故宮外國文物展陳設計中的中式美學思想

任帥 林楠

現任故宮博物院展覽部宮廷原狀展示組副組長的任帥畢業于北京交通大學建筑與藝術學院，取得碩士學位。入職以來，長期負責故宮博物院展覽形式設計工作。先后負責或參與完成過壽康宮原狀陳列及專題展、珍寶館新館之珠寶館及金銀器館等常設專館的形式設計，《故宮藏四僧書畫展》《趙孟頫書畫特展》等特展的空間及柜內設計。由他負責形式設計的

《愛琴遺珍——希臘安提凱希拉島水下考古文物展》于2018年9月14日在故宮博物院開放。

遙遠的公元前一世紀，一艘滿載著精美物品的貨船從希臘化的小亞細亞沿岸港口出發，駛向意大利的羅馬共和國——它們新主人的國度。然而在出發之時，誰也不會料想這些精美“貨物”會與承載它們的船只一樣，永遠無法完成自身的“使命”了。寧靜、祥和的海面也許突然就變了臉色，自然的力量和死神不會為“希臘哲學家”留出哪怕多一秒鐘的時間來“辯解”，璀璨的人類物質文明不會博得一絲災難的憐憫，堅實的木質貨船在狂暴的海風中就如風中的薄紙一般無助，最終沉沒于安提凱希拉島附近水域，從此長眠兩千余年。如今，當我們在故宮博物院神武門展廳看到這批從沉船中打撈起的文物，也許，我們會更情愿相信另一個假設或是想象：“美麗”的海妖塞壬也被希臘美麗的藝術打動，魅惑了這艘永遠無法抵達終點的貨船，才使兩千年后的“相聚”成為可能。

“愛琴遺珍——希臘安提凱希拉島水下考古文物展”展出的文物，幾乎無一例外地遍布被海水浸泡的痕跡，青銅雕塑的殘支、飽受腐蝕的陶制器皿、支離破碎的玻璃器等文物上除去珍貴的歷史信息外，對于一般欣賞者而言，其所能感受到的應該是殘存的古典藝術之美，以及由于殘缺而重新附屬于文物身上的殘缺之美。值得深思的是：通過這種殘缺之美所帶來的想象空間，這本身與注重筆外之意、弦外之音的中國傳統藝術理念十分契合。所以，即便僅從美學價值來看，此次“非典型”的希臘文物與故宮神武門展廳的相遇也不僅僅是不同文明風格的碰撞，更可被看作是一次唯美的攜手。因此，從展覽的視覺呈現，也就是形式設計角度，此次展覽在帶給觀者一種希臘文物遠渡重洋的“巡禮”感之余，希望能夠通過中式美學思想在設計中的滲透，在故宮展廳環境中營造文物與環境相和諧的視覺體驗。

設計理念

透過通透的玻璃展柜，船體殘骸、生活用品、大理石雕塑、青銅雕塑、玻璃器皿、運輸用的陶瓶、沙發構件等，向觀者展示了古希臘文明的一個個縮影。文物背后的知識和信息涉及經濟、藝術、航海等方方面面的領域，其體量、材質、工藝又具有明顯的差異。如此龐雜的內容需要通過空間設計、色彩設計、柜內布置、平面設計等環節進行梳理與視覺呈現。雖然希臘館方已對文物固定形式等細節比較熟悉，出于保證文物的安全目的，其固定方式及基本展出邏輯順序必須被滿足，但設計者以神武門展廳作為空間基礎，在色彩選擇、空間布局、展線排布等方面注入中式美學的理念和思維，希望通過設計手法和形式語言，柔和西方文物群組和古建展廳空間，塑造一個統一語境下的具有形式美感和文化深度的體驗空間。

漫步展廳，觀者最大的感受也許就是一座座古希臘文物仿佛直接“穿越”來到古建中，僅有連綿的蔚藍色的色塊映襯在背后，讓人嗅到愛琴海的味道，也仿佛點醒人們這批文物那“坎坷”的命運。細心者也許會覺察，與一些印象中的古希臘面貌不同，空間中不見古典裝飾的符號，比如在視覺上重復強調水平方向的裝飾線與重復強調豎直方向的希臘石柱等，抑或是作為視覺焦點的繁復雕刻的柱頭、面塊浮雕等。古希臘風格裝飾中“點、線、面”的符號在神武門展廳這個“厚重”的空間中消失了，取而代之的是簡練、隱退的設計語言。古建內部的“規制”和“格局”完全被遵從。在單純、安靜的空間中，古希臘文物自身靜謐的力量感毫無阻礙地迸發出來。在中式古建空間與歐洲古典文物之間，不需要過多的形式感上的介入，就可以達到無論是形式上還是精神上的理想狀態。

“意過于形”、“雖由人作、宛自天開”、“復歸于樸”。無論是文人山水，或是古典園林，其核心審美構建要素都是“意”。“形”要讓位于“意”，服務于“意”，“形”才有其價值。即便疊山理水的結果只能是咫尺山林，只要“意”被毫無禁錮地表達了，無限風景便在心中。同樣，在中式古建中展出外國文物，“形式”的存在和運用依然完全可以遵循中式傳統美學的核心。這個前提確定后，曠奧相替、虛實相間等手法的運用只是順理成章。正如前文所述，古希臘文物不遠萬里攜手紫禁城，決不能僅僅是一次“巡禮”。與其給觀者一種在故宮中突然走入一間“外國文物展廳”的感受，不如讓這批底蘊深厚、肅穆凝重的古希臘文物充分地在中式美學與古建空間中散發其感染力。

實際運用

步入神武門城樓，觀者會發現，展覽所占用的空間，作為一個次級空間存在于原始建筑中。它充分遵從古建原狀空間，利用古建布局規整的特點，合理使用延墻展柜，不干涉破壞展廳的空間結構，幾組中心場景均在簡潔的基臺上布置經營，基臺四周盡量用對視覺影響或干擾最小的玻璃進行圍擋。環顧后不難感受到，中國木質古建筑內部的以“間”為單位的規整感和縱深感完全得以保留。除了突出文物，人為的干涉在空間中都是隱退、消融的，設計的“存在”在語境中是含蓄的、謙卑的，是不易被覺察到的。在展墻、柜內背板這些立面的單位上，幾乎沒有裝飾要素的存在。古建原狀的信息以最大的程度被保留了下來，這一點充分體現了中式美學甚至哲學思想上“有無相生”的理念。在展廳一層入口附近，雙方設計者共同打造了復原水下考古現場的中心場景，幾組雕塑與陶器的殘骸被精心布置在細沙之上，輔以背景渲染和水紋燈的特效，仿佛使觀者置身其中。在前期磨合過程中，希臘館方的原有方案是場景后置實體墻，從而使場景三面圍合，僅留一面作為觀看的“視窗”。經過置身于現場反復地推敲，設計人員將場景背面的墻體改為紗幕。這樣一來，場景兩側經過的觀者都能隱約看到對側的景象，展廳空間由此變得更為通透，這本不起眼的改變恰好體現了東方美學與西式理性的區別。東方美學空間的“透與漏”，結合文物場景表現出的真實感，中西美學的交融表達得淋漓盡致。我們不難發現，這種類似于“借景”和“軟隔擋”的設計手法在中式空間中多有應用，而在展廳狹長空間中，這種處理巧妙地化解了空間的壓迫和逼仄。

展廳兩層各有一處中心展柜作為場景中視覺焦點，一樓的大理石雕像組，在一個規整的扁平立方體基座上，每個雕塑的位置都幾經推敲，遠觀猶如中式庭院中心堆砌的山石，簡潔、克制的設計突出了雕像的肅穆與力量感。在一層展區收尾之處的延墻柜中肅立的正是“希臘哲學家”雕塑殘件組，這組青銅雕塑殘件被分件固定在基本臺座上，這組臺座由立方體塊組成，簡潔質樸，使觀者目光可以完全集中在雕塑上，殘件通過高低錯落的布置，“哲學家”的原貌基本被勾勒如初，其深邃的雙瞳仿佛穿透了整個展廳，直視著每一位到來的觀者。經過展線前期的鋪墊，觀者也終于走到他的身前。這短暫的對望，也許他已等待了千年，就像其體態所表達，他有太多東西要對觀者訴說，但是這一切我們只能交由想象來發揮了。如果展廳空間是一幅文人畫卷，到這里，旅途至半程，我們終于與畫中人物會面了，是一段期盼的結束，也是一段相遇的開始，觀者也將移步至展廳二層空間繼續與愛琴遺珍的邂逅。

二樓中心柜放置著象征當時權貴階層奢侈生活的見證——臥榻，其本體已殘缺不全，通過設計者精心構建，由樹脂和亞克力復原了臥榻的整體樣貌，殘件出現在原有位置，作為二層空間視覺上的焦點，這樣對殘缺美毫不掩飾的表達，既得益于西式的嚴謹與精確，又充滿中式的想象與禪意。亞克力和樹脂的使用使文物本身在視覺上像“漂浮”一般，盡可能減低了其造成的空間壓迫感，對古建空間的干擾再次降至最低。

展覽的尾聲——安提凱希拉裝置區，特意辟出半圍合的空間，空間入口與內側展柜的關系有如中式庭院的層次關系。在這個圍合空間中，各種關于羅盤與天文的知識鏈接與文物的模型一起揭示了當時希臘文明之先進，正如一副長卷最后的提拔，既是后人的總結概括，又是感悟、贊歌。圍合空間也是給予觀眾一個能夠思考、消化的心理空間。

展覽色彩、柜內設計

在色彩表現方面，正如前文所述，設計者不希望本次展覽僅僅成為一次希臘文物的“巡禮”，希望其實實在在與故宮環境發生關系，刻上烙印。經過推敲，設計人員決定保留展廳以暖木色為主的底色，對天花、地面、柜體顏色不做任何改變，在柜內的色彩上，則盡量配合展覽主題。這樣可以使空間層級分明，且觀者時刻有在故宮古建展廳中觀賞希臘文物的時空交錯之感，而不是簡簡單單地來到了一個現代博物館觀賞外國文物。展柜內的色彩選用海藍色背板與白色底托，在這樣的渲染下，文物有如安靜地躺在愛琴海海底的細沙中。總體的視覺效果上，木質的墻面與藍白結合的柜內色彩形成了碰撞與互補。藍色與白色同時象征著希臘文明血液中流淌著的理性與哲思、平等與自由，而作為基層色彩的木色代表中國傳統哲學思想中對自然的無限崇尚。由此，兩者從色彩語言上得到了延伸和強調，并在展廳空間中達到和諧共存。

在柜內的布置方面，文物的擺放在滿足邏輯順序的前提下，在立面效果上注重高低起伏的節奏變化。此外，文物體量大與小、數量多與少、組合聚與散的關系也得到強調，換言之就是傳統美學中的“疏密有致”。舉例來看，在沿墻柜中，成組的文物與說明題板仿佛組成了一張山水畫卷，畫面主體有如高低錯落的重巒一般，而間隔“留白”處，文字說明背板恰好出現，像極了手卷中的題跋。文物的擺放注重前后層次，高低錯落，在數十米之長的沿墻柜中，山水畫意中的“平遠、高遠、深遠”是不難被窺探出來的。

平面設計是展覽內容直接向觀者傳輸的主要途徑，也往往是在展覽整體中“自由發揮”空間最大的一環，而形式對內容和意境的服從使本次展覽在平面設計上保持了克制、簡約。版面偏重豎向的長寬比例，符合傳統美學審美，色彩上不跳出藍色與白色的色彩系統。文字之外，板式中大量的“留白”存在，既給予觀者足夠的“心理空間”，也體現了展覽形式設計整體思想從空間到平面的徹底貫徹。

綜合來看，本次展覽簡潔的設計語言和疏朗的敘事節奏，以及對展廳空間最小的干涉，都旨在營造“歸繁于樸”的想象空間。確實，有些時候，“初日芙蓉”更勝“錯彩鏤金”，當古希臘文物在紫禁城展廳煥發新生的同時，中式美學也以“潤物細無聲”的方式滲透于展覽之中。