湯米·郭：自然

冰島是一個島國，其景觀由大自然的力量所塑造。這個人口不足40萬的國家是世界上人口最少的國家之一。在全球化時代，許多經濟體面臨著自然的退化和腐蝕所帶來的嚴重問題，但是冰島卻能獨善其身，保護其自然資源免遭嚴重破壞。

難怪自稱自然主義者的紐約商業攝影師湯米·郭（Tommy Kwak，亦稱Thomas Kwak）于2008年首次來到冰島時，便立即著手拍攝。在那里，湯米·郭感受到了自身與自然之間的深切關聯，并開始記錄冰島美麗的自然風景，由此創作出他的第一組系列作品《冰島1》（Iceland 1 ）。

毋庸置疑，湯米·郭對風光和自然有著強烈的熱愛。直到如今，他仍然每年都會造訪冰島，繼續記錄這里的自然風景，同時也為他在紐約快速增長的藝術領域商業合作進行創作。湯米·郭稱社交媒體是其業務快速增長的主要營銷工具。

在藝術家和自然主義者的認知里，自然被賦予不同的含義和獨立的見解，湯米·郭也不例外。他認為大自然是使人平靜的避難所和令人振奮的自由空間，“對我而言，自然就像是能夠逃離日常生活的港灣”。

在另一個藝術領域，藝術家兼作家史蒂芬·費里奧托（Steven Ferrioto）將他關于憤怒管理的著作命名為：“自我治療——平靜的避難所”（SelfMedication-A Calming Refuge ）。有趣的是，湯米·郭既沒有讀過這本書，也沒有聽說過史蒂芬·費里奧托，但他們的觀點卻不謀而合。

本文涉及到湯米·郭在冰島拍攝的幾組系列作品。其中之一是《信件》（Letters ）。里面用到了兩組舊信件，一組凝固了人們祝賀一個女孩在學校畢業的記憶，而另一組都是一位父親寫給他參加戰爭的兒子的信。這兩組信被并置在一起，凸顯出人生的強烈反差——畢業與戰爭。一般來說，畢業主題會融入榮譽感、自豪感與成就感等象征含義，并能為個人增加價值，在家人、朋友和親人中營造一種認同感。然而戰爭恰恰與此相反，它引發的是悲傷、恐懼、破壞和分離，甚至死亡。

《信件》系列作品不僅體現了湯米獨特的藝術表現力，而且極好地調用了攝影的藝術以喚起人們過去的記憶。他從舊貨商店買來1920年代～1950年代的舊信件，然后巧妙地加入他在冰島拍攝的當代彩色照片，使曾經塵封在歷史信件中的人重新發聲，煥發新的生機。這組作品將不同時間、地點的人們和自然風光有趣地結合在一起。除此之外，他的很多作品都促進了世界對冰島的了解。

嘟嘟·馬當塞拉對話湯米·郭

你在獲得平面設計美術學士學位的6 年后開始學習攝影課程，這期間做了什么？請分享一下你的藝術經歷。

湯米·郭：大學畢業后，我回到俄勒岡州的波特蘭市。那時我的生活和工作并沒有完全安定下來，從事過各種工作，包括在廣告公司擔任自由設計師，客戶有耐克和星巴克，等等。同時，我也為一家獨立設計雜志做插圖和美術字。另外，我還有一些自己的設計項目客戶。2006年，我移居紐約市，在個人生活和創造性方面重啟了我的人生。在這段時間里，我的興趣逐漸從設計轉向攝影。我進入紐約國際攝影中心（International Center of Photography）學習，并進行實踐拍攝，受到攝影記者和紀實攝影師們許多啟發。2008年，我第一次去冰島，那時是一時興起，隨后就迷上了那里的風景。之后，我的攝影作品變得更加專注于自然和風景。并且從那時起，我每年都要去冰島一兩次，探索和拍攝新的區域。

你的創作動機是什么？

湯米·郭：我說不清是否有一種特意的、有意識的動機驅使著我的創作，但我總是被世外之境和荒蕪之地所吸引。水對我也有很強的吸引力。

無論我在哪里，我都會盡量拍攝下所看到的景象。一般來說，我只是在遵循自己的直覺。在后期制作期間，我的設計背景和極簡主義傾向開始發揮作用，影響了最終對照片的裁剪和編輯方式。

銷售攝影作品并不容易，你認為是這樣嗎？

湯米·郭：是的，我認為這很難。要推廣作品，需要花費大量的時間和精力，足以趕上一份全職工作。但是，如果你付出足夠時間和努力，肯定有很多機會可以出售自己的攝影作品。

你的藝術作品銷售情況如何？有哪些經驗可以分享？

湯米·郭：我最近銷售的作品變得更多了，這主要歸功于社交媒體，尤其是用Instagram將我的作品展示給更多的觀眾。我發現要取得成功，就需要不斷地上傳作品并積極參與社區活動。薩奇藝術（Saatchi Art）是我推廣和出售作品的另一個渠道。像Instagram一樣，它也對社區中的活躍藝術家很有利。Minted對于藝術家來說是另一個重要平臺。通過Minted平臺的比賽，藝術家可以將其作品出售給Target、West Elm和Pottery Barn等大型零售連鎖商店。

賣出第一件藝術作品花了多長時間？你的客戶主要有哪些？

湯米·郭：花了幾年的時間。我的客戶主要是室內設計師、建筑師和藝術顧問，還有一些收藏家。

你曾說：“自然對于我既是平靜的避難所，又是激動人心的自由之地”。這讓我覺得你的拍攝并不是隨性的，是這樣嗎？

湯米·郭：拍攝是一種自發行為，因為無論我在哪里，我都努力遵循自己的直覺并拍攝我所看到的東西。但是，也有并未完全自發的方面，因為在我決定拍攝地點之前，需要進行大量的研究和計劃。

你所說的“我通常會想到一個吸引我的目的地”與《穿搭冊》（Lookbook）系列有關聯嗎？

湯米·郭：《穿搭冊》系列照片是為冰島雷克雅未克的一位時裝設計師拍攝的。由于她的服裝質樸自然，我們想在能夠與這些品質產生呼應的地方拍攝，所以我們驅車駛出城市，進入鄉村，找到了理想的地點。那是一片荒蕪的風景，有苔蘚、熔巖、神秘而充滿蒸汽的池塘，以及生銹的廢棄汽車。

《穿搭冊》系列是如何開始創作的？

湯米·郭：2010年夏天，我在雷克雅未克的市中心散步，遇到一家有趣的服裝店。我帶著相機走進去，店主注意到我。當時，我仍在用中畫幅膠片拍攝，所以我的相機肯定很顯眼。我們開始交談，偶然間她提到打算為即將開始的時裝系列制作穿搭冊，問我是否有興趣為其拍照。我抓住了這個機會！

為什么在藝術創作中使用大畫幅和彩色攝影？

湯米·郭：我更喜歡大畫幅，因為我認為它最能表現廣闊的風景。我的大多數作品是彩色的，以捕捉獨特的色彩，例如法羅群島的綠色和冰島的藍色。

在《信件》中，你把彩色的冰島圖像與舊信件相結合，這種融合不同藝術的想法很有趣。

湯米·郭：《信件》系列來自我在一家舊貨店里發現的一摞1920年代～1950年代的舊信件。其中一些信是一個父親寫給離家參戰的兒子，還有一些是祝賀一個年輕女孩從學校畢業。從這些信件中，可以一窺這些人的生活，但不能看到完整的情況。當時，我還在用較為抽象的實驗性方式拍攝冰島。從審美上看，這些色彩鮮艷的風景與祝賀畢業信件的粉色和綠色信紙搭配得很好，與那位父親信件中比較淡雅的色調形成對比。從概念上講，信件和抽象景觀的零散信息與神秘特質是一致的，但當它們被拼貼在一起時，就開始相互交流并創造出某種敘事。

能不能以一種簡單的方式解釋一下《信件》系列的敘事？

湯米·郭：照片以某種方式說明了信件的內容，但不是字面上的聯系，而是引發作品的情感以及信中文字的基調，觀眾可以從中獲得敘事。

Flatfile 藝術畫廊的雙人展是不是你與畫廊的第一次合作？合作是如何實現的？

湯米·郭：這是我第一次與畫廊合作， 但在Flatfile藝術畫廊上的展覽更像是一個群展。在冰島藝術駐留時，我遇到了一位來自紐約的藝術家同行。幾年后，他寫信給我，邀請我在他創辦的Flatfile 藝術畫廊展出作品。在這次雙人展中，他邀請了他的另一個藝術家朋友，他的作品也與自然有關。我們的作品在審美上差別很大，但是最終，他的花卉拼貼畫與我的極光和海浪照片形成了內在的平衡。

你覺得制作水平最高的是哪組作品？

湯米·郭：我對《色度》（Chroma ）這一系列作品感覺最為強烈，因為我真的很享受在制作這些圖片時的實驗過程，最后效果可能會出乎意料。

到目前為止，你認為藝術教給了你什么？

湯米·郭：要有耐心，需要很多付出，也需要一點運氣。

正在計劃什么項目？

湯米·郭：我打算今年秋天去格陵蘭拍攝冰山。我想嘗試用無人機，拍攝出新視角下的冰山。

根據你的經驗，對年輕設計師和攝影師有何建議？

湯米·郭：盡可能多地工作。通過不斷拍攝和編輯，你可以從錯誤中學習，完善你的技巧，并找到自己的風格。