內在主觀體驗

張立影

摘要：情緒語言的表達是畫家對繪畫的一種深層次的內在主觀審美感受與體驗，是繪畫創作中十分重要的要素之一，與畫家的涵養和素養是分不開的！本文試圖通過分析繪畫作品中的情緒語言闡述情緒表達在繪畫作品中的應用和魅力。

關鍵詞：內在體驗? 情緒語言? 繪畫表達

中圖分類號：J205?文獻標識碼：A?文章編號：1008-3359（2020）21-0044-03

一、情緒語言是繪畫表達的最高境界

林風眠說“藝術家為情緒沖動而創作，把自己的情緒所感傳給人類。換一句話說，就是研究藝術的人，應負相當的人類情緒上的引導，由此不能不有相當的修養，不能不有一定的觀念”。托爾斯泰在《什么是藝術》一書中說：“藝術好壞的定論，應該了解藝術的人多寡而決斷，如多數人懂的，多數人說好的便是好藝術;多數人不懂的，多數人說不好的，便是壞藝術”。這種論調未免失平。如果是這樣，藝術家將變為多數人的奴隸，而消失其性格與情緒之表現。克魯泡特金批評托氏這種言論，亦謂其過于偏見。繪畫是借用自然物像來表達情緒或情感的一種藝術形式。情緒如何表達？情緒語言之所以是繪畫表達的一種要素，是因為我們能夠從畫家作品中感受畫家性格，越是個性鮮明、強烈的作品，我們越是能從作品中感受到畫家在其作品中流露出來的強烈的個人情緒印記。這樣的作品才可能感召人，打動人，具有無限的魅力。現實中，每個人宣泄自我情緒的方式不盡相同。畫家通過畫面來表達情感，色彩、造型、筆觸等是畫面必不可少的因素，畫家往往通過筆觸或色彩等流露畫家自我的情緒，并把情緒表達出來。繪畫中的情緒表達是繪畫中最重要的決定性因素，也是其繪畫作品中的靈魂。

二、探究繪畫作品中情緒語言的運用

《藝術哲學》一書中指出藝術是真理的原始發生。藝術創作的真正價值并不在于它在創作形式美上所獲得的成就，而是藝術情感的顯現，它超越了能被我們直接感知的具體的形式和內容。作為一門獨立存在的藝術，繪畫有著其自身所具有的價值意義，取決于畫家內心真情實感的表露和潛意識里或者后天修煉所形成的理念。謝赫六法、齊白石的似與不似等中國畫論與西方的現代主義繪畫的理論雖然有著時空和距離的差距，但在心靈上卻都有著殊途同歸、不謀而合的思想認知，都有著同樣追求藝術的表現，都得到了心靈的升華。

不同時期、不同國家的畫家對作品中的情緒表達也不一樣，例如，作為20世紀表現主義藝術先驅的挪威畫家愛德華·蒙克，他的代表作《吶喊》以極度夸張的手法，描繪了一個極度變形，夸張、扭曲尖叫的、像骷髏般的人緊緊捂著耳朵的人物形象，對于這幅畫的緣來，蒙克這樣說：“一天傍晚——日落時分——我和我的朋友沿著峽灣邊的小路漫步——路的一邊是城市，另一邊在我的下方是峽灣。當時的我很疲憊，停步在峽灣邊上向藍黑色的城市和峽灣那一邊望去——落山的太陽把天空的云彩染的像鮮血一樣紅——籠罩在城市和峽灣的上空”。“突然我聽到一聲巨大無比的尖叫聲劃過天際;這聲尖叫讓我產生焦慮，我因恐懼站在原地不住的顫栗，于是我畫下了這幅畫——用流水一樣的形狀畫了那些像真的鮮血一樣紅的云。來表達我內心的焦慮與不安——那些色彩在尖叫——這就是永恒《吶喊》”。透過他的作品，強烈的色彩對比讓我們產生一種焦慮、不安、恐懼的掙扎心理，它擾亂了我們的心智以及那種感到透入人心令人驚駭的詭異，深深的感受到那種對生的冷峻不安與愛的焦慮以及對死的恐懼心理。

文森特·梵高的作品流露出強烈的情緒印記，他的作品具有極大的魅力，感染著觀者！一直到現在我們還能被他的作品強烈吸引和感動，點、線、面、體、色彩、造型等作為繪畫的基本語言的運用把情緒傳達出來，向我們傳遞了更多畫家內心的精神境界。而不僅僅是表達畫面的色彩和點線面等，這些都是為情緒而存在的，畫家內心的情緒通過繪畫的基本元素傳遞出來，從而也使得這些基本的繪畫語言元素伴隨著畫家的情緒表達迸發出更大的魅力。情緒語言的挖掘對畫家個人風格的形成和發展有極大益處，能讓畫家更好的追求獨特的個人面貌。

梵高一生有據可查的畫了一共十一幅向日葵，1888年作在陽光明媚的法國南部的《向日葵》是梵高最具代表性，也是他最經典的作品。梵高懷著激動、狂熱的情緒，用飽滿明亮的黃色，簡練、旋轉、律動、粗厚、潑辣有力、奔放不羈的筆觸描繪了向日葵的花朵，畫面上朵朵向日葵花夸張的形態各異，花盤堅實厚重。大膽的筆觸、筆筆有力，像刀子一樣鋒利張狂！整幅畫面顏色單純強烈，表達了他對陽光、色彩高調的訴求。那些充滿激情的色彩、扭動有力的筆觸像燃燒的熊熊火焰，讓向日葵充滿了鮮活的生命力。他描畫的不單單是植物向日葵，而是帶有鮮活動力的生命共同體。據傳他畫了11幅姿態各異的向日葵，向日葵為什么會吸引梵高？梵高認為向日葵是一種神圣的植物，代表了光、太陽和生命，他的向日葵形態各異、深深淺淺交織成錯的黃色暖調，強烈的視覺效果隱喻了梵高孤獨、天真、驕傲與純粹的生命，是他對自我生存表達的追求與渴望，是他內心永遠沸騰的為了藝術不懈的動力與熱情。他的向日葵不是簡單地對自然物象的寫實描繪，畫面流落出的是他那火一般的旺盛生命力和精神的體現。每一朵花仿佛都在訴說他對生命的理解與闡釋，是他內心孤獨、糾結真實的自我寫照，是他內心精神的希望，希望像向日葵一樣永遠根植于大地，茁壯成長，樸實、熱情、永遠朝向著太陽，微笑著惹人喜愛。象征主義詩人和評論家加布里埃爾-艾伯特·里爾聲稱，梵高的向日葵包含一個強大的理念，在書寫法蘭西信使的太陽能盤，向日葵在法語里的解釋為“落在大地上的太陽”。“強迫性的激情，使他一遍又一遍地畫著壯麗的向日葵，不知疲倦”。梵高回答說它們確實代表了一個想法：“感恩”。向日葵也是梵高內心憂傷，緬懷他與后印象派另一位大師高更在一起的日子，梵高畫的向日葵可以說與高更有莫大的聯系，是他內心真實的自畫像，是他精神世界的自我表達。

李青萍是一位我國優秀的表現主義先驅畫家，也是我國藝術史上一位令人矚目的女畫家，她的一生跌宕起伏，但卻一直堅持繪畫，她的作品在具象和抽象之間，也被稱為半抽象風格作品。他用高度概括的手法、對比強烈的色彩、飽滿的情緒、粗放不羈的筆觸描繪畫面，超越了時間和空間，給人無限的遐想。比如她的一幅創作于20世紀90年代的藍色調富士山的作品，這幅作品被喻為是她自我精神的回歸，將自己悲苦的一生化作沉著、堅毅的大山，積聚的憤怒情緒化作厚重的顏料在畫布上肆意涂抹發泄著。畫面上的背景是大面積湛藍色晴空，翻騰著云氣，晴空下黑色的富士山在地平線上聳立，白雪堆積在山頂和山腳下，畫面左前方幾株野葦草生機勃勃地搖曳生姿。這幅極具代表性的富士山畫作，構圖明快，用厚重的顏料昭示歲月的滄桑、用粗獷的筆法表達了濃郁而熱烈的氣息。她說富士山是她的自畫像，她的作品超越了基本的色彩與造型，每一筆、每一塊都反映了她對藝術至高的思想境界，畫面富有層次，色彩飽滿、沉著、濃郁、艷而不俗、畫面氣場強大、具有極大的張力，體現了她的情緒和感受。蘊含著極大的情緒表達和精神隱喻，是她對自己生活甘苦與時代所造就的深刻體會，是她對生命、生活與自由的渴望。正如她自己所言“一個藝術家的生活有多寬，有多深，她的藝術就有多寬、多深”。

藝術的生命是情感的體現，也是畫家自己對世界獨特的感悟，是畫家對生活的體驗與升華。只有畫家把自己的真情實感帶入到繪畫作品中作品才能更好地打動觀者，感染觀者，作品才具有感染力，具有獨特不同于他人的魅力與靈魂。所以說繪畫藝術高于我們的現實生活，又是從生活中提煉出來的，是畫家情感情緒體驗的一種生活，帶給人更高的精神享受。

三、情緒語言研究的價值與意義

情緒在繪畫中有何價值？有何意義？當代藝術紛繁復雜，已經突破了傳統，打破了傳統繪畫的各種條條框框的束縛和限制，呈現了多元化發展的新面貌、新形勢。怎樣更好的表達自己的情緒？把作品中的情緒運用到極致，更需要我們打破固有思想的束縛，運用夸張的表達手法或者形式來表達畫面。比如強調點、現、面的運用，出生于1929年被喻為怪婆婆的日本前衛藝術家草間彌生就是點化極致運用的代表。正如她自己所說：“宇宙有無窮無盡的原點，我們都是圓點，你是一個點，我也是一個點。來自宇宙空間，消融于宇宙空間”。然而正是這些色彩艷麗、密密麻麻的點，可以說是密集恐懼癥克星的點，使她把點的情緒運用發揮到了極致！吸引了眾多人狂熱的崇拜和瘋狂癡迷的追捧，在藝術上一直引人矚目，閃爍著璀璨的星光。有人形容她的作品是描繪著人類的尊嚴與幸福，對抗著戰爭與不幸，依然走在時代的前沿。運用直線與紅黃藍色塊的俄國藝術家蒙德里安，點線面結合的康定斯基都是抽象藝術代表的先驅，他們的藝術改變了人們對繪畫的認知，給藝術的發展帶了巨大的影響，給我們帶來了最美的色彩直覺和韻律。他們構成性的線與色彩的應用，雖然在一定程度上壓抑了情緒的表達，但并不妨礙他們的作品帶給我們精神上的震顫！把色塊和面運用到極致的美國抽象畫家馬克·羅斯科，當我們駐足在他的作品面前，我們會被他作品所產生的無法言喻的、不可抗拒的力量和精神所感動，好像是一個個懸浮著的空間，在黑暗中發著光，催生出迷幻的敬畏感的精神體驗。羅斯科說：“我只對如何表現人類最基本的情感感興趣，悲劇、狂喜、厄運等等。有些看了我作品的人們，會感到崩潰并放聲大哭，這表明我傳達出了那些最基本的人類情感”。他畫的不是色塊，而是通過畫面表達出對人類最基本的情緒表達。

通過大師的作品我們可以看出繪畫中情緒的思考、探究是很有必要的。情緒語言的挖掘發揮應用，有助于畫家繪畫風格或個性語言的鍛煉或者表現。所以畫家在作品中需強調挖掘情緒語言的應用，很多畫家往往都是在色彩或者造型上努力表達，而忽視了情緒語言的展現，所以作品往往缺乏感染力、生命力、缺少藝術至高無上的魅力。繪畫通過畫面傳遞給觀者不同的視覺感受，當下由于圖像發展迅速，人們可以從照片、圖片、圖像資料等來繪制和塑造畫面，圖片、影像資料等也正慢慢成為畫家獲取繪畫元素或靈感的一種主要途徑，畫家能夠從圖像資料中尋找或描繪圖像進行再塑造，通過作品抒發作者內心情感，表達傳遞個人情感。

繪畫面對諸如繪畫已死的終極宣判言論，沒有死亡，卻反而在攝影、印刷等現代科技的沖擊下解放出來，可以說好的繪畫是從心出發，而不是簡單對圖片物像進行摹寫。如果只是對圖像表面的描摹，藝術作品就不具有深刻的文化內涵，而意化了的形象，是浸潤了畫者情緒的心中之境，往往更加鮮活和令人感動。帶著自我的情感去觀察事物，融入自我的主觀表達，當我們站在一幅激動人心的作品前面時，我們通常會思考，畫家想通過這幅作品向我們傳達一種怎樣的情緒，展示他怎樣的生活態度。所謂畫如其人，畫家往往不自覺的在其畫面中流露出自己的真實情感，體現出他的藝術追求。把自我內心的真實情緒、情感運用到作品中，可以抒發或表達自己的精神追求。

四、結語

林風眠說：“我們試想像原始人類時代，穴居野處，當時人類之生活實極簡單。他們一方面為滿足生活的需要而生產工具，一方面為滿足情緒上的調和而尋求一種相當的表現，這就是藝術”。情緒的表達可以增加繪畫作品的感召力和魅力，作品缺少情緒語言的表達或流露，可能就會使作品流于乏味。只有真正融入自我情緒的作品才能打動人、感染人，才能讓我們有精神的震顫。康定斯基說所謂的作品表達的內在情感即情緒，藝術肯定要服務于自己的使命，作品中的“情緒”語言就會加深和升華觀者的心靈。這樣的作品無論如何都可以使精神免受侵害，并使精神保持著一定的高度，就像音叉能夠較正樂器上的琴弦一樣。呆板、毫無生氣和情趣的畫面會讓觀者和藝術家增添厭煩。戴士和先生說：“每個人都可以‘隨心所欲地編排自己的繪畫語言，在畫室里關上門自成一統，可以在自己的畫家前調兵遣將、稱王稱霸、為所欲為，難怪有人把藝術家當作絕對自由精神的化身，在藝術活動中尋求對于社會桎梏的逃避”。藝術需要的是純粹的精神，在創作中淋漓盡致的張揚自己，表達自我，不斷創新與發展，回到藝術的本真，增強畫面的情趣和情緒的感染力，這是我們自我藝術道路發展或者成熟的途徑。

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