瀨戶內海三年展中的“物”語

摘要：筆者通過參觀日本瀨戶內海三年展，找尋其中當代藝術與“物派”相關的作品內容，通過作品的參觀感受與在地性藝術展覽展開探討藝術與環境，展覽與旅游文化的關系。

關鍵詞：物派;瀨戶內海藝術節;在地性

中圖分類號：G125;J114

文獻標識碼：A

文章編號：1005-5312 （2020） 20-0022-02

瀨戶內海國際藝術節每三年舉辦一次，到2019年已經是第四屆，在春夏秋三季都會開放展期。瀨戶內海是日本的內海，由豐島、直島、小豆島、男木島、女木島等十幾個小島組成。隨著時代的發展，原本的瀨戶內海由于全球工業化導致的人口外遷及老齡化失了往日的活力。最早的瀨戶內海藝術節為了恢復其人文生命力，企圖藉由藝術，打造自然與島嶼文化，每一個展季的開放日期大概在一個月左右。2019的主題是“海之復權”，瀨戶內海藝術節的藝術項目同越后妻有大地藝術節一樣大都注重自然景觀與藝術作品的結合，無論是海景旅游，還是文藝打卡，2019瀨戶內海藝術節都帶來了“跳島”旅行的高峰，一定程度上是在地藝術項目的典范。

我是在秋季和朋友一起去看展的。除了海景的魅力，其中很多的藝術作品都留下來很深的印象。日本的“物派”藝術在六七十年代發展起來，用東方的思想觀念影響了很多藝術家，他們在作品中使用大量自然材料，注重物與物以及空間環境關系的同時，揭示自然世界的存在方式，從而引導人們重新認識世界回歸自然。在瀨戶內海藝術節上看到的一些物派藝術家的作品以及其他關于物的呈現的作品更加深了對于“物”語的認識和感受。

1.聲與音

高松市立美術館是瀨戶內海藝術節室內展區的一部分，展館比較小只有上下兩層。館內的作品以架上作品為主，少量裝置與雕塑作品在館內擺放。

其中有一件日本藝術家藤本由紀夫的作品《EARS WITHCHAIR》，是一件觀眾可以參與體驗的作品，工作人員會提示你應該可以坐在椅子上聽管道內的聲音。兩根管道中間有一把椅子，當你把耳朵貼合在管道中間沉浸其中，會感受到有一種呼嘯而過的風聲，又或是空氣旋流。而隨著你自己發出聲音或者呼吸又或是環境改變，耳邊的聲音會產生更豐富的不同變化。這件作品很不起眼，朋友說如果不是我讓她去聽，她不會認為這是一件作品。而過了很久這件作品依然給我很深的印象，在那一刻的安靜和聆聽的感受非常獨特。藤本的作品大都帶領觀者去發現聲音，聆聽聲音，將人類的感覺具體化，變成可觸摸可感知的實物，讓觀眾參與其中，去探索日常而又陌生的感官世界。

在豐島的心臟音檔案館位于豐島的海邊，已經收集了三萬多心臟跳動的聲音，它是法國藝術家克里斯蒂安.波爾坦斯基的作品《心之檔案》，藝術家曾奔走各地，收集快樂的心臟音，悲傷的心臟音，其中一個空間你可以聽到不同人心跳的聲音，有的心臟音跳動的有力而厚重，讓人真切的感受到生命的存在。在另一個面向海邊的錄音室，可以錄下自己的心跳的聲音并永久存放或送給心愛的人。這也是一個觀眾參與度很高的作品，有人說它是最浪漫的博物館，也有人說是令人傷感的博物館，因為隨著人的離去心臟音也會消失?？死锼沟侔病げ柼顾够且晃划敶^念藝術家，他的作品更多的關注生命與死亡，他的父親是猶太大屠殺的幸存者移民，他收集了很多大屠殺中逝去的人的照片和遺物，作品《紀念碑》《D家庭的相冊》等是人們思考生命的脆弱與轉瞬即逝，而《心之檔案》更加深了我對于這個藝術家的理解，豐島的心臟音博物館成為其對生命永恒的巨型寓言。

2.光

在直島的“家”項目中《ANDO MUSEUM》是安藤忠雄執刀的屋，除了混凝土建筑本身帶來的感染力，感覺在他的建筑博物館對于光的運用感覺很玄妙。房屋的外觀保留了本土居民住所的全貌，院子里一處錐形玻璃穹項裝置，最初不明白它是什么。博物館內部的玻璃櫥窗展示了安藤忠雄的建筑作品草稿，展廳設置了下層空間的展室，從展廳迂回下行，通過窄長的樓梯，到達一個昏暗的小型室內空間，在一個幾乎只能容納一人的窄小空間看到頂部一小片微光。感覺有點像冥想室，又像是在黑暗之中給你的一點點希望。走出博物館以后再看這個小裝置才明白它這是地下展室的頂光的來源，不禁感嘆建筑師本身的匠心獨具?！霸谖业淖髌分?，光永遠是一種把空間戲劇化的重要元素，”“通過將自然和光引入那些與城市環境相隔離的簡單幾何形中，我創造了復雜的空間”。安藤打造的自然、藝術、建筑三者的交融在瀨戶內海的直島得以完美顯現，從直島的宮浦港到地中美術館、李禹煥美術館、南寺等都是安藤忠雄的杰作。

“物派”藝術的代表人物李禹煥的美術館坐落在直島的海邊，安藤忠雄的混凝土建筑和美術館有機的結合在一起。展覽館內部極簡風格的作品和混凝土建筑的灰色極其搭配，其中印象最深的是室外的一件通往海邊的作品。一道圓弧通道性的“門”非常富有感染力，它面向大海，腳下則是堅硬而厚實的金屬板，弧形門兩側是兩塊未經過加工的大石頭。傍晚的夕陽和金色的門遙相呼應，極其原始自然的海邊，天然的石塊與金屬以及海邊自由生長的蒲草簡直是作品與自然空間的完美結合。非常多的人在這件公共藝術作品前面拍照。當你踩著繪畫表面般的金屬地面穿過那扇門，迎著夕陽走向海邊的那束光時，你會深深體驗到一種與天地相互交融的深切感受，也許這就是“物派”作品所帶來的巨大魅力，這件作品名為《凡爾賽拱門》。

地中美術館是安藤忠雄的建筑作品，整個建筑的設計空間像一個迷宮，是一座建造在地里面的運用原生地形修建的美術館。建筑館內沒有任何人工電源，全部依靠的是天井采光。展覽需要提前預約購票，排隊的人數眾多，每一件作品都需要至少排上十分鐘到二十分鐘的隊。整個建筑的設計空間比較復雜很容易迷路，印象最深的是詹姆斯·特瑞爾的關于光的作品。詹姆斯.特瑞爾曾說：我喜歡把光作為一種物質材料，但是我的媒介是真正的感知。我想讓你感覺到你的感覺，看到你自己所見的物件，在這樣的空間里，光以其平時被忽略的覆蓋性和引導性，讓人們坐下來，或靜立，在一片如蠶繭包裹的光暈里，面對一種冥冥之中的真實，或虛無，或內心某種相對應的東西?！?/p>

在地中美術館的展廳內，觀眾進入昏暗的展區會看到一個很大的方形的光的畫面，靜立以后由導覽員引導逐漸踩著幾節臺階可以走進到光的“畫面里”，進入到一片光的盒子區域以后，光的顏色會隨著時間開始改變，開始似乎是紫色的后來逐漸變成橘紅色。人在一篇色彩的迷霧當中變幻不同的感覺。也許是視網膜造成的這種光色的變化，也許是作者打光的時間和色彩在相應變化，這種光的空間變化境遇和感覺是絕無僅有的。它和單純觀賞一件光的作品不同的是：這種沐浴在光里的心理感受以及隨著時間的色、光及視覺效應的改變。他的另一件作品“opensky”同樣與光有關系，在梯形的開放空間中，中間頂部有一個天井，四周沿著墻壁的環形石凳可以讓人們坐在上面抬頭望向天空，因為是全部開放的天空并沒有遮擋，地面有一些下過雨的水跡，人們就是在混凝土和藍天之間感受照射光在混凝土上的變化，感覺這件作品與建筑空間完全融合在一起。有些小蟲子偶爾飛進這片空間，似乎每個人都能坐在那里看很久這片天空，據說有時候在夜晚也會開放，人們可以欣賞夜空。

莫奈的《睡蓮》在橘園美術館的圓廳中間人們可以坐在那里仔細的欣賞一片荷塘和睡蓮，而在地中美術館的陳列則是完全自然光的展廳布置。在一片純白的氛圍中，包括地板也是潔白，人需要換鞋進入這片純白的空間區域。也許自然光本身也是有不同時間的顏色傾向，看紫色睡蓮的時候會覺得眼前一片片的紫色光影。這也許是在展示方式上運用天然光源與觀看傳統繪畫時的不同區別吧。

3.水滴

豐島美術館參觀的時間和人數都是都限定的，一次只讓十幾名觀眾進入。所以在排隊的時間很長，而水滴與風的感受，是不會被忘記的美好瞬間。聽經過的中國旅游團的導游講，這是一間沒有電也沒有展品的美術館，展品就是水滴形建筑本身和地面上持續出現的小水滴。它是建筑師西澤立衛的作品，據說之前曾是垃圾填埋場。豐島美術館在大海和梯田直接的一個丘陵上一間遠觀像是水滴的美術館。內部的水滴<》則是內藤的作品，出于一種物理學上的原理，混凝土的坡形地面上會從一個極小的圓孔里生出很多水滴，水滴隨著地面結構的不同往中心流去。而流淌并不是直接的，而是地面像是用蠟處理過的一樣，水滴的流淌時而往左時而往右，時快時而靜止。觀眾在一片露天的美術館里感受水滴和風。而這風的輕柔來自一條線，這條線自然的飄在連接天空的穹頂處。通過輕輕飄蕩的細長的線條你感到的是微風，是慢的時間。觀眾很多席地而坐或者直接躺著。雖然是混凝土的地面我穿著襪子有些許涼，可是就像小時候觀察小螞蟻那樣的可愛的心態靜靜感受水滴的無常沒有規律的流動，躺在一個這樣安靜的地方，心也慢慢靜了下來，而且竟然慢慢睡著了幾分鐘。這種禪意打動了很多人，有很多人專門來看這件作品而且想要再次去觀賞它，被列為此生必去的美術館之一。這種坐禪一樣的感覺與“物派”藝術中對自然的純粹欣賞一脈相連。由于島上的作品極為分散，每去找一件作品都需要坐一次大巴，犬水滴”是美術館，“小水滴”就是美術館的咖啡廳，在里面點了蛋糕和咖啡人們就可以在海邊的斜坡上休息曬太陽看海。豐島美術館旁邊就是另一間作品豐收祭的表演，鼓聲陣陣。很多人加入豐收慶祝的歡樂的人群，海邊和太陽下放空的思緒和身體得到了一些休息。

4.“家”項目

除了上文提到的安藤忠雄的《ANDO HOUSE》，島上還有幾處不同藝術家運用廢棄的島內房屋制作的“家”項目的作品。包括宮道達南的《角屋》，安藤忠雄與詹姆斯.特瑞爾合作的《南寺》等。將建筑融入居住者當年的記憶元素，使空間作品化。

藝術家大竹伸朗位于直島的“家項目”是一間牙醫診所改造的一間房子，以“夢的記憶”為主題進行了再創造。內部充斥著各種豐富的元素包括海報拼貼，外部的拼貼畫一樣的瓷磚，繪有牙齒形狀的瓷磚，走到樓上可以看到自由女神像在室內舉著火炬，感覺到一些詼諧的氣氛。藝術家大竹伸朗以拼貼作品著稱，而他的藝術作品中所用的材料大都來自很多垃圾處理廠的雜物，而位于直島的另一處《I LOVE湯》也具有使用功能，是一間營業的充滿昭和風的藝術錢湯，人們可以買票進去洗澡.而他這些豐富的舊物堆積制造的作品同樣可以讓人對物質的循環利用有不同的理解。他的作品中建筑外側以及地面拼貼的花里胡的瓷磚給我留下了深刻印象，感受到藝術家在舊物利用改造方面的極強的創造能力。

很多“物派”藝術家將未加工過的物體直接陳列，而“后物派”藝術家進一步豐富了“物派”所帶來的材料語言，更重視行為與材料相呼應的形態制作，在賦予材料以鮮活生命的同時，使營造的空間成為體悟和感知歷史，生命和文化的場。而禪宗的哲學思想對其對于藝術家產生的深遠的影響都給觀者留下了深刻的感受，文中提及的藝術家很多并非“物派”藝術家，但是觀展本身對于不同層面的藝術家對于“物”的表達也有了更深的感受和認識。

瀨戶內海三年展期間的志愿者及工作人員比較多，旅行及看展都更方便，但是展覽期間的人數眾多，住宿以及交通都不太便利。豐島美術館、地中美術館在平時也都是開放的，由于參觀時間有限還有很多藝術的項目都沒有看全。包括上野市、男木島、女木島等都沒有足夠的時間參觀。這種“在地性”的感受比較重要，相對于“越后妻有”鄉村藝術節，更加吸引我的是瀨戶內海的美麗大海，可以說這個三年展是海島游與展覽的完美結合，而中國也越來越多的開始運作鄉村與藝術在地結合的項目及藝術節。

隨著藝術的社會性元素發展開來，藝術的鄉村建設逐漸浮出水面，包括各地興起的公共雕塑節與公共藝術的蓬勃發展。公共空間里的藝術能否帶動當地的文化或者旅游，這個問題也是十分需要探討的。面對瀨戶內海的蕭條，藝術家決定通過藝術帶動瀨戶內海的旅游和發展，地中美術館，豐島美術館這樣的大型展覽館，與自然環境緊密結合，他的投入不僅僅是把藝術家或者藝術作品拿到當地這么簡單。藝術文化本身的注入與當地生活的實際體驗都是非常重要的內容，瀨戶內海藝術節可以說是鄉村建設成功的典范。而在日本“物派”藝術家與“枯山水”一樣，把對于禪宗的理解很多運用到作品當中，達到一種凈化心靈，與天地通融的冥想境地.這也與中國文化中的儒釋道精神是相通的。

通過觀展對于當代藝術中的“物”有了更深的認識，空氣光影與聲音以及生活的細枝末節都可以成為藝術創作的元素，藝術從來都是由心出發的體驗，而在特定藝術場域中的可以打動了所有人的藝術作品也令人嘆為觀止，期待在國內也可以看到更加精彩的“在地”藝術項目。

參考文獻：

[1]顧黎明.山水賦“與物為春”.

[2]走近“物派”《庫藝書》，2019.

[3]“什么是后物派藝術”雅昌藝術網，2016.

作者簡介：韓淑英，女，山東菏澤人，天津美術學院，副教授，研究方向：當代藝術。