從動蕩和挫折中走出來的不朽作曲家

□ 邱璨琳

拉赫馬尼諾夫（1873-1943年），是二十世紀世界著名的古典音樂作曲家、鋼琴家和指揮家，他的每一個身份都光彩奪目。他創作的音樂作品中有著早期浪漫主義音樂的痕跡，被認為是“最后一個俄羅斯后浪漫主義的杰出代表”，又有接近二十世紀作曲家的許多現代元素。他從14歲開始直至66歲創作完最后一部作品，在五十二年的音樂創作歷程中有許多經典的作品，包括鋼琴獨奏、鋼琴協奏曲、交響曲、聲樂和合唱作品，如第二、三鋼琴協奏曲、帕格尼尼主題狂想曲、二十四首前奏曲、音畫練習曲，歌劇《阿萊科》 《利米尼的法蘭契斯卡》和第二交響曲、管弦樂“死島”、鐘等，其中d小調第三鋼琴協奏曲以其艱深的難度，成為鋼琴演奏曲目中的“最難”。

拉赫馬尼諾夫一生坎坷。他出生在俄羅斯一個有聲望的音樂家庭，他的曾祖父是杰出的小提琴家，祖父曾師從有名的鋼琴家約翰·菲爾德，母親畢業于圣彼得堡音樂學院。他4歲時，在母親的啟蒙下開始學習鋼琴，9歲便進入彼得堡音樂學院學習，12歲又進入莫斯科音樂學院學習，先后從師于西洛蒂（鋼琴）、塔涅耶夫（復調）和阿連斯基（作曲），并結識了柴科夫斯基。畢業后，17歲便開始獨立音樂家的生涯。他的家庭后來由于父親的肆意揮霍而敗落，妹妹病故，41歲時因為俄羅斯爆發戰爭迫使他離開，45歲時輾轉到了美國,期間生活拮據。58歲時他創作的作品在蘇聯遭到長達兩年的禁演，61歲時他創作了著名的鋼琴協奏曲《帕格尼尼主題狂想曲》，雖然身體每況日下，但為了生計還得到處巡演，直至他因癌癥去世前一個月還在巡演。

他創作的音樂作品有自己獨特的風格，深受柴科夫斯基的影響，有深厚的民族音樂基礎，旋律豐富，擅長史詩式壯闊的音樂風格。筆者將從下面三點對他中青年時期創作的兩部有代表性的鋼琴音樂作品進行分析。

一、悲劇音樂色彩

拉赫馬尼諾夫是“憂郁”的代名詞，人人常常從他的音樂中聽見悲痛與沉重的旋律。對他造成最深刻影響的悲劇事件之一，是他24歲時所創作的d小調交響曲在俄羅斯的首演。評論家和觀眾對這次首演的反饋都很消極甚至是殘酷。如俄羅斯作曲家、音樂評論家居伊評論說“這首曲子破碎的節奏，不分明、模糊的曲式，讓人感到緊張和喧鬧的銅管，不合理的和聲安排也讓人感到不適。”事實上，指揮家的失常指揮和樂團糟糕的演奏是失敗的主要原因。

這部交響曲實際上有著很高的音樂價值，但殘酷的批評使拉赫瑪尼諾夫陷入嚴重的沮喪和巨大的打擊之中，近兩年幾乎沒有發表作品，甚至不得不每天坐于漆黑的房間中接受醫生的精神治療。在經歷巨大痛苦后，他卻在27歲時帶著震驚世界的大師級作品——C小調第二鋼琴協奏曲op.18回歸到了人們的視野，他在28歲時擔綱鋼琴獨奏完成了這個作品的首演。這部作品彌漫著悲傷與痛苦，第一樂章以鋼琴獨奏開始，而不是管弦樂隊的引奏，以F為根音的前八個小節有著十分濃厚的半音色彩，鋼琴低聲部的大和弦使曲子變得莊重而肅穆。當由弦樂和單簧管演奏的第一主題出現時，鋼琴聲部也從大和弦變成了強有力并快速的琶音。示例1：C小調第二鋼琴協奏曲第一樂章

第二樂章則更加憂郁。拉赫瑪尼諾夫在4/4拍中用三連音推動旋律，使其更加流動。在保證旋律流動性的同時，他又在每一拍的重音位置都安置了一個四分音符。這使得旋律聽起來實際上還是四個一組而不是三個一組。如此一來，右手三連音的旋律使樂曲更加流動，而左手則平衡了這一不穩定性。三連音與二拍子的結合體現了拉赫馬尼諾夫對節奏的大師級操控能力，流動與穩定的兩極結合達到了完美的平衡。 示例2：c小調第二鋼琴協奏曲第二樂章

第二鋼琴協奏曲中的悲傷色彩是整首曲子最讓人回味的地方。他在極大挫折的席卷下卻以飽滿的激情和完美的創作技巧，將這種悲傷充沛抒發到了他的音樂之中。

二、“極密集音群作曲風格”

“極密集音群作曲風格”（單純從字面上來解釋是豐富的、音非常多的作曲方式）這一創作特點早已在第二鋼琴協奏曲中表現出來了。杰拉爾德·亞伯拉罕評論：“極密集音群作曲風格”不僅意味著大量音符，而且意味著飽滿而集中的和聲。在拉赫瑪尼諾夫的每部作品中都可以找到這一創作特點。演奏者必須有超高的技巧和對作品的深度分析，因為他的這一作曲風格遠不單單只體現在龐大的音符數量，更體現在復雜的織體和音樂里極強的個人情感。

這一風格的形成與拉赫瑪尼諾夫的學習過程密切相關，他的鋼琴老師是李斯特的學生西洛蒂,李斯特是一位偉大的作曲家，更是一位技巧超群的演奏家。拉赫瑪尼諾夫由此學習到了這一炫技型演奏風格。而且，他的大手也使他很容易就可以演奏十分充盈和飽滿的音群。“極密集音群作曲風格”不僅在技術上很困難，在音色掌控上也很困難。他不僅將鋼琴當作簡單的獨奏樂器，更將交響樂作品才能體現出來的力量與不同樂器豐富的色彩都融入到了鋼琴作品中，將鋼琴的表現力發揮到極致。他的作品不像海頓或莫扎特時期作曲家們的“高貴風格”。“高貴風格”的特征之一是伴奏和旋律區分十分明顯。在拉赫瑪尼諾夫的音樂中，伴奏和旋律之間沒有明顯的區別，它們的邊界非常模糊。每一行都有自己的主題和旋律，每一個聲部都有自己的生命，相互纏繞著發展。

如拉赫馬尼諾夫40歲時創作的第二鋼琴奏鳴曲，這時他的生活相對比較平靜，創作的作品也較多。這首奏鳴曲中所運用的對位法極其復雜。從第一樂章的第15小節開始，四個聲部各自的性格逐漸明朗。到第18小節，音樂變得更加復雜，高聲部的附點節奏，中聲部快速的十六分音符，次中音聲部和低聲部相對穩定地流淌。音樂隨著發展越來越強烈，高聲部保持著相同的節奏，由單旋律變為和弦，將音樂推向高潮。示例3：第二鋼琴奏鳴曲 作品36《第一樂章》

在慢板樂章中，“極密集音群作曲風格”仍然很突出。拉赫瑪尼諾夫喜歡將主題隱藏于對位之中。每次的新主題在不同的聲部交叉出現，并且不同的主題聲部都有自己的伴奏聲部。他有非常扎實的對位法知識。“嚴格而自由”，“嚴格”體現在他完美的對位組織，“自由”體現在他將對位與許多其他作曲方法結合在一起。

三、半音色彩主義

拉赫瑪尼諾夫的半音色彩與莫扎特等其他作曲家的半音色彩不同。在莫扎特雙簧管協奏曲K314中，有一處是半音音階連接著呈示部和發展部，你不會感受到太多的情緒，它只是單純的一個橋梁的作用。而在拉赫瑪尼諾夫的音樂中，他的半音主義被用來表達強烈的情感，有著強烈的個人色彩。筆者認為，這一特點形成的原因要追溯到他早期在圣彼得堡的生活。當時他跟茲韋列夫學習鋼琴。茲韋列夫是一位非常善良的老師，甚至為貧困的學生提供免費課程和住處，拉赫瑪尼諾夫就是其中一位。在那里，拉赫瑪尼諾夫有很多時間去建立屬于自己的獨特音樂世界。特別是第一年只學習鋼琴，這也為他提供了足夠的時間來探索音樂。正是因為他的內心儲存了各種各樣的色彩，才能將這些色彩都表達到音樂作品中。除了半音色彩主義背后的強烈情感十分特別以外，他的半音色彩作曲技巧也十分值得研究。拉赫瑪尼諾夫喜歡將單一的半音主題不斷地發展壯大，如鋼琴第二奏鳴曲第一樂章的中間部分。示例4：第二鋼琴奏鳴曲2 OP.36 第一樂章

在此片段中，他將半音與對位相結合。更具體地說，半音的移動加劇了音與音之間的緊張感，更體現出痛苦、糾結的情感。此外，半音移動模式也使推動感更強，旋律仿佛突破了小節的限制，無限的拉伸、延長。我們可以感受到他強烈的個人情感在半音音樂語言中體現得淋漓盡致，右手緊密的移動與相對穩定，有空間感的左手伴奏相結合。一緊一松，一張一弛，音樂旋律在呼吸中訴說著拉赫馬尼諾夫的故事。

拉赫馬尼諾夫的音樂是浪漫的、深情的。坎坷不平的一生使他創作的音樂作品大多蒙上了悲劇音樂色彩的面紗。而撩開這層面紗，我們會走進一個更浩大的世界——極密集音群與半音色彩主義的渲染。這三點音樂特征并不是以單一的、獨立的身份存在于拉赫馬尼諾夫的音樂之中的，而是互相環繞著、緊密牽連著的。他創作的音樂作品最大的魅力在于不是一個平面，而是三維的，甚至四維的。當你探索到音樂的更深處，你將看到，迎著波濤和閃電，從動蕩和挫折中走出來，將一切痛苦與不安化成美妙音樂旋律的不朽作曲家——拉赫馬尼諾夫。