淺析舒伯特中提琴《a小調奏鳴曲》

[摘 要]

舒伯特，早期浪漫主義音樂的代表人物，在他的作品中體現出維也納古典主義傳統與浪漫主義傳統之間的緊密聯系。他在繼承與發揚的同時形成了自己獨特的藝術風格，他的旋律親切、質樸、優美又帶些憂郁感傷的色調。本文通過對《阿佩喬尼a小調奏鳴曲》的創作背景、曲式結構及演奏風格的剖析，進一步深入闡述這首奏鳴曲的情感表達和藝術表現力，讓演奏者有更深沉的情感體驗。

[關鍵詞] 舒伯特；中提琴；創作背景；演奏風格；情感體驗

[中圖分類號]J65 [文獻標識碼]A [文章編號]1007-2233（2018）01-0085-02

弗朗茨·舒伯特，奧地利作曲家，浪漫主義音樂的代表人物之一，他被譽為“歌曲之王”，實際上舒伯特除了藝術歌曲之外，還在交響曲、室內樂和鋼琴等器樂領域里留下了大量的藝術精品。舒伯特出生在一個普通工人家庭，家境雖貧寒但卻有一個很好的音樂環境，自幼學習鋼琴、小提琴等樂器。1808年考入維也納皇家禮拜堂少年唱詩班，在教會附設學校里接觸到管弦樂隊的實踐及海頓和莫扎特的作品。1812年隨薩里耶里學習作曲，開始寫作鋼琴和弦樂作品，1813年完成了他的第一部交響曲，1814年創作了歌劇《F大調彌撒》《魔鬼的歡樂宮》等，從這以后開啟了舒伯特創作之路，在之后的舒伯特的創作中，作品的數量和質量上都有了更大的提高。《阿佩喬尼a小調奏鳴曲》是舒伯特后期的經典之作，他原本是為吉他演奏家舒斯特創作的一首吉他大提琴奏鳴曲，后來被中提琴使用，流傳至今。

一、創作背景

阿佩喬尼實際上是一種樂器， 一種用弓子演奏的六弦琴， 大小與大提琴一樣， 而形狀及定弦如吉他 E-A-d-g-b-e ，有24個品，故也叫“ 吉他大提琴” ， 具有獨特的音色。它是維也納吉他制造大師斯托費爾于1823年設計制造的。舒伯特對此樂器十分感興趣，在1824年為此樂器創作這首3個樂章的奏鳴曲，即如今我們聽到的《阿佩喬尼a小調奏鳴曲》。此曲完成于1824年11月，當時他已疾病纏身，健康狀況堪憂，情緒也相當低沉，這首曲子寄托了作者太多的情感，那種憂郁感傷的色調正是作者內心的訴說。舒伯特的這一作品深受人們喜愛而流傳至今，成為經典名曲。后來逐漸改編為大提琴、鋼琴、中提琴等版本。由于舒伯特是為阿佩喬尼所寫，此樂器自身存在一些不足之處，演奏起來十分困難，因此在樂器的演奏上，無疑增加了許多技術難度（如音樂寬廣、音程的大跳等），再加上他又融合了一些維也納民間音樂，即抒情性與浪漫主義氣質的結合，因而要求演奏者要自由地、熟練地掌握一些高把位演奏的技巧，同時保持手指的柔韌性和彈性， 在情感把握上也要更加細膩與妥帖。可見，演奏一首好的作品需要注意到每一個方方面面。

二、《a小調奏鳴曲》第一樂章曲式結構的分析

樂曲以“Allegro moderato中速的快板”為全曲定下了一個速度基調，在注重情感表現的同時不要忽視樂曲整體和宏觀的速度要求。樂曲剛開始，由鋼琴引入帶入氛圍，舒緩中透露著憂郁，隨后中提琴進入在a小調中憂郁地傾訴著，唱出了樂曲的主題。當人們還沉溺于感傷中時充滿活力的第二主題出現了，調性轉為明亮的C大調。第一主題與第二主題在節奏、速度等方面形成對比，為樂曲的發展、進行做鋪墊。隨后鋼琴優美的主旋律代替了中提琴的旋律，中提琴用撥弦交相輝映，一問一答讓音樂融合得更加緊密。不久伴隨著中提琴旋律的再次出現把整個樂章逐漸推向了高潮，漸弱漸強的運用更加自如，把作者內心的情感抒發得更加流暢。結尾部，整個樂章在中提琴與鋼琴一問一答的嘆息聲中依依不舍地結束，明確的調性回歸與強有力的終止和弦為全曲畫上一個圓滿的句號。

舒伯特a小調第一樂章是典型的奏鳴曲式，全曲整體在結構上并沒有做新的改進，在樂曲內部卻有一些新的變化：

呈示部（1-74小節）

1-30小節為主部主題，采用9+21的非方整性的結構，以不加修飾的柱式和弦從a小調傾瀉而出。

開頭的主旋律這四小節貫穿全區，揭示出了核心思想，奠定了全區的感情基調，憂傷與抒情并重，深深抓住了聽眾的內心。這一主題由上行的音型構成，二度、三度的調性布局為了體現色彩的效果，在古典和聲中極少用到。這樣的布局使音樂顯得柔和、暗淡。二度關系的調性布局往往能帶動音樂的發展。連音線的運用將音樂表達得更加連貫流暢，情感的表現更加細膩。并不復雜多變的節奏型，主要以二分、四分音符為主，節奏舒緩，有助于情感的表達，八分音符上方的圓點，用頓弓表現出輕微的嘆息，深化了憂郁的色調。高音聲部流暢自如地進行，而伴奏織體卻是分解和弦，加深了樂曲的厚度，營造出一個濃厚的情感氛圍。漸強漸弱的運用也深刻地表達了作者的心情，到22小節時節奏突然加快加上漸強的運用使樂曲達到了一個小高潮。伴奏為后半拍進，為獨奏留有余地。9小節的連接部，出現了一些變化音，推動了樂曲的發展。41-67為副部主題，采用13+13的方整性結構，調性轉為C大調，速度回到原速，基調轉為明亮的色調，與主部主題在調性色彩上形成明與暗的鮮明對比。十六分音形增多，速度提高，表現出向前發展進行的走向，再加上回旋音、裝飾音的運用，旋律更加富于流動性。伴奏織體仍為分解和弦式的，結束部出現了一些變化音，但最后仍結束在C大調上，給以完滿終止。

展開部（75-125小節）

展開部的第一段由鋼琴演奏主旋律，而中提琴為右手撥奏分解和弦的琶音作為伴奏，兩種樂器之間好像一問一答，在傾訴內心的情感。鋼琴的主旋律輪廓，這其實是樂章前面的旋律織體進行轉變，在此處調性進行了一次改變，改為溫暖的F大調。在第二段落的開始，它的素材主要來自于呈示部的副部主題，它采用副部主題的材料進行模進、擴展與發展等，情感的表達上也極為相似。在往后，舒伯特使用它特有的表現手法，旋律聲部改為長音進行，伴奏織體為簡單的分解和弦式的，低音聲部則采用副部主題的材料，連續的十六分音符的進行延續到116小節，調性也發生了變化，轉為E大調，其實就是等同于a小調屬和弦，這一強烈地指示著即將回到主調a小調，為再現部的出現做一個鋪墊，也起到了承上啟下的作用。

再現部（126-188小節）

再現部大致上與呈示部大致相同，速度回到了原速，調性上回到a小調。和聲仍為簡單的柱式和弦，采用很規整的結構創作手法，嚴謹細膩。只有個別地方的改變：第132小節中提琴改以分解和弦的十六分音符的形式取代了呈示部第17小節的單音。之后又增加了3小節的補充，調性改變，為連接部的出現做了一個鋪墊，也為樂曲的繼續發展進行起了重要的推動作用。

尾聲（188-205小節）

尾聲從188小節開始，主部主題的短暫再現，調性巧妙地回歸到主調性a小調，速度漸慢使樂曲逐漸結束，給人以結束感。最后兩個和弦以強結束，正好與開頭形成對比，一弱一強，增加了樂曲的律動感。

三、在中提琴中的表現方法

演奏一首好的樂曲，需要注意方方面面的細節。中提琴的演奏不同于小提琴，小提琴可以更容易發出聲音，弓子放在琴弦上震動便可輕松發出聲音，聲音柔美嘹亮；同時也不同于大提琴那種低沉渾厚的聲音，它對聲音的把握有其很較高的要求。首先我們要了解旋律的發展走向，把握主音及和聲。左、右手充分放松，弓子沉在琴弦上，讓琴弦充分振動發出飽滿的聲音來表現悠長的旋律，表達整體憂郁感傷的色調。連音線的運用，讓音樂間更加連貫，使音樂融為一個完美的整體。頓弓的運用增強了情感表達，同時也增加了藝術效果和魅力。揉弦與漸強、漸弱的情感表現相結合讓音樂表現更加細膩，情感的抒發更加流暢自如，深刻表現了作者的憂郁與感傷。在演奏中，對于其復雜節奏型、音型的把握上（如連續的十六分音符、大跳音程等），要慢練，仔細把握每一個音準、節奏，換把要快速，使之不留痕跡，達到協調與統一。對樂曲情感的表達上，我們只有深入剖析作曲家的創作背景、創作環境，才能將情感把握得更加恰到好處。音樂中的每一個方面就像是機器的一個零部件，只有把每一個零部件質量做好，再有機地結合起來，才能保證機器的有序進行。

結 語

舒伯特運用豐富的和聲，賦予此作品以深刻的內涵，表現作者內心的情感體驗，散發著高雅的美感。舒伯特用最短小的形式抒發著豐富而深沉的情感體驗，旋律簡單樸素。這首奏鳴曲完全地展現了這樣的風格，有時像老人訴說著內心的往事，低沉溫婉，有時又激情表現情緒的轉變。隨著不協和和弦的和變化音的突然出現，造成音色的細微變化細膩變化，透露出作曲家心中單純、敏感的性質，深刻地呼喚起演奏者聽眾的內心共鳴。3他用音樂繪出了生命經歷，用獨特的藝術個性訴說著自己的故事，為人類留下了豐富的藝術寶藏，成為后來西方音樂中一個取之不盡的偉大源泉。

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（責任編輯：崔曉光）