像皮亞姬啟發我一樣，啟發一兩個年輕人也是有意義的。”另一方面，在赫普沃斯美術館首席策展人安德魯·博納奇納（Andrew Bonacina）看來，用什么東西來與時裝對抗，就會用那樣的新眼光來審視時裝。

展覽匯集了不同領域的作品：時尚、藝術、攝影和設計，不難看出在某種程度上它們都與人體相關。就像游樂場那樣，它們各執一角。這讓人聯想到了達·芬奇的展覽，回味那個在多學科交叉的背景下進行創作的時代。

展覽中的100多件作品，既有來自路易斯·布爾喬亞、林恩·查德維克、賈科梅蒂、芭芭拉·赫普沃斯、亨利·摩爾和多蘿西婭·坦寧這樣的藝術家，又有來自如迪奧、高提耶、川久保玲、海爾姆特·朗、三宅一生、薇薇安·韋斯特伍德這樣的設計師，當然也少不了安德森本人的作品。

《斜倚的人》與《The Thinleys》

“我們把每一件作品當作一個身體來談論。”博納奇納對《時裝商業評論》說，“這里有100多個身體在對話，它們有開心的、尷尬的、引起爭論的，甚至是互相仇恨的。”所有情感都是觀者自己賦予的，所以后兩者并沒那么容易找到例證。事實上，展覽并不是像“不服從”聽起來那么性感，而是展示了過去100年間，身體作為雕塑的一種形式是如何被處理的。

進入展廳，最顯眼的位置擺放的是亨利·摩爾1936年的木雕《斜倚的人》，旁邊是時尚攝影師杰米·霍克斯沃思和安德森合作完成的作品《The Thinleys》，探索用不同的布料將人體打造成雕塑的既視感。

幾步之遙可以看到高緹耶1983年的錐形胸衣禮裙（Breast Cone Dress），擺成了與斜倚的人相似的造型，這是策展人博納奇納的主意。他認為相比于服裝，藝術被包裹在一層智識的泡沫中。“經常有人走進來，看看赫普沃斯或是摩爾的作品說，‘我喜歡它，但看不懂。但配上衣服，他們就能說出為什么覺得它有趣，或者為什么覺得它吸引人。”

不難想象，這些創作理念在面世時帶來了何種激進影響。“但彼時激進的東西在現今看來已是經典了。”博納奇納認為這種“后見之明”也很有趣。而對于高緹耶的錐形胸衣禮裙來說，這個過程被反過來了：麥當娜讓人們知道了錐形胸衣裙，它本是一種時尚經典，不知怎么在如今的展覽中卻被解讀成激進了。正是這種奇妙的副作用，讓“不服從的身體”從近期其他類似的時尚與藝術情境重構的展覽中脫穎而出。

參觀展覽的過程就像穿梭于一場雞尾酒會。川久保玲1997年發布的“隆與腫”系列正與布朗庫西1912年創作的頭部雕塑“對視”;山本耀司帶裙撐的外套正與威廉·特恩布爾的青銅像“比試”誰的曲線更美;海爾姆特·朗帶有各種背帶的時裝系列，與雕塑家賈科梅蒂、路易絲·布爾喬亞以及芭芭拉·赫普沃斯的雕塑在一起“探討”極簡、線條與空間。

再往前走，就會發現瑪格達萊妮·歐頓多的陶瓷瓶正凝視房間另一邊的迪奧上世紀50年代的絲綢酒會禮服裙。“雞尾酒會意味著一些作品已經是老朋友，其他的也能成為新相識，他們在特定的情境下互相往來。”負責此次展覽設計的倫敦建筑師團隊6A的建筑師對《衛報》解釋道。這些作品彼此有差異，也有共性（不僅都是關于身體）。它們是否相處融洽并不重要，重要的是它們代表了那個時代富有創造性的反抗。

時裝和藝術作品相互呼應

這一切都遵從著安德森“跨界創意”的原則，就像將三宅一生的燈籠裝與帶給其靈感的日本藝術家野口勇的燈籠作品陳列在一起那樣，二者跟參觀者的距離都被拉近了。他覺得最興奮的部分是伊夫·圣洛朗的黑色雪紡裙和斯洛伐克雕塑家瑪麗·巴圖斯卓娃的作品并置的空間。那條1969年的黑色雪紡裙的胸衣部分是由法國雕塑家克勞德·拉蘭內用黃銅澆灌塑成，和正對面的抽象雕塑“穿孔軀干”一樣，令人聯想到身體曲線和皮膚紋理。“那感覺就像彼此信任的兩個女人同處一室。我喜歡這個部分的設計，她融進了黑暗的背景里，只能辨識金色的腰線。”

關于分享而非占有

除了入口處的詳細文字說明，所有展品都沒配注解和標簽。安德森和博納奇納鼓勵觀眾與展品進行更直接的實體互動。四個展廳通過一系列窗簾的區分營造出了親密又迷惘的感覺。有個房間懸掛起28件“超現實版”套頭毛衣，色彩鮮亮、袖子細長，這是安德森特別設計的部分，即便是三四歲的孩子都能投入其中，他們會想要跳起來觸摸這些衣服，或是把自己塞進袖子里。

英國藝術家安西婭·漢密爾頓在這個展覽中策劃了一部分。她曾以高達5米的被稱為“低俗雕塑”的作品《大門計劃》獲得2016年度的當代藝術大獎“透納獎”。她這次的作品中包括《安西婭·漢密爾頓重構Kettle's Yard美術館》，漢密爾頓當時為它工作了18個月，這與快速運作的時尚界形成了鮮明的對比。安德森想到自己一年做12個系列，感慨到這就是時尚浮于表面的原因。

安德森認為山本耀司的設計與芭芭拉·赫普沃斯的雕塑同等重要。設計師也能在服裝上實現雕塑的形式，然而，相比于設計師，藝術家對于身體的敘述往往更加大膽。

“芭芭拉·赫普沃斯、亨利·摩爾這些藝術家也曾為時尚工作。但這早在過去30年間消失了。”從上世紀90年代開始，奢侈品標榜排他和精英。安德森對《紐約時報》說：“我覺得時尚迷失了。也許是因為貪婪的原因，它忘記了手工藝和文化。我相信藝術世界也經歷過類似的事情，變成了一場關于價格的競賽。”

多年前，當三宅一生再度推出融合了音樂、舞蹈等元素的衣服時，或許他開始認清時裝并非一種藝術形式。他近乎慣性的不自信已經異變成惱怒。他故作神秘地堅持衣服、衣服……然而，它不是雕塑，不是帆布上的油畫，只是布，用來包裹身體的東西。但在安德森看來，時尚是具有文化性質的。當他在針織衫上引用材質設計師約翰·艾倫（John Allen），以及在手袋上與美國雕塑家李察·莎偉仕（Richard X Zawitz）直接合作的時候，都是在以自己的方式證明這一點。

當然，安德森也有讓人難以理解的時候。2013年他讓男模穿著露肩上衣和荷葉邊短褲出現在T臺上，被《每日郵報》封為男裝周最蠢著裝獎。“當你覺得自己做錯了什么的時候，那是好事，意味著其他人還沒有準備好。對于一個設計師來說，做眼前的事就沒意義了。”安德森說。

模特穿行于展覽之間

這個系列后來成了他最重要的系列之一。“它關于性別模糊，這是一個發生在我們周圍的問題，作為一個設計師，你必須反映發生了什么。”總有人說安德森對“性別”觀點有執念，事實上，他對雌雄同體一點興趣都沒有，他說：“我關注的只是衣服的世俗意義。”

在策劃“不服從的身體”展覽的兩年間，社會發生了很多變化。在安德森看來，新崛起的民粹主義氣氛試圖鼓勵孤立而非互動參與，這無疑是藝術和時尚所代表的東西的反面。“時尚是關于互換、共享和引用，而不是占有。”這也是安德森把時尚、藝術、攝影和設計并置的原因。“它是一種連鎖反應，當你習慣用薇薇安·韋斯特伍德的方式看待世界的時候，突然看到古典主義，就會發現一種從未想過的對立。它不是一場時尚教育，或是雕塑教育，它只關乎沖突的情感和由此激發的想象力。”

安西婭·漢密爾頓與她的作品