淺議繼承、發展和創新的關系

李自良

摘 要 我們回顧以往繪畫的歷史，不難發現這樣一個現象：無論是一幅畫、一支歌、一出戲、一部電影或者一個舞蹈，除了使我們得到藝術享受之外，還能使我們體察到某個時代作為藝術發展，表現和推陳出新的演化形式，這一演化過程經過了人類的智慧和才能。本文通過作者在繪畫藝術道路上經歷的過程。簡述一點關于繼承、發展和創新三者之間互為輔助、互為條件的關系。

關鍵詞 繼承 發展 創新

首先，我們時常談的守格它本身就是一種繼承，繼承先人遺留下來的一切優秀的、文明的成果。因為優秀的藝術品常常被譽為生活的鏡子，它能夠真實而深刻地反映社會生活，例如史前及先秦美術、秦漢美術、魏晉南北朝隋唐美術、五代宋元的美術、明清的美術、近代美術等。這些歷朝歷代的美術，幫助人們了解歷史，認識社會生活起著重大的作用。

美術發展為什么會有這種歷史繼承性呢？這是由美術自身的規律所決定的。我們知道，美術是人們對現實世界的一種認識結果，而人們對現實世界的認識是需要不斷積累，不斷深化才能完成的。我國古人的許多神話傳說題材，在后代的文學藝術中更是反復出現。如：嫦娥奔月的故事、大禹治水故事、愚公移山、后羿射日、牛郎織女的故事等。幾乎被各個時代的各個藝術種類都描寫過。這決不是簡單的抄襲，而是藝術上的一種微妙的繼承現象，是由民族的共同生活等復雜的原因造成的。以上只是一些簡單的例子，目的是說明，美術在內容上是有繼承性的。每一時代的藝術遺產，實際上是作為當時藝術家對現實進行審美認識的結果而留給后代，而后代藝術家們則在這一認識結果的基礎上繼續進行深化。

但我覺得改革開放以后，我們對西方的了解遠勝于我們對自己傳統文化的了解，舉例子說，我們很多畫家，特別是畫西畫的，對西方從古典一直到近代的新表現主義的畫家都記得滾瓜爛熟，但對自己歷史上，對唐宋以來的那些畫家則非常陌生，學生在入學考試時，可以輕而易舉地舉出西方從古典到現在的畫家，但要他說出近代的或者當代的三個國畫家竟然回答不出來。可以說每天，每時每刻都會遇到東西方文化融合的問題。要在大潮中跟人家平起平坐，既要吸收人家的東西，又要把自己的東西，繼承和發揚好。傳統的文化十分豐厚，如果把傳統的優秀成果丟了，在發展中我們就會找不到自己，不知所措。把他以世隔離，長大后可想而知，他會變成一個身體健康的白癡。因為他沒有從社會群體中繼承到人類創造的文明。再說我們現在，中小學生或是專業知識的學者所學習的知識。大部分也是先人遺留下來的，只是在原來的基礎上有所突破和發展。

所以，畫畫的過程說到底首先還得有繼承性。繼承歐洲傳統油畫的技巧、思維方式；學習中國傳統繪畫的語言、精髓，取各家之長，來逐步補充、完善自己的繪畫語言。眾多的風格流派，中國傳統繪畫的用墨、用線。中國畫特有的視覺的特征，是目前很多作者感興趣的。取各家之長并不等于拷貝。借鑒、探索的過程有許多難點，每解決一點與繪畫有關的問題也是很大的進步，但勇氣與耐心也是至關重要的。

其次，發展和創新作為在繼承上的一種思維突破形式，有著很重要的作用，如果沒有一種進步的觀念，只停留在一些表面的認識上，是很難深入其繪畫的本質，作者也無所適從，我國的繪畫事業就會得不到很好的發展。

就藝術的發展來說，一旦社會生活發生了變革，反映這個社會生活的藝術就不能不發生相應的變化。舊的藝術作為前一個時代的產物已成為歷史，新的藝術作為前一個時代的發展而產生，因此，就應該在批判地繼承借鑒的基礎上不斷地革新創造；沒有革新創造，就談不到繪畫的發展。所以繼承和借鑒只是手段，而不是目的，其目的是為了藝術發展。創造也只有經過發展這一過程，才能從思想上獲得一種跳躍式的思維方式，掌握一定的繪畫語言進行創作。

那什么是創作呢？就是美術家通過自己的目睹，自己的感受去了解世界，認識世界，再以藝術家的真誠與感動將他對世界的認識以藝術的形式傳達給觀眾。

一切藝術創造活動都以不重復性和不可重復性為前提。任何藝術家在他的創造活動中都會遇到一個難題，就是如何對待傳統模式——前人人經驗和成果，實質上也就是藝術創造的普遍性和特殊性問題。如果完全不顧傳統模式，信手涂鴉，行家馬上會洞悉這種藝術的浮淺把戲，他自己也會陷入一種迷亂無效的隨意性之中。如果過分依賴傳統模式，他就既重復著別人又易于為別人重復，從而被淹沒在普遍性之中。完會失掉特殊性，也就是失掉藝術本身，談不到獨創性。

每一代藝術家都會在自己的作品中賦于新的精神涵義，并使思想更加明晰的東西。挖掘出物我之間那份難舍難分的情感，珍惜對事物最直接的感受。營造一個相對穩定的心態，這是難能可貴的最純粹的創造藝術的前提。

“藝術的創作須要一顆自由的心靈。藝術的本源是創作者對藝術載體的真實須要與真實再現、真實情感。”一個很簡單的例子就是在作畫時畫得輕松點，再隨意點，其實畫的時候一點也不輕松。不過是想試探一下：當畫面出新的契機時，能不能隨畫面創造新的意境？過去畫畫總有一個既定的程式，在構圖中定下來的東西要一直保持到制作完成，這種制作的目的始終是具體和豐富構圖中的意圖。這樣做下來，雖然可以保持原始意圖的實現，但也失去了許多畫面中出現的生動的“意外”。

假如把“制作”視為不斷再創造的過程。就有可能在畫面上把握住這種“意外”，進一步隨畫面發展出一種松動的，可以呼吸的，隨意的效果，這種把握畫面的方法類似水墨畫中畫家在宣紙上與水墨的交流方式——有意向，但又任水墨自由發展，給它伸展的空間，讓它和自己的思想不斷交流，共同創造畫面的新天地。這種已有許多人在油畫中嘗試，但在分寸的把握上各有不同。我想力圖在自己的基點上試一試，自然而然地任其發展。

總之，繪畫的過程，一般都是在吸取前人經驗成果的基礎上，通過自己的心靈去體驗與感愛這個千變成化的世界，用真誠的態度去反映藝術和眼中的“真實”。不斷在發展中創新，又在創新中不斷發展，以求得在繪畫中有一塊新天地。

參考文獻

[1] 高等藝術學校《藝術概念》編著組.藝術概念[M].文化藝術出版社出版， 1984.

[2] 王宏建，袁寶林.美術概論[M].高等教育出版社出版，1998.

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