新媒體藝術在歐美的挑戰與轉變

余穎

作為新媒體藝術，它的開始和發展不是硅谷活著和硅谷同步，藝術需要做到的是在大眾都廣泛使用科技用品時，用科技這種大家都可以讀懂的語言來闡述現今社會問題，包括科技帶來的問題。

對傳統藝術發起挑戰

當我們欣賞一幅油畫作品，比如薩爾瓦多達利的“永恒的記憶”，我們的體驗多過于僅僅看一些彩色油畫顏料，觀賞的體驗立刻進入了意向中。如果有人問“你在看什么”，我們知道對方不是在問我們在看什么顏色，而是我們在這幅作品里找到了（或者看到了）什么意義。藝術的最基本作用，是傳遞一個想法、一個信息或者信條。

新媒體藝術經常被批評沒有堅實的理論基礎，部分是因為太多被定義為“新媒體”的科技打破了傳統的藝術分類。比如，游戲設計是一種藝術嗎，還是電腦技術中的一種？近期很多關于電腦游戲是否為藝術的論題中都把游戲內容作為最主要的區別點。在學術界，油畫曾經也經歷過一樣質疑，中心也是在內容上，現在看來，電腦游戲還無法在學術界樹立一定的地位。

除了游戲外，還有不計其數的新媒體藝術無法在學術和專業人士眼中被視為正統藝術，把這些對于新媒體藝術的反對聲綜合在一起我們就會發現，在意義的這個層次上，所有藝術作品都可以被評論和批評，都是“一千個人眼中有一千個哈姆雷特”。對于“意義”的疑問和轉變始終是藝術最核心的問題。藝術家的職責并不是追隨世界的自然科學，而是帶給我們驚喜，激發我們的靈感，引領我們的思想。由此看來，藝術的想法并沒有任何的界限，但是藝術作品的形式和技巧卻被嚴謹地劃分著。

全方位發展

隨著我們生活中“屏幕”的不斷增加，科技和網絡已經變成了人類身體中的一部分，記步器，智能手表，谷歌眼鏡，還有最近火爆的虛擬影像等，毋庸置疑，藝術的表現方式也在往這個方面慢慢貼近。博物館和非盈利機構是第一波對此作出正式學術反映的。

在美國，美術館對于新媒體藝術從僅僅展示到運用都已經在近十年里發展得非常廣泛和成熟。展覽的目的是讓大眾知道和接受這種新興藝術模式，運用則是利用其本身的社交性來幫助其自身的市場性，比如大都會美術館在其社交媒體上宣傳館內的影像藝術作品。

去年10月，辛辛那提舉辦了第一屆Bink節，20多條街的建筑都被大型互動性燈光藝術所照亮。Broveberlin是當地一家設計師事務所，負責此次活動，他們還會繼續為國家地下鐵路自由中心和當代藝術中心做類似展覽。當代藝術中心的負責人說，希望借大型裝置藝術來讓觀賞者第一次把重心放在扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）設計的美術館大樓上，“一個藝術機構需要敞開自己的大門，越大越好，讓參觀者們被藝術挑戰、延伸和轉變”。

紐約古根漢姆美術館一直走在世界當代藝術的最前沿。最近正在展出的亞洲藝術大展中，就有將近三分之一的作品是新媒體藝術，包括影視和錄像。這些作品不光有著紀實性，描述中國發展的四十年，還更多地通過展覽不為人知的一面而體現中國的政治改革以及弱勢群體生活。

實際上，紐約古根漢姆美術館本身從2008年起已經展出過多次大型燈光藝術，和當代藝術中心相似，古根漢姆美術館大樓也是由一位世界級著名建筑師設計——弗蘭克·勞埃德·賴特（Frank Lloyd Wright），最著名的一次要屬在大樓正面用新媒體藝術投射出“超級奢侈的藝術，超級低的工資”用以反映當今藝術市場現狀。

藝術市場，包括藏家、畫廊、拍賣行和藝博會，發展的速度向來要比博物館緩慢一點，商業市場是被教育機構帶動，發展的最后一步才是藏家。但是，由于社交媒體和數字宣傳力量的強大和普及，一部分新媒體藝術家通過這種“非常規”渠道得到知名度。批先鋒的策展人、畫廊和藏家也敏銳地觀察到了這個動向。

拍賣行向來是以拍賣古董和藝術品為名，蘇富比和佳士得紐約的當代藝術部門近幾年都有嘗試發展年輕藝術家的拍賣項目，但也都僅限傳統藝術媒介，比如油畫、雕塑等。令人出乎意料的，蘇富比紐約的S2畫廊在2017年夏天展出了年輕藝術家的數字藝術，與以往白墻式的展示不同，藝術家用電腦科技轉變的這個空間，而此次展覽的主題，也恰恰是討論科技的未來以及人類在其中扮演的角色。

與此同時，佳土得紐約也展出了年輕藝術家格雷戈里蒙卡達（Gregory Moncada）的投影作品，用燈光特效給觀看者們互動性體驗。藝術家強調，不希望讓自己的作品和觀眾產生任何距離感，而是要合二為一，讓觀眾變成自己作品中的一部分。雖然投影作品走在新媒體藝術的前沿，利用電腦、燈光以及特定軟件生成，格雷戈里作品的含義卻是用圖像來追溯歷史。繼佳土得展覽后，格雷戈里又在紐約新興畫廊BIGGERCODE展出相同空間互動性藝術。而這兩次展覽的催化劑則是美國洛杉磯美術館的藝術+科技實驗室（Arf+Technolooy Lab）之前展出的“雕塑”。

蘇富比紐約的市場和電子營銷部經理大衛·古德曼是這次展覽的發起人，他說自己被深深地打動了：“這就是社會現狀，科技轉變了我們，有時是件好事，有時是件壞事，當我看到這幅作品時，我想一定要用科技來告訴大家這個道理。”展出的作品是一個簡單的循環播放錄像，內容是一個邁阿密的年輕人在街上騎自行車時被撞死亡，肇事者并未下車而是直接開車逃離。大衛說，“看到這幅作品，就像是在看鏡子，看人類變成了什么樣子”。

2003年成立的巴塞羅那Loop藝博會是一群先鋒小型藝博會中非常具有代表性的一個，藝博會專注于探索影視和時代最前沿藝術作品。包括紐約、倫敦和伊斯坦布爾的Moving lmoge藝博會，這一群體推動了數字藝術的發展，估算自成立以來使新媒體藝術市場翻了一倍。

在新媒體發展迅速的同時，科技產品也看到廣大的市場和未來的前景。在藝術家運用日常科技的同時，專門針對于藝術行業的科技產品也浮出了水面。2017年，三星和蘇富比合作一起發布了三星“畫框電視”，在這個看似當代畫框的長方形內，不是一成不變的藝術品，而是高清屏幕。用戶可以用它展示藝術作品，并且經常更換，也可以展示錄像作品。和蘇富比等藝術機構合作在于得到藝術作品的播放版權，這樣，就算你并沒有買到一幅天價作品，也可以同樣享受展示在家的滋味。

在新媒體藝術繼續發展的同時，藝術傳統的敘事性、紀實性和試驗性還是有著相當重要的地位。藝術家對于這三個特征的表達方式可以作出改變，但是初衷還是保持一致。裝置性藝術現如今被普遍接受，藝術的試驗性和概念性也被廣為流傳。

相反，在藝術的特性保持不變的基礎上，藝術媒介間的距離正在慢慢被縮小甚至模糊。由于科技的發展以及對于多媒體的包容度，電影、錄像、聲音、文字和設計正在被慢慢融合。

無法預料的“黑科技”

新媒體藝術還是需要進一步地在理論和概念上繼續被完善。從現情況來看，藝術家在新媒體藝術上的表達和運用要遠比學者和專家的分析要超前，但這并不代表學術機構對新媒體藝術的否定，一批藝評家和教授們已經發表一系列研究，但是任何一種學術課題的研究都是需要時間的積淀、觀察以及不同論點間的爭辯。

感謝這些超前的學術研究者，我們現在起碼對于新媒體、新媒體藝術和數字藝術有了一定的了解，從他們的研究中也可以看到新媒體藝術大好的前景。雖然我們無法預料科技的發展，繼而無法預料新媒體藝術到底會變成什么樣，但是我們知道年輕的藝術家一定會運用和升華世界的最新發展。

另外一點我們可以預知的是，新媒體藝術一定會在未來這些年越來越流行，一些傳統媒介藝術家也一定會開始運用新媒體在自己作品中。大都會美術館現在正在展覽的大衛·霍克尼（Dovid Hockney）一生回顧展，就可以看到這位八十歲的藝術家在近些年開始融入lpad在自己的作品中，用繪圖APP創作傳統油畫景象，并制作成動圖，這雖然不能給他貼上“新媒體藝術家”的標簽，但是我們確實可以從這位世界級藝術家身上看到藝術的趨勢。

對于藏家來說，收藏新媒體藝術已經并不是件非常趕超時代的事情，而是需要知識和前瞻性的穩妥之舉。因為這種藝術形式進入市場時間還算非常短暫，藝術家大多數還都是年輕一代，藏家既可以通過收藏來和藝術家結交，更加深入了解作品本身內容，更可以通過收藏來扶持藝術家的發展，變成這種新藝術形式的供養者和趨勢引領者。