音樂劇演員的舞臺語言訓練

□海燕

音樂劇表演中的臺詞包括唱詞，必須在對劇本的理解上，完成吐字歸音、語氣語調音質音色、表情達意的同時與音樂、節奏進行合作，完成音樂中的說話、帶有行動的演唱。

戲劇表演和音樂劇表演在語言表達上的不同在于：話劇表演中人物的獨白通常是人物的內心情感到達一定高度時，角色內心的外化，這些都是“說”出來的，而在音樂劇中有時候不像戲劇表演一樣說出來，而是唱出來甚至是舞出來，這就是音樂劇的特別之處，當人物的感情到達一定的高度時，就不再說，而是唱出來。在戲劇表演中經常要去分析人物行動，挖掘潛臺詞，在音樂劇中這一部分的工作同樣重要，由于音樂劇表演中臺詞比較精簡、更加精確，所以在分析人物行動及潛臺詞時要更加準確。在戲劇表演中，演員可以根據自己的心理節奏來調整演出節奏，而在音樂劇中，音樂的節奏是基準，所有的語言都必須嚴格按照排練好的節奏來完成。但是，無論是戲劇臺詞還是音樂劇中的臺詞都要具備以下幾個特點：行動性、性格化、感情充沛、生活凝練。

話劇演員以及音樂劇演員在舞臺上經常會出現咬字不清、音包字、氣息不夠用、聲音不干凈等現象，這些都是舞臺語言基本功中訓練的重要方面，但是僅僅是訓練還不夠，演員還要從理論上明白造成這些現象的原因是什么，從而能從根本上杜絕這樣的現象發生，因此學習發聲的原理是非常必要的。

由于音樂劇表演的獨特性，演員對臺詞的要求更高，音樂劇演員的臺詞訓練不能僅僅按照傳統話劇演員的臺詞訓練那樣來進行，還必須依照音樂劇表演的特性加入針對性的訓練。

一、節奏的訓練

音樂劇的表演是受到音樂和節奏的限制的，但音樂又不是一直存在的，它會在需要的時候出現、適當的時間消失，而這個過程中就會出現演員的表演需要從說轉到唱或者從唱轉到說。那么如何能夠從說到唱，是演員在創作中需要著重關注的。首先演員要做到心理節奏和音樂節奏的統一，即不能僅僅單獨按照心理節奏，也不能僅僅按照音樂節奏，必須將兩者很好地統一起來。

首先在基礎訓練中，在氣聲字訓練的基礎上，在繞口令的訓練中，加入不同的節奏或者加入不同類型的音樂來改變、制約臺詞的節奏，產生新的斷句以及換氣口。

（一）節奏變化練習

這個練習是指學生根據自己的理解，在繞口令中加入音樂和舞蹈的元素，可以是將幾個不同的繞口令合并在一起，可以對繞口令進行某種程度的刪減。這個過程中不能因為有了音樂、舞蹈等新的元素就忘記了臺詞訓練的基本要求，但也不能只想著完成氣、聲、字而忽略了節奏的限制。有些同學在做練習時，繞口令和音樂的節奏并不是嚴絲合縫配合好的，而是每一次都即興發揮，有時音樂結束了表演臺詞還沒有結束，有時臺詞結束了音樂還沒有完，這都是不可取的。在學生后續的排練中不僅要找到節奏、音樂與當前臺詞配合的有機性，還要通過反復練習，實現從一個機械的卡節奏的狀態到完美的與節奏相融合的轉改。節奏變化練習就是訓練音樂劇演員如何將臺詞與音樂的節奏配合得完美。

（二）不同舞蹈類型中的節奏練習

在節奏變化的練習中會穿插舞蹈，而現在學生使用的舞蹈類型太過單一，基本都是用爵士來完成，因為爵士本身就屬于節奏比較強的舞蹈類型。可以嘗試用其他舞蹈類型來替代爵士，比如現代舞、芭蕾舞、古典舞、宮廷舞等。因為本身音樂劇的表演中就不是以一個固定的舞種為舞蹈基礎，不同的舞蹈類別所帶來的節奏感覺是不相同的，芭蕾舞相對柔美一些，現代舞更隨性一些，宮廷舞約束性更強一些。舞蹈也是需要用呼吸的，不同的舞種所用的氣息、呼吸的方式都不同，有的會限制我們舞臺語言的完成，有的會幫助我們舞臺語言的完成，而這就需要讓學生在練習中多去嘗試與不同類型的舞蹈相配合，找到不同的舞種可能產生的不同的節奏感、不同的氣息方式，可以用繞口令，可以嘗試用快口，將語言與舞蹈配合起來。

（三）不同音樂類型的節奏練習

音樂類型的不同決定著音樂節奏型的不同，不同的節奏型又決定著臺詞在與音樂配合時會產生不同的節奏。在練習中，應該多去嘗試各種不同類型的音樂，不同拍子的音樂，比如3/4、6/8、2/4等不同的節奏型，甚至是切分節奏。在與不同的音樂相配合時，還要感受音樂的內容，不能只是簡單的“配樂詩朗誦”之類的練習，要將臺詞與音樂融為一體。音樂與臺詞的配合在以往的臺詞創作中也都出現過，但很多時候只是輔助性的出現，比如在人物獨白中加入音樂來幫助演員感受人物，或者在詩歌散文中加入音樂來營造氛圍。這個練習中的音樂不能只是輔助，而是要與臺詞有著密切聯系的，所以在音樂上的選擇也是非常重要的。要讓音樂成為語言的一部分，它不是輔助，而是音樂語言1+1＞2。

二、氣息的訓練

由于音樂劇中經常有極大的運動量，因此大運動量下呼吸與發聲也是音樂劇演員應該訓練的。

（一）體能訓練

由于音樂劇演員在舞臺上需要極大的運動量，因此體能訓練是必須的，只有將體能練起來才能保證我們在舞臺上有足夠的體力來完成表演。加大對演員腰腹肌肉的訓練，從而加強演員腰腹的控制力。

1.仰臥起坐。仰臥起坐的訓練是極為必要的，這是最直接訓練腰腹力量的運動。在仰臥起坐的過程中，要控制節奏，不能極快起落，要盡量控制起落的時間，并在這個過程中學會調整自己的呼吸，不要憋氣，要緩慢地吸氣吐氣。在慢起的過程中，腰腹肌肉始終是在運動中，這樣對肌肉的訓練力度會更加大，在慢起的過程中慢慢地吐氣，不要把氣憋在胸腔。

2.平躺雙腿交叉練習。仰臥于地面，雙腿抬起離地45度，雙腿伸直，迅速橫向交叉。訓練時每20次到30次為1組。雙腿不能著地，盡量控制自己的氣息，平穩換氣，訓練自己的氣息，控制自己的氣息。

3.扎馬步進行臺詞訓練，以增加學生腰腹的力量。

4.平板支撐。平板支撐是非常好的訓練中段核心力量的練習，在平板支撐的前提上加入氣息、基本功字音的訓練，對演員在氣息量以及腰腹力量的訓練有很大的幫助。

這些增加肌肉的練習不能每次都花費時間在課上訓練，這樣臺詞課就變成了體能課，學生要自覺地在課下每天積極鍛煉自己的肌肉。

（二）氣息的訓練

“歌唱時的氣息和跳舞時的氣息運用是有區別的。歌唱時的氣息是要求演員將氣息保持在丹田之處，氣息的本源要集中在那里，唱高音時可以要求相對提升歌唱態勢，但氣息下部的支點和上下縱深的拉力是要保持住的。”

學過舞蹈的學生可能在臺詞的訓練中能夠清楚地感受到表演與舞蹈對氣息的要求差別很大，而不同的舞種對氣息的要求也不盡相同。比如芭蕾舞，基本上要求的氣息都是提起來的，這樣才能身輕如燕，完成腳尖上的動作，并且顯得非常輕盈，但是古典舞和現代舞氣息要配合著動作的節奏，有時候有的動作是氣息帶動的，還有爵士舞，氣息都是配合著動作的節奏，但是相對氣息的位置比較靠下，那么使舞蹈與臺詞氣息同一，就是音樂劇演員訓練中需要解決的問題。

邊唱邊跳是音樂劇表演中非常常見的，使舞蹈節奏與臺詞節奏相統一，使氣息相統一是最重要的。由于舞蹈中需要的氣息量非常大，所以快吸慢呼是一個非常好的方法，演員不僅要在臺詞中尋找氣口，還要學會在舞蹈動作中尋找氣口，并有意識地設計，使臺詞與舞蹈的氣息相統一。由于音樂劇表演中經常會有在大運動后來說臺詞，而這時的臺詞體現要求演員能夠很好地控制自己的氣息。在教學過程中可以加入在運動中發聲、大運動中驟停然后控制呼吸等訓練。

1.運動中的呼吸發聲，在高抬腿的運動中完成短繞口令。要求在高抬腿的過程中將氣息控制在丹田部位不能因為動作的上下起伏而使氣息上下亂竄。在高抬腿中進行繞口令訓練，腰腹肌肉要收緊，控制自己的氣息和聲音，不要受到運動的影響，要使聲音和氣息平穩地流出。

2.高強度運動停止后的發聲練習。快速的跑動或者舞蹈后突然停止，這時候正常的生理需要大口換氣，吐出剛才運動中沒有換干凈的氣。這個練習要求演員在快速跑動或者舞蹈中就要開始有意識地換氣，在動作停止后，去掉多余的調整時間，直接進入臺詞狀態（繞口令或快口練習）中。

3.形體動作中的發聲練習。舞蹈動作會有高低的起伏，身體也會出現不同的姿態，在不同的姿態中我們的聲音也會有所不同。在形體的高低起伏變化中進行臺詞訓練，為的是讓演員找到不同體態下個人統一的聲音。例如，將形體與臺詞結合起來，在一段固定的舞蹈動作中進行臺詞訓練，要求固定下來某一個動作說某一句話，不能每一次都隨意地安排動作與臺詞配合的時間，找到動作中可以調整呼吸的地方，并且在動作中找到說臺詞時最好的氣息位置。不同的舞蹈類別在動作起來時氣息的位置也不盡相同，而在音樂劇中往往不會只出現一種舞蹈類型，這就要求演員在訓練時還要根據不同的舞蹈類別做出氣息的調整，比如芭蕾舞就要求演員的氣息相對靠上，而現代舞則是需要用氣息來帶動舞蹈動作，爵士舞很多時候氣息需要往下走……這樣就決定了演員必須在訓練時能夠將不同的舞蹈類型與臺詞很好地配合起來。

三、唱詞的行動性

音樂劇中的唱詞同音樂中所有的臺詞一樣，都具有行動性，這是區別于一般的演唱而與戲劇表演相通的地方。音樂劇劇本中還包含大量歌曲和舞蹈片段，如果在音樂劇劇本的分析過程中一律采用純戲劇性表演的方式來進行，將所有唱詞先用臺詞方式朗讀，這種表演和排練模式在現階段的教學中之所以非常必要，是因為這個過程有利于加強演員對音樂劇表演的戲劇性的認識，避免演員不明就里地泛歌舞主義表演。如果認為音樂劇中的舞蹈和演唱是與戲劇表演脫節的，那么演員就需要對歌詞、臺詞仔細地進行分析，分析人物、分析語言、分析行動、組織行動，并體驗人物此時此刻心靈深處的思想感情。

戲劇與音樂是一對親密的姐妹，聲樂與臺詞是異曲同工的好伙伴。學聲樂的人，尤其是音樂劇演員，要了解戲劇，分析臺詞，掌握戲劇能力；學表演的學生、演員，要了解舞臺演唱的發聲原理，就必須懂得什么是歌唱。現在表演藝術院校都開設了聲樂課，聲樂教師主要從如何發聲如何歌唱的角度充實了專業臺詞教學的技術含量，讓學習表演的同學對聲樂這門藝術有一定的了解，并且從發聲上區別臺詞和歌唱。這是一門集教學、研究、實踐為一體的專業基礎學科。

在音樂劇創作中，要加強音樂劇演員的戲劇表現功力，應該像話劇表演排練一樣，先坐下來分析臺詞和唱詞。把唱詞當作臺詞一樣來進行分析理解，找到唱詞中的行動性，分析唱詞的潛臺詞，組織唱詞中的行動。之后在排練過程中找一個階段把唱段中的音樂拿掉，按照說臺詞的方式來排練，在這個過程中重點放在行動的執行是否有效、行動是否準確、行動的組織是否有機、人物關系是否明確、潛臺詞是否清晰、內心獨白是否鮮活上。當這些工作都完成了，再重新將唱段的音樂加上，在與音樂的配合中再一次檢驗行動的執行是否有效、行動是否準確、人物關系是否明確、潛臺詞是否清晰、內心獨白是否準確。這樣做的目的是避免在演出中出現演唱會式的表演以及唱與說脫節的表演。要明確音樂劇依然是隸屬于戲劇范疇的表演藝術。

要將音樂劇中的唱詞當作戲劇表演中的臺詞一樣來進行分析創作，尤其是宣敘調的唱詞，要像說話一樣將行動放入唱詞和音樂中去，不要只是刻意地去找聲音的音色和位置，某些時候要先將音樂拋開，用說的方式完成唱詞中的行動，然后再逐步與音樂融合，不然很容易在宣敘調的處理時出現流行歌曲式的演唱，讓觀眾欣賞演唱會式的表演。音樂劇中演唱的詠嘆調相當于是話劇表演中人物的獨白，同樣先放下音樂，放下對音色及聲音的處理，純粹從戲劇表演角度出發，從規定情境出發，找到人物獨白中的行動性，進行人物獨白的創作。在與音樂配合時，還要感受作曲家賦予音樂的行動性，不能只是單純地合音樂、合節奏，那樣出來的效果就會成為配樂詩朗誦。所以音樂劇中唱詞的創作過程既要進行戲劇表演的臺詞分析，也要兼顧音樂劇的語言，將它們很好地配合到一起，融為一體，是音樂劇演員創作中必須做到的。

四、結語

音樂劇表演是一門綜合性的表演，是一種有機融合了歌唱、舞蹈和戲劇表演的性表演。“顧名思義，音樂劇表演應該具有的特征是戲劇性、整合性、風格化、差異化和三項全能特征。”①

音樂劇的本質依然是戲劇，音樂劇表演的基礎是戲劇表演，而在這當中歌曲和舞蹈只是戲劇呈現的不同手段，并不能作為單獨的藝術片段而存在。

真正重要的音樂劇歌舞表演，都必須建立在戲劇表演的需求上，標準的、完美的音樂劇歌曲格式通常如美國音樂劇人反復強調的：臺詞無法表達情感的時候，演員才開始唱歌，當歌唱也無法表達情感之后，演員開始跳舞。于是我們會看到典型的，戲劇性臺詞過渡到歌曲，再融入舞蹈，最后在載歌載舞中隆重收場的音樂劇表演形式②。

音樂劇表演要比戲劇表演在演員的技術上對創作者提出更多的要求，但是在實際呈現過程中，創作者往往會忽略戲劇表演在音樂劇表演中的重要位置。除了歌唱和舞蹈，音樂劇演員同樣需要著重注意臺詞、語言的訓練，只有將歌、舞、表演完美地融合在一起才能在音樂劇舞臺上創造出鮮明的音樂劇舞臺人物形象。

音樂劇表演的這些特性決定了音樂劇演員的訓練要比戲劇表演演員的訓練更加多樣化、特殊化，只有真正認識到戲劇表演與音樂劇表演中相同的地方與不同的地方，將音樂劇表演放在戲劇表演的范疇內，找到共性與個性，并有的放矢地進行針對性的訓練，在創作中找到特殊性、看到共性，最終培養出全面的音樂劇創作人才。

注釋：

①文碩,楊佳,彭媛娣.音樂劇表演概論（上）[M].北京：中國戲劇出版社,2010：24.

②文碩,楊佳,彭媛娣.音樂劇表演概論（上）[M].北京：中國戲劇出版社,2010：59.