論油畫創作中色彩運用的習慣培養

蔣輝平

摘要：本文分析油畫創作與寫生的關系，論證二者都是繪畫藝術實踐者運用繪畫形式語言進行表達的過程。油畫創作中色彩運用的習慣就是在該過程中慢慢形成的，可以從有意義的選擇與訓練、少即是多、個人繪畫形式語言對色彩的需求三個關鍵點進行有效培養。

關鍵詞：油畫 色彩 習慣

新古典主義之后，油畫風格愈發趨向個性化，個人的繪畫形式語言越發凸顯，以至成為衡量一名油畫家成熟的重要指標之一。繪畫形式語言包含的內容是多樣的，即題材、主題、繪畫本體等。本文講述的油畫創作中色彩運用的習慣，之所以用“習慣”，是因為，人既有理智的一面，又有感性的一面。這方面的探討在西方哲學中很多，即“酒神文化”，講究人性。習慣，于此處來闡述油畫創作中的色彩應用，略顯口語化，但卻很貼切地說明了色彩運用過程中的感性。本文從藝術創作的角度，試圖論證油畫創作中色彩運用的習慣培養，揭示該習慣形成過程中的若干因素和辦法。這樣的研究對于教學和繪畫藝術實踐都是有直接作用的。

一、寫生即創作

通常畫油畫會分為寫生和創作，從時長、畫幅尺寸、過程等方面講，無可厚非。寫生，無論畫什么，在表現時間上都相對短暫;一般情況，對于尚處于學生階段或未成熟的畫家來說，寫生的目的多側重于訓練眼、手、感受、材料等的協調能力;戶外寫生又稱為“采風”，側重感受與實景體驗。上述這些，對絕大多數學生或未成熟的畫家來說，是必然的經過，有一定的道理，但對于成熟的藝術家而言，如此的區分沒有任何實際意義。

人人都很特別，無論內心還是外貌，如“世上沒有兩片相同的樹葉”一般，不可能存在繪畫感受和表達上的完全相同。因此，每個繪畫藝術實踐者天生都有個性，僅需后天有意識地培養和挖掘。油畫創作是創作者將內在感受借助于油彩、畫筆、點線面的組織關系、圖式等，進行情感外化的過程和結果。難道寫生不是嗎？從表現過程看，都是情動于衷而行于實踐，若無對形式語言、材料等的基本理解是無法動筆的。哪怕只是初學油畫的兒童或少年，只能說他們的專業認知尚欠缺，但表達的過程是同等存在的。因此，寫生非寫生，寫生即創作。本文論述油畫創作中色彩運用的習慣培養就是基于該認知上的。學習油畫的常見方式有觀賞書本或畫展、寫生、臨摹等。這些過程中，學習者并非忘卻自我的存在，相反，愛好繪畫藝術還付諸學習者都有強烈的主觀意識，對自己的好惡有著清晰的認知?？梢?，所有的賞析、學習都是按照自己的主觀意識挑選的過程，創作的畫面和喜好的作品都是個人品位、認知的體現。個人繪畫形式語言也就在這個過程中慢慢形成。當然，從單純的繪畫藝術愛好者成長為成熟的油畫家還需經過多方面的考驗和學習過程，特別是內在的訓練與變化。在教學中，常有關于某學生天賦高低的評價，所謂“天賦高低”大概率是講該生的專注和喜好程度。能持之以恒的學習者，在這方面都值得認可。在成長為一名成熟油畫家的過程中，需要正確的引導，以及學習者本人堅定的信心和努力。

二、有意義的選擇與訓練

處在信息時代，尋找學習資料不是一件困難的事。在此用“有意義”來限定選擇與訓練，是因為在“多”的時刻，準確地找出適合自己的“少”是非常有必要的?，F行的各種媒體使人們欣賞到許多不同風格的油畫名家，了解到展覽上哪種風格更加流行，哪種色調的油畫是當下的主流。對于學習者而言，這些都是誘惑，也是學習的對象。

面對選擇的困難，絕大多數人都是一樣的。那么“有意義”的選擇是怎樣的？筆者認為包含了兩方面：一是捫心自問，不求多，任何一種藝術風格在當下“同質化”嚴重的時代都會有眾多追隨者，好好研究幾個成熟畫家即可;二是以時段來滿足探索的好奇心，在一定的時段內堅定研究自己最喜歡的幾位畫家，直到內心達到一定認知、實操能力為止。當下完整的色彩體系大致可分為：古典主義色彩和印象派色彩?？赡軙腥朔瘩g，運用電子科技會出現有別于該兩套色彩關系的“電子色彩”。在此確實不知該怎樣更準確地稱呼這種色彩關系，且以此名來代替。運用“電子色彩”進行繪畫表現的畫家不在少數，尤其是西方當代藝術家，如Peter doig、Danil Richter、David Hockney等，從可靠的資料發現，他們確實是用電腦處理過素材或直接用平板電腦進行繪畫。但不可否認，這些在國內耳熟能詳的國外當代大家，其作品都具有強烈的個人形式風格語言，色彩關系很強烈、刺激，但都有各自的內在邏輯，和諧而美麗。仔細分析這些作品會發現，其用色邏輯依舊在古典主義色彩和印象派色彩這兩個框架內。古典主義用色側重于固有色，與畫面中黑色和褐色找到畫面的統一，營造一種莊重感。而印象派色彩，側重于冷暖、鮮灰和明度的變化，畫面鮮亮而協調。請注意此處強調了“側重”，兩套用色體系并非憑空出現的，有前后繼承的關系，如大師達·芬奇就指出，色彩在空氣的作用下，距離遠近決定色彩的純度，越遠，純度越低，無限接近灰白色。這樣的色彩理解和幾百年后印象派色彩的認知是一致的，包括前文中所述國外當代名家運用的“電子色彩”，依舊沒有脫離這樣的色彩邏輯。對他們的作品進一步分析發現，畫面中心仍然依靠色彩純度和明度的強對比來凸顯。相信國內大多數美術高考生都學習過印象派。鑒于水粉顏料的便攜性、價格的低廉，其是訓練色彩的最佳工具之一，學習印象派能快速掌握一套系統的用色邏輯，滿足了考學的剛需。為了升學和在考試框架下，系統學習一下印象派色彩是十分有必要的。待進入高?；蚶^續研究繪畫，就需要有意識地選擇和訓練了。

三、少即是多

印象派的色彩很豐富，相信大多數繪畫者都像塞尚那般羨慕莫奈有一雙發現色彩的眼睛。然而，“筆墨當隨時代”，印象派的產生有它特定的時期，在當下，繼承的同時更應有發展。因此，印象派色彩需要找到新時代背景下的新面貌，上文中所述運用“電子色彩”創作出的作品，可以認為是印象派色彩的一種繼承，當然還有更多樣式。如美國女藝術家艾琳·漢森（Erin Hanson），她的作品在色彩關系上更加貼近莫奈的色彩，但表現上有所差異，艾琳·漢森的用筆更方正剛硬，刻意追求筆觸的塊面感、形狀感，在造型上更主觀和圖形化。

印象派架構起了一套影響至今的色彩體系，但畢竟是一個時代的產物，如后印象派就認為印象派色彩過于客觀，對創作是一種限制。當下，繪畫藝術創作更強調創作者的主觀意識，表現在色彩上就是主觀用色。當然，主觀用色不等同于胡亂用色，從前文可以看出，創新是繼承的關系，相對于傳統只是發展了某些部分，而非全盤否定。如當下國內的一些藝術大家：毛焰、武明中等等，作品中用色幾乎趨近于單色。細品這些成熟藝術家的作品會發現，藝術家只是做了色彩的減法，依據主題和畫面的內在精神進行色彩的概括和提煉。油畫創作必然需要這樣的提煉，創作者自身也需要這樣的升華。通常會認為色彩沒有美丑之別，但是人有喜好的差異。比如高純度用色，很難要求寫實油畫家，尤其是古典寫實的畫家去運用純度偏高的色彩進行創作;又如創作者本不喜好綠色，或說不善于運用綠色，為什么還要苦苦強求呢？創作，最終以作品的品質來決定水平的高低。在學習和嘗試的過程中，盡可能地掌握更多技能和運用好色彩是十分有意義的，但個人繪畫形式語言越成熟，會發覺自己對畫面的品位、理解越深刻和純粹。面對自己擅長的幾種色彩，反而更能激發創作的欲望，使創作過程更加專注和順應自我的內心。少即是多，豐富的嘗試過程可以增強創作者的藝術修養，但是個人藝術上的成熟，需要自我的提煉、提高認知、歸納技法、明確喜惡。既然如此，油畫創作中色彩的種類是否需要那么多呢？答案是顯然的，追隨內心，以少為多，在“方寸間”變化出五彩繽紛。

四、個人繪畫形式語言對色彩的需求

隨著個人繪畫形式語言的形成，會發現色彩與其他構成要素是一體的，不同畫法對色彩要求大相徑庭。從繪畫本體看，構成畫面無非就是點線面、色彩、材質感、空間關系和構圖關系等。而這些元素，在按照美的法則組合的過程中卻變幻出無窮可能，為繪畫的發展提供了廣袤的空間。不同風格的畫法，色彩也在與之變化和匹配。如最近幾年國內比較主流的畫法，強調構成關系的油畫作品，畫面中凸顯構成元素的點線面，尤其是畫面中面與面之間的形色對比，這樣的畫面能像印象派作品那樣運用色彩嗎？很顯然，那樣的畫面是很詭異的。從印象派的作品中可以發現，該流派的畫作用筆都傾向于小號筆，筆觸細膩靈動，強調光影在時間里的無窮變化，而色塊間的對比強度就相對較弱了。如國內白羽平、張炳林等畫家，在作品中強調色塊間的強對比，處理手段上多用大板刷、刮刀、刮板等，對色彩的要求自然相對強烈和純粹，這樣才能更好地展現畫中的力量感。

五、結語

習慣的養成需要漫長的時間和諸多因素的作用，人是主體。油畫創作中色彩運用的習慣培養既要考慮上述文中所提到的，還要看色彩本身以及所處社會的文化生態。中西方文化畢竟存在著差異，如繪畫創新、色彩的文化所指、造型概念等方面。白色，在中國被認為是喪葬的代表，所以有“白事”之說;相反，歐美認為白色是圣潔的，如西式婚禮中的新娘服裝色。藝術、學術無國界，但藝術家有國籍，藝術、學術也需要可供生存的社會文化生態環境。藝術家不論接受哪國的教育，要使作品表現所處環境的真、善、美都不能脫離該環境，否則作品的能指和所指都無法發揮預期的效果。習慣，是人在活動中產生的，是主觀能動性與客觀事物相互作用的結果，油畫創作中色彩運用的習慣也在這樣的基本規律之內。

參考文獻：

[1]蔣躍.繪畫形式語言[M].北京：人民美術出版社，2012.

[2]崔之進.后印象派藝術的色彩研究[M].南京：東南大學出版社，2012.

（責任編輯 王瑞鋒）