從技術到藝術—論剪輯技術的進步

【摘要】：情節與影視作品敘事節奏關系密切，情節直接影響影視作品敘事節奏的快與慢、得與失。情節節奏的設置與把握應符合觀眾的心理與欣賞習慣，適當采用創新的拍攝手法與剪輯方式，可以使情節節奏快慢適宜、張弛有度，增強影視作品吸引力。本文結合成功的影視作品分析，對情節與影視作品之間的關系，以及與創新拍攝和剪輯的關系進行了探討。

【關鍵詞】：影視后期制作 premiere Avid 普多夫金

一、技術只是剪輯的基礎，以《擺渡人》為例；

“《擺渡人》是一瓶25年的紅酒，然后剪輯的時候，每看一版，他會告訴我現在差不多18年了，再過幾個禮拜又看一版，他說，現在差不多到25年了。”

作為一個剪輯師需要把握住的是什么，技術只是作為一個剪輯師的基礎，只有掌握了剪輯師的真正內核，再佩予寶刀，這樣才能發揮出一個剪輯師的魅力。《擺渡人》后期剪輯前后一共是6個月。

剪輯師接作品一定要堅持跟組的，要習慣從拍片開始剪。跟組剪的時候，可以看到每一個場面、每一個鏡頭什么情況，這樣就可以做出判斷，要不要補拍等等。如果沒有這一步，拍完之后再發現問題，會是一個非常糟糕的情況。這個世界上很難有一個十全十美的鏡頭，拍的素材可能有幾條，剪輯師就是要去把每一條最好的地方剪出來，拼成一條新的，然后用技巧性的方法不讓觀眾看出剪輯點。這就是為什么要堅持剪輯要跟組，只有跟組的時候，才能每一條都看一遍，記在腦袋里面。多年的剪輯實踐可以把剪輯師的記憶力培養的很好。根據素材、根據要求，剪輯起碼要達到預期效果。如果再能錦上添花那就更棒了。

《擺渡人》電影里面有三條線，一條線是梁朝偉跟杜鵑，一條就是Angelababy跟陳奕迅，陳奕迅有女朋友就是熊黛林，第三條就是金城武跟張榕容。怎么把這個故事的三條線拼在一起，而不讓觀眾看起來很零碎、片段這很重要。對于一個剪輯師來講，除了考慮技巧和故事之外，還有其他因素都要跟導演溝通決定，而不是單單坐下來就剪。導演把剪輯師請過來剪這部電影，就好像來做一個菜，然后看看這個菜出來是怎么一個味道，怎么一個風格更搭配。

Avid Media Composer對于剪輯團隊協作是非常高效且精確的，因為現在越來越多的電影，不再是剪輯階段之后才開始進入特效、聲音、音樂的制作了，進入數字時代之后，“定剪”的概念越來越模糊，很多導演都習慣于“改剪輯到最后一刻”。

在剪輯過程中，只需要每天同步Avid MediaFiles里面的媒體文件到每臺使用的機器，如果有中央存儲系統，比如ISIS或Nexis等就更加便捷了，每次出新的版本，只需要把最新的bin給到剪輯助理就可以開始工作了，不會有錯誤鏈接，不會有時間碼錯亂。這是其他剪輯軟件都達不到的高效與精確。剪輯師甚至可以帶走所有素材，無論在哪里工作，只要給助理一個Bin，就可以開始后續的所有工作了。

另外剪輯師可以依賴于Avid Media Composer的軌道管理功能。很多別的軟件對于軌道的控制沒有Media Composer這么靈活，有些軟件現在干脆放棄了軌道功能。Media Composer讓剪輯師做每一步之前都仔細想清楚自己在做什么，對哪些軌道做了編輯，這讓工作的時間線非常熟悉，完全在掌握之中，無論做哪一步的工作都不會混亂不會丟三落四，有條理的進行下去。

二、電影剪輯經驗交流

1.愛你的素材。很多剪輯師抱怨素材拍的不好、缺鏡頭等，然后影響了自己的心情。其實我們不在拍攝現場，不知道現場的困難，況且心情不好影響了剪輯的進度和創作。剪輯師應該愛每一幀素材，那樣才能勾起創作的熱情，而且好的剪輯師往往能讓爛素材起死回生。

2.先思考后行動。不要拿到素材就開剪，先把所有的素材瀏覽一遍，然后構思一下整體片子的框架。再把素材往你的框架里填，來實現你的想法。如果拿到素材就剪，以為剪著剪著片子就出來了，那么遇到問題時，在浩瀚的素材里只會讓自己迷失和心煩。這跟編劇是因為想到一個好的結局才開始寫開頭是一個道理。

3.玩好節奏和結構。聊到導演創作時提到的兩個詞，用在剪輯上也屢試屢爽。剪輯合成是影片出爐之前最后一道關，而且剪輯也是對素材的一次再創作。前面是短鏡頭的快切，后面就來一會兒長鏡頭，前面是悲傷，后面就來點喜悅。不僅是因為害怕審美疲勞，而且觀眾的心理需要得到釋放。就像我們看電影，當劇情發展到一個點時，導演會安排一個不重要的壞人角色死掉，因為正義需要伸張，觀眾需要心理平衡。

4.頭松尾緊。這是在說剪輯對話時，甲說完以后，馬上切到乙。乙可以反應一會兒再說話。因為觀眾需要看到的是反應，甲說完后乙的反應，甲已經說完了，已經表明自己立場了，觀眾想馬上知道乙對甲的話作何反應。當然有時候可以故意“尾松”，賣賣關子，達到另一種效果。

5.畫面要比聲音的節奏點快兩幀。這是說需要卡著音樂節拍剪片子時，比如MV，畫面的剪切點不是剛好卡在音樂的節奏點上，而是比音樂快兩幀。因為科學研究表明，視覺和聽覺同時刺激人腦時，視覺刺激能夠影響聽覺的判斷，那么提前聽到了聲音就會有不適感，若是提前看到畫面，這種先入為主恰好符合視聽經驗并且做了相對的夸大。況且光比聲傳播快，人們早習慣看到閃電后等了好久才聽到幾聲響雷。

6.剛學剪輯的時候會特別在意所使用的剪輯技巧以及蒙太奇語言，現在這個并不是主要影響剪輯的方式。現在的思路是在看素材的時候會思考，這個素材怎么樣才能把它做得精彩。剪輯明確目的之后，然后想各種辦法去往這個目的上面靠攏。剪輯是一個需要博聞多識的行業，必須要懂得很多東西，要了解畫面和聲音上面各方面的知識，僅有這個還是不夠的，要對節奏有比較深的理解，對音樂、對生活、對鑒賞美的能力。

7.剪輯是很講究節奏。節奏并不是說要快，還是要找到戲的主旨，在這個基礎上面才考慮花多少篇幅去刻畫，這跟以前讀書的時候老師老是強調的詳略得當是一樣。節奏是影響整個影片觀看時間和和戲份多少的一個重要因素。它沒有像情緒那樣直接的控制我們的感官——但是確確實實影響我們是否能夠看得下去這個故事。

8.從剪輯種類上來說，可以分為電影、電視劇、微電影、企業宣傳片、廣告片、預告片、活動視頻等等。他們時間長度、結構、目的都不同，所以手法上、創作上也不同。

三、普多夫金的五個剪輯技巧

普多夫金是前蘇聯著名電影大師，他的觀念在電影的發展中曾產生過極大影響，特別是他的理論突出地強調電影的敘事性，這便在一定程度上支持了三、四十年代蘇聯和美國的情節劇模式。師從于庫里肖夫的他也對發展和繼承電影蒙太奇的理論—庫里肖夫效應有過積極的貢獻。其代表作為根據高爾基同名小說改編的影片《母親》及后來的《圣彼得堡的末日》、《成吉思汗的后代》。這幾部影片同時也奠定了他在世界影壇上的地位。

剪輯是通過鏡頭的組合進行場面建構（construction）的過程。在1920年代，當偉大的俄羅斯理論家們探索電影這種新的彈性媒體（elastic medium）能夠做什么的時候，他們把著重點放在了剪輯的敘事潛力上。

在此基礎上，普多夫金強調連貫性，他認為蒙太奇意味著多個鏡頭組成一個場面，多個場面組成一個段落，多個段落組成一個部分，一個個片段間具有顯而易見的聯系。人們不覺得中斷和跳躍，得到一種無意的刺激。普多夫金認為，“電影藝術的基礎在于剪輯”，并且就是在1920年代，普多夫金確立了五個剪輯技巧，直到今天仍是剪輯的基石。它們分別是：對比，平行，象征，交叉，主題。

普多夫金認為有目的地運用剪輯可以引導觀眾的情緒反應，從而他也認為編劇和剪輯師都應該掌握剪輯技巧，因為他們首要的工作就是成為“觀眾的心理導師”。普多夫金的五個原則說明了剪輯怎樣激發觀眾的特定情緒。普多夫金的原則一直有效。下面是近100年前普多夫金對他的剪輯原則的闡釋：

1.對比--假設我們的任務是講述一個忍饑挨餓者的悲慘處境；如果我們把一個富人愚蠢地暴食與之連接起來，這個故事會變得更加生動。

2.對比剪輯就建立在一個這么簡單的對比關系基礎上。在銀幕上，對比的影響可以更強，因為我們不但可以把忍饑挨餓段落（sequence）和暴飲暴食段落連接起來，而且還可以把單獨的場景甚至場景中單獨的鏡頭與其他場景或鏡頭連接起來，這樣，就等于始終強迫觀眾對兩個情節進行比較，使得兩個相互強化。對比剪輯是最有效的剪輯方法之一，也是最普通、最標準化的方法之一，因此要小心，不要過濫、過火。

3.平行--這種方法跟對比有些類似，但是更加廣泛。

4.象征--在影片《罷工》（Strike）的最后場景里，槍殺工人的鏡頭中穿插了屠宰場里宰牛的鏡頭。編劇想要也成功地說明了：對工人的槍殺就像屠夫用屠刀宰牛一樣殘酷、冷血。這種剪輯方法尤其有意思，因為通過剪輯，在不使用字幕（title）的情況下，給觀眾的意識中輸入了抽象的概念。

5.交叉剪輯--在美國電影中，最后段落常由同時發生并快速發展的兩個情節構成，其中一個情節發展的結果依賴于另一個的結果。電影《黨同伐異》（Intolerance）中現代部分的結尾就是這么構成的。現在幾乎已經濫用到令人厭煩的程度了，但是不能否認交叉剪輯，是迄今為止發明出來的建構影片結尾最有效的方法。

6.主題（主題的重復）--這種剪輯方法在編劇想要強調情節的基本主題時特別有用。重復的方法可以實現這個目的。

四、藝術的書法，用情感剪出節奏，一以《港囧》剪輯為例

在剪《泰囧》的時候，喜劇點留的空間相對多一些，《港囧》更注重給觀眾一種思維重復。舉例來說，就像徐來在大街上碰到劇組爆破師要引爆鐵頭人那場戲，爆破師每次回頭跟他們倆說話都是張著大嘴，圍繞這個重復；還有拉拉追上徐來打的出租車后不停地喘氣，然后徐來才說“你要喘到什么時候？”和后來在楊伊的房間拉拉打倒李燦森飾演的警察后又不停地喘氣。還有就是在影片的素材里尋找鏡頭與鏡頭之間的視覺中心是非常接近的，這樣剪出來感覺更流暢，沒有那么突兀。

在剪《港囧》的時候，剪輯師想的問題更宏觀一點，就是電影整體結構是什么樣的，剪輯的時候是找到了情感線和在情節線兩條并行的主線。情感的東西是一直盯著徐來這個人，那情節就是推動整個故事的，然后兩條線并行然后擰在一起。因為有情節推動，中間穿插情感的東西，這樣反而讓整個電影的節奏是有張有馳的，自然就會有節奏的變化。

綜合來說，《港囧》最難處理的是信息的壓縮和整合，要把它提煉到最精確，這是一個有挑戰的事。過程挺痛苦的。但是還好相對思路比較清晰，在搭粗剪的時候腦子里有一個概念，知道必須得壓縮到一個什么程度。比如一家人在早茶鋪吃早餐那場戲，一家人擠兌徐來的戲有很多，精剪后只留下了粗剪的三分之一，交代清楚人物關系，留住喜劇點然后放大徐來和蔡菠各有計劃，然后盡快進入后面的情節，所以在剪的時候，這場戲必須盡量的短，把空間留給后面的矛盾沖突上。

《港囧》比《泰囧》復雜就是因為《泰囧》的人物是特別比較符號化的，徐朗是一個成功人士，然后他有一個對手要去跟他搶這個買賣，然后還有一個傻傻的的人物和徐朗成為了組合。但是《港囧》里面人物要復雜和細膩得多，所以就為了完成這個人物，我們必須得講清楚這場戲。而且如果把這場戲往后放的話也有問題，它的位置只能在最前面，讓觀眾先接收到。

這個片子里面有幾段香港的空鏡頭剪輯非常出色，他們出現在：青春回憶段落之后出主創人員字幕的段落，還有徐來和蔡拉拉兩個人從片場走到多加利之前，還有結尾大樓前那場車戲，這三段剪輯，這是剪輯師找一個網絡的神剪輯，叫楊戈爾。

新技術的發展也對傳統蒙太奇提出了一種新的美學思考，在豐富了電影敘事的同時，也為電影理論界提供了新的美學觀。數字合成鏡頭的出現使西方電影理論界最為激烈的爭論得到了形式上的化解。以“長鏡頭”作為形式，蒙太奇作為內容的數字合成鏡頭的出現，將語言學和現象學這兩大對立巧妙地消解和融合，成為有關蒙太奇的第三條路線，也是傳統美學的更迭和進化，使數字剪輯上升到了一個新的藝術高度。

參考文獻：

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