到底該如何定義“網紅展”？

黑麥

從去年開始，有一種“藝術”展覽開始在多個城市登陸，展覽中并沒有“令人仰慕的高貴傳統藝術”，也沒有“令人匪夷所思的當代藝術作品”，它的呈現，更像是一種超現實的場景羅列，有人把它稱作“造夢場”，有人覺得那不過是“另一種影樓照”，更有人認為那是一種對于傳統藝術展的挑釁。

去年夏天，日本多媒體藝術團體TeamLab的首個展覽“花舞森林”落戶于佩斯北京畫廊。這個創立于2001年的團體囊括了藝術家、計算機工程師、建筑師、CG動畫師、應用設計師甚至數學家等，很長一段時間他們都是以多媒體機構的身份亮相于藝術現場的。然而這一身份也在發生變化，從藝術家到多媒體、設計師，人們對于互動裝置的訴求與關系似乎也一直發生著變化——“由遠至近”。直到不久前“網紅展”這一概念突然出現，讓TeamLab的作品似乎也得到了一次“重生”的機會。

《花舞森林迷失、沉浸與重生》實則是一個全包裹式的投影體驗，360度的光影覆蓋造成了它的沉浸式體驗。展出的內容實則是15個“視頻”，是電腦程序打造出的夢幻虛擬花海，觀眾的一舉一動——無論是近距離的凝視、伸手觸摸還是踩踏花朵——都會影響花的誕生、綻放乃至凋謝枯萎。

TeamLab Kids主席松本明耐先生說，自己的孩子雖然很小，卻對手機屏幕產生了極大的興趣，他覺得年輕一代對于視頻和影像有著天生的敏感。他認為TeamLab本身沒有過于高超的科技含量，只是把一個夢幻的主題搬到了現實。

凱思·馬格魯德為冰淇淋博物館設計的巨型棒冰雕塑

這一自然的主題，很容易讓人聯想起多年前法國樂隊Mickey 3D的作品《呼吸》（Respire），音樂錄音由法國工作室Amazing Digital Studio制作，影片講述的是未來世界自然植物漸漸消失，兒童只能在模擬的游樂園中體驗偽造的森林場景。松本明耐說：“展覽中的花瓣會消散，它象征著人類介入自然生態導致動物滅絕。然而在這個大型的自拍現場，多數人只顧著驚嘆它的美，卻完全感受不到這層含義。”

從去年5月末開始，關于TeamLab展的自拍及視屏便出現在了很多人的朋友圈和微博中，一年后，團隊旗下的TeamLab Kids、《彩繪城鎮》等作品也開始陸續出現在其他城市。一時間，這個展覽竟成為中國商業地產最為青睞的產品，除了能提供視覺體驗，為商業區吸引人流似乎已成為它在中國的最大功能。

松本明耐強調它的體驗性，在他看來，虛擬現實早已成為一種實現與未來科技達成聯系的手段，而“拍照好看”從來都不是TeamLab的目的。

沉浸式（Immersive）并非一個新流行的概念，在過去的藝術性展覽中，臨場感和互動性有著更廣泛的含義。然而，這一概念也在被“偷換概念”，從某種角度講，沉浸越來越輕淡，當然，隨著信息的快速發展，原本的那些感官刺激，也在眾多的形態復制中變得平淡無奇。

第一波“網紅展”誕生于美國，它的背景來源于年輕人開始為自己的文化觀念及時記錄。在這一批展覽中，冰淇淋博物館（Museum of Ice Cream）被認為是這一理念最初的實踐者，在這個展覽內，沒有任何歷史和產品的介紹，只有大量可供自拍的大型甜品裝置，如彩虹糖泳池、巨型棒冰等，至今50萬人次的門票銷量，讓很多人開始意識到這種形態展覽的異軍突起。它的創作者馬耶利斯·邦恩（Maryellis Bunn）曾在Facebook、Instagram以及時代集團效力，今年只有26歲的她坦言，自己也愛自拍，而冰淇淋只是一個隨便的想法，她所創造的是很多人夢境中可能出現的東西，那些被放大的甜品，沒準能讓很多人回想起第一次去逛超市買甜品吃時的興奮（應該是上世紀的事了）。

冰淇淋博物館始于紐約曼哈頓，2016年初展時并沒有想象中火爆，次年當展覽巡游到洛杉磯時，這些奇異的糖果馬上和千禧年觀眾達成一種默契，加州的年輕人似乎賦予了這個展覽更多的年輕含義。于是，一大批明星也成為展覽的賓客，格溫妮絲·帕特洛（Gwyneth Paltrow）、JayZ、水果姐（Katy Perry）、金·卡戴珊都曾攜家帶友來此參觀。

參觀“網紅展”的觀眾不需做任何功課，這種輕松感或許讓人感受到《娛樂至死》中“赫胥黎式”的文化滑稽戲，從另一方面講，這種易于復制的展覽套路已經逐漸脫離了邦恩的最初想法，那些巨大的裝置、反復使用的霓虹燈、鏡面，甚至投影、VR，似乎也在固化著年輕人的“套路式思維”，使這種剛剛興起的亞文展化墜入到一種“奧威爾式”的體驗里。這類適合拍照的“網紅展”與所謂的“沉浸式”藝術展覽有著本質的區別，雖然它的內容也是以雕塑和互動裝置為主，卻并非展覽的主體，或者說，缺乏支撐內容的藝術概念。

不過，那些手機鏡頭似乎并不在乎這些。隨后，蛋屋（the Egg House）、無窮鏡室（Infinity Mirror Room）、茶坊（Room for Tea）等一系列展覽如雨后春筍一般冒出，例如“蛋屋”將城市居民比喻成雞蛋，用戲謔的手法描述城中“蛋民”的生活經歷;“茶坊”則將是亞洲茶文化用一種年輕且淺顯的視覺符號呈現。

當然也有人不屑于和網紅展混為一談，英國前衛藝術家大衛·史瑞格（David Shrigley）便是其中一人，這位常以極具諷刺幽默感的線條畫著稱的藝術家正在以“亂了亂了”（Lose Your Mind）為題開啟他的巡回展覽，在他看來，那400幅《無題畫作》和充氣裝置《真贊》作品只是用來看清世界的藝術擺件，然而這位藝術家也像大多數網紅展策展人一樣偏愛粉色，2014年，他的餐廳速寫（Sketch）被裝修成粉色，而其余的空間也因其造型獨特而成為英國時髦青年必去的打卡餐廳。毫無疑問的是，無論是否在極力避免，一些吸引眼球的場所和裝置都會被卷入“網紅”的大潮中，畢竟給出網紅定義的是手握自拍桿的“ins”或微信用戶。

不久前在北京落地的“棉花糖與白日夢”已經成功地復制到了上海。李夢雨是展覽的創始人之一，她曾經在紐約參與過類似的項目，2017年，她在上博物館研究課時突然聽到主講老師說道：傳統的藝術館正在流失人群，有些年輕人正在開始在一種“快閃”的展覽上找到自己的文化根基。讀藝術教育的她很快便開始了新的構想——做一場“快閃”展覽，于是她找到了哥大和紐約視覺藝術大學的謝夢和白雅馨策劃起這場與“年輕人的夢境和精神庇護所”有關的展覽。

在“棉”的空間里，20歲到30歲的參觀者是主導人群，他們大多穿著入流的服裝，舉著自拍桿或是帶著攝影師有備而來。在這里，每個人都似乎可以享受到如同“時尚雜志拍攝明星”一樣的場景，在這里，他們可以擺出各式的姿勢來彰顯自己的個性。如同“ins”用戶給出的評價如出一轍——“平民化”“公共藝術”，那些曾被一些特定人群專屬的拍攝環境，如今已經成為一種大眾娛樂的方式，似乎每個人都能上傳一張與名人無異的相片了。

網紅展涌現出的大量的照片出現在社交網絡上，構成了一種對于“當下”主題的追逐與默許。從社交媒體上看，年輕文化、流行文化、亞文化或許等不到它被沉淀成傳統藝術（Fine Art）的那一天，或許那些文化也不會被完整地輸出，于是年輕人索性打破常規，將這種跨國家、種族的體驗、生活符號、文化標簽，演變成一場供人娛樂的“快藝術”。

一些“正經”的展覽似乎也在以這種方式吸納觀眾，不久前在北京落地的保羅史密斯（Paul Smith）展覽也被到場的觀眾稱為“網紅展”，芝加哥美術館（The Art Institute of Chicago）正在公映的“Hairy Who”便以這種姿態云集了林恩（Cheryl Lynn）、紐特（Jim Nutt）等現代藝術，在上世紀60年代中期，芝加哥曾被譽為“顛覆傳統的年輕藝術家群體的孵化器”，這些藝術家被統稱為意象主義者，而“Hairy Who”這一主題讓人清晰地觸碰到那些虛假的臆像。

兩屆NBA全明星球員、兩屆NBA籃板王“莊神”德拉蒙德在上海“NBA冠軍主題展”現場

另一個搭上“網紅元素”的例子則是NBA的官方展覽，這一展覽目前也剛剛登陸上海，它呈現了這一運動的歷屆冠軍王朝和令球迷們難以忘懷的歷史畫面和永恒瞬間。展廳里除了360度可變速觀賽體驗的AR戰術板;親臨NBA現場的VR觀影廳外，頻繁出現在現場的蹤跡捕捉與AI智能分析，更為現場球迷賦予動畫特效，并且生成個人獨有的短視頻。

兩屆NBA全明星球員、兩屆NBA籃板王“莊神”德拉蒙德也曾經抵達現場，他曾站在一個可供游覽者自拍的霓虹燈鏡面房間中運球，不時透過鏡子來觀察著自己的動作和表情。在他看來，這些前所未見的動態效果確實給籃球賽事帶來了一種豐富的感受。籃球運動員孫悅也曾經光臨現場，當他走過飛人喬丹1比1的雕塑時，也會自然地掏出手機自拍。或許，“同框”已經成為當下年輕人觀看展覽的最大動力。

當然，在世界各地接連上演的各類“網紅展”中，主題與內容也參差不齊，有人抱怨自拍，也有人會抱怨內容的缺失。的確，無論在加州或是北京、巴黎或是東京，隨著屏幕長大的一代，似乎有著更多的共鳴，那些沉重的文化讓他們無法消化更多，在碎片和影像的時代，這種新的閱讀展覽或許在成為一種模式，雖然不少“網紅展”的策展人都認為這一形式或許只會流行幾年，然而它所帶來的展覽閱讀語言，或許提供了一個“社交媒體籠罩下的社會樣本”。